Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist Zeit, über Pam Evelyn (geboren 1996 in Surrey, Vereinigtes Königreich) zu sprechen, diesen malerischen Wirbelsturm, der die Welt der zeitgenössischen Kunst mit der Kraft eines Taifuns erschüttert. Mit nur 28 Jahren bietet sie uns eine meisterhafte Lektion darüber, was es bedeutet, im 21. Jahrhundert zu malen. Vergesst eure Vorurteile über junge Künstlerinnen, diese hier ist anders.
Das Erste, was an ihrer Arbeit beeindruckt, ist diese fast übernatürliche Fähigkeit, Malerei in eine lebendige Kraft zu verwandeln. Ihre Leinwände sind nicht nur flache Oberflächen, die mit Pigmenten bedeckt sind; sie atmen, schwitzen, vibrieren mit einer Intensität, die an Walter Benjamins Beschreibungen der Aura von Kunstwerken erinnert. Aber Achtung, versteht das nicht falsch: Hier handelt es sich nicht um eine bloße Erbin des amerikanischen Abstrakten Expressionismus. Nein, Evelyn macht etwas viel Radikaleres, Zeitgenössischeres, Dringlicheres.
Das erste Thema, das aus ihrer Arbeit hervorsticht, ist die verwurzelte Beziehung zur Materialität der Malerei. In “Hidden Scene” (2022), einem monumentalen Triptychon, begnügt sich Evelyn nicht damit, zu malen; sie inszeniert einen wirklichen Kampf zwischen Oberfläche und Tiefe. Die Streifen roher Leinwand, durchsetzt mit schwarzen Spuren, sind nicht einfach auf die Oberfläche geklebt; sie erzeugen eine fühlbare Spannung mit der kaleidoskopischen Komposition darunter. Es ist, als hätte Maurice Merleau-Ponty Malunterricht genommen, die Phänomenologie der Wahrnehmung nimmt hier eine greifbare, fast brutale Form an.
Dieser Ansatz zur Materialität erinnert an Roland Barthes’ Schriften über die “Textur des Realen”, nur dass Evelyn das Konzept noch weiter treibt. Sie begnügt sich nicht mit der Andeutung von Textur, sie erschafft sie buchstäblich, Schicht um Schicht, in einem Prozess, der bis zu sechs Monate für eine einzige Leinwand dauern kann. Das ist eine Vorgehensweise, die den Theorien von Gilles Deleuze über die Falte und das Entfalten entspricht, aber in einer resolut zeitgenössischen malerischen Sprache übersetzt wird.
Das zweite Thema, das sich durch ihr Werk zieht, ist ihre Beziehung zur Zeit und zur Bewegung. Nehmen Sie “Deluge” (2023), wo die Oberfläche des Gemäldes zum Schauplatz eines Sturms aus Pinselstrichen in Primärfarben wird, die wie Konfetti auf einem dunklen und verletzten Hintergrund niederprasseln. Dieses Werk erinnert nicht ohne Grund an Henri Bergsons Überlegungen zur reinen Dauer, zur erlebten Zeit und nicht zur gemessenen Zeit. Aber dort, wo Bergson theoretisierte, macht Evelyn diese sichtbar.
Was an ihr faszinierend ist, ist ihre Fähigkeit, den Akt des Malens in eine Art existenzielle Performance zu verwandeln. Jede Leinwand wird zu einem Schlachtfeld, auf dem ein Kampf zwischen Kontrolle und Chaos, zwischen Absicht und Zufall ausgetragen wird. Und im Gegensatz zu manchen zeitgenössischen Malern, die sich darauf beschränken, Gesten der Nachkriegsabstraktion zu recyceln, erfindet Evelyn ihre eigene malerische Sprache.
In “Traced Train Windows” (2023) fängt sie die Erfahrung des Zugreisens ein, aber nicht auf wörtliche Weise. Nein, sie übersetzt das Gefühl der Bewegung selbst, wie sich die Landschaft durch ein fettiges Fenster verzerrt und verschwimmt. Das ist purer Henri Lefebvre, eine Produktion des Raums, die sich nicht zufrieden gibt mit bloßer Darstellung, sondern tatsächlich eine neue räumliche Wirklichkeit schafft.
Was mir besonders gefällt, ist die Art und Weise, wie sie das Format nutzt. Ihre Leinwände sind nicht einfach nur groß, sie sind ambitioniert. Wenn sie Diptychen von fast 5 Metern Breite schafft, dann nicht aus schierer Lust am Spektakel. Nein, es ist weil ihre malerische Sprache diesen Raum braucht, um sich vollständig zu entfalten. Es ist, als hätte sie instinktiv verstanden, was Robert Morris in seinen “Notes on Sculpture” theoretisierte, nämlich die Bedeutung der Größenordnung in unserer physischen Kunsterfahrung.
Und sprechen wir über ihre Palette, diese warmen Blautöne, die auf froschgrüne treffen, diese Gelbtöne, die wie Blitze in einem Gewitterhimmel aufleuchten. Es ist, als hätte sie die gesamte Geschichte der Farbe in der modernen Kunst von Turner bis Howard Hodgkin verdaut, um etwas entschieden Persönliches zu schaffen. Sie malt nicht, um zu gefallen, sie malt, um unsere Gewissheiten darüber, was Malerei heute sein kann, zu erschüttern.
Ihre Arbeit im Residenzprogramm der Studios Porthmeor in Cornwall im Jahr 2022 markiert einen entscheidenden Wendepunkt. Angesichts des wilden Meeres und der heftigen Winde entwickelte sie einen noch körperlicheren Zugang zur Malerei. Die natürlichen Elemente wurden nicht nur zu einer Inspirationsquelle, sondern fast zu Kollaborateurinnen im kreativen Prozess. Es ist faszinierend zu sehen, wie sie diese Erfahrung in etwas zutiefst Persönliches verwandelte, während sie eine kritische Distanz bewahrte, die verhindert, dass ihre Arbeit in die Falle leichter Romantisierung gerät.
In “Mirage, A Glaze of Mischief” (2023) gelingt ihr etwas wirklich Außerordentliches: Sie verwandelt ein flüchtiges Phänomen, ein vergängliches Lichtspiel, in etwas Permanentes und Greifbares durch die Dicke der Farbe. Die leuchtenden Pinselstriche, die sich von oben auf der Leinwand ausbreiten, bevor sie sich festhaken, biegen und fragmentieren, erzeugen ein schwindelerregendes Gefühl von eingefrorener Bewegung. Es ist, als hätte sie das Wesen dessen eingefangen, was Maurice Blanchot “den Moment” nannte.
Was Evelyn wirklich von ihren Zeitgenossen unterscheidet, ist ihr hartnäckiger Widerstand, sich mit einfachen Lösungen zufriedenzugeben. Wo andere junge Künstler sich darauf beschränken, erprobte Formeln zu reproduzieren, stößt sie ständig an die Grenzen dessen, was Malerei sein kann. Ihr Prozess beinhaltet oft die teilweise Zerstörung ihrer Werke, einen Akt des bewussten “Sabotierens”, der an Georges Batailles Theorien über Verschwendung und Exzess erinnert.
Aber Achtung, täuschen Sie sich nicht, diese scheinbare Gewalt in ihrem Prozess ist nicht umsonst. Jede Geste, selbst die zerstörerischste, gehört zu einer umfassenderen Erforschung der Möglichkeiten der zeitgenössischen Malerei. Es ist ein bisschen so, als würde sie Jacques Derridas Theorien zur Dekonstruktion praktisch umsetzen, aber mit Pinseln und Ölfarben statt mit Worten.
Die Art und Weise, wie sie mit der Zeit arbeitet, ist besonders faszinierend. Ihre Leinwände sind nicht einfach das Ergebnis eines linearen Prozesses, sondern eher eine Ansammlung von Momenten, Entscheidungen, Reue. Es ist, als ob sie Werke in Schichten erschafft, wobei jede Farbschicht die Erinnerung an die vorherigen Gesten in sich trägt. Dieser Ansatz spiegelt Paul Ricoeurs Überlegungen zur Zeitlichkeit und Erzählung wider, übersetzt in eine visuelle Sprache von seltener Kraft.
Bemerkenswert ist, dass sie mit nur 28 Jahren bereits eine künstlerische Stimme von erstaunlicher Reife entwickelt hat. Ihre Werke sind nicht nur schön oder beeindruckend, sie sind notwendig. Ihr jüngster Auftritt in der Galerie Pace ist keine Überraschung, es war an der Zeit, dass die institutionelle Kunstwelt ihr Talent anerkennt. Aber Pam Evelyn ist keine Künstlerin, die sich leicht vom Markt domestizieren lässt. Ihre Arbeit bewahrt eine Rauheit, eine Intensität, die der einfachen Kommerzialisierung trotzt.
Evelyns wahre Stärke liegt darin, dass sie Werke schafft, die gleichzeitig auf mehreren Ebenen funktionieren. Ihre Gemälde sind sowohl tief intellektuell als auch körperlich spürbar, historisch bewusst und entschieden zeitgenössisch. Ihr gelingt diese seltene Meisterleistung: Kunst zu schaffen, die sowohl Sinne als auch Geist anspricht. Pam Evelyn repräsentiert etwas Seltenes: einen unerschütterlichen Glauben an die Möglichkeiten der Malerei als Mittel zur Erforschung und Entdeckung. Ihre Arbeit erinnert uns daran, dass die Kunst nicht tot ist, sie ist lebendiger denn je, wenn man den Mut hat, ihre Grenzen zu überschreiten.
