Hört mir gut zu, ihr Snobs! Peter Doig, geboren 1959 in Edinburgh, Schottland, verkörpert den Triumph einer narrativen Malerei, die die konventionellen Grenzen zwischen Abstraktion und Figuration überschreitet. Mit einer jubilierenden Beharrlichkeit hat sich dieser unermüdliche Nomade, der den Globus von Trinidad über Kanada bis London bereist hat, als einer der einflussreichsten Maler unserer Zeit etabliert, nicht indem er Trends folgt, sondern sie mit erfreulicher Ausdauer herausfordert.
Seine Kunst erinnert uns daran, dass die große Malerei nicht tot ist, entgegen dem, was manche Miesepeter uns glauben machen wollen. Im Gegenteil, sie war nie lebendiger als in den Händen dieses Künstlers, der mit jedem neuen Bild die Möglichkeiten des Mediums neu definiert. Eine eingehende Analyse seines Werks offenbart zwei große Themen, die unsere Aufmerksamkeit verdienen: die komplexe Temporalität der bildlichen Darstellung und die Metamorphose der Realität durch das Prisma der Erinnerung.
Das erste Merkmal, das aus Doigs Werk hervorgeht, ist seine einzigartige Herangehensweise an die Zeitlichkeit in der Malerei. Dieser singuläre Ansatz findet eine faszinierende Resonanz in den Theorien des französischen Philosophen Henri Bergson über Dauer und Erinnerung. Nach Bergson ist die erlebte Zeit keine lineare Abfolge von Momenten, sondern eine kontinuierliche Durchdringung von Bewusstseinszuständen. Dieses Verständnis von Zeit als fortlaufender Fluss statt als Abfolge getrennter Momente spiegelt sich bemerkenswert in Doigs malerischer Technik wider.
Nehmen wir zum Beispiel sein Gemälde “Canal” (2023), eine Ansicht des Regent-Kanals in London, gemalt nach seiner Rückkehr aus Trinidad. Die scheinbar einfache Szene, eine leuchtend rote Brücke, die einen grünlichen Kanal überspannt, der Sohn des Künstlers sitzt an einem grünen Tisch auf dem cremefarbenen Treidelpfad, während ein rot-grünes Lastkahn vorbeifährt, wird unter seinem Pinsel zu einer komplexen Meditation über die Natur von Zeit und Wahrnehmung. Die verschiedenen Ebenen des Gemäldes scheinen gleichzeitig in unterschiedlichen Temporalitäten zu existieren: die stabile und architektonische Brücke, verankert in einer fast ewigen Beständigkeit, die sitzende Figur in einer schwebenden Gegenwart, und der Lastkahn, der in einer fließenden und vorübergehenden Zeit gleitet.
Diese zeitliche Schichtung wird durch die Maltechnik selbst verstärkt. Doig überlagert die Farbschichten und schafft eine Tiefe, die nicht nur räumlich, sondern auch zeitlich ist. Einige Bereiche des Gemäldes bewahren die sichtbaren Spuren vorheriger Zustände der Malerei, wie verfestigte Zeitschichten in der malerischen Substanz. Dieser Ansatz erinnert an die bergsonsche Auffassung von Erinnerung als fortwährende Ansammlung von Erfahrungen, die unsere Wahrnehmung der Gegenwart färben.
Die Lichtbehandlung in “Canal” ist besonders aufschlussreich. Anstatt einen bestimmten Moment des Tages darzustellen, schafft Doig eine mehrdeutige Lichtstimmung, die verschiedene Tageszeiten zu verschmelzen scheint. Diese Manipulation der Zeit durch das Licht ruft die Theorie von Bergson hervor, wonach unsere Erfahrung der Gegenwart stets von unserer Vergangenheit durchdrungen ist. Die eigenartige Helligkeit des Gemäldes, weder wirklich taghell noch wirklich dämmerig, deutet auf einen Zwischenzustand hin, in dem mehrere Temporalitäten koexistieren.
Ein weiteres eindrucksvolles Beispiel für diesen komplexen zeitlichen Ansatz findet sich in “Alpinist” (2019, 2022). Der einsame Skifahrer im Harlekin-Kostüm, der den verschneiten Berg erklimmt, scheint in einer unbestimmten Zeit suspendiert zu sein. Das Werk, inspiriert von einer einfachen Postkarte, transzendiert seine dokumentarische Quelle, um einen mythischen Raum-Zeit zu schaffen, in dem Vergangenheit und Gegenwart verschmelzen. Das Harlekin-Kostüm, mit seinen Anspielungen auf die Commedia dell’arte und die Kunstgeschichte, führt eine zusätzliche zeitliche Dimension ein und schafft einen Dialog zwischen malerischer Tradition und Zeitgenossenschaft.
Doigs Technik in diesem Werk ist besonders ausgereift. Die verschiedenen Schneetexturen, vom makellosen Pulverschnee bis zu schlammigen Schmelzstellen, erzeugen einen zeitlichen Ablauf innerhalb des Gemäldes selbst. Der unter den Füßen des Skifahrers schmelzende Schnee wird zur Metapher für den Zeitverlauf, die kontinuierliche Transformation der Materie. Dieser Ansatz spiegelt die bergsonsche Zeitauffassung als reine Dauer wider, in der jeder Moment seine eigene Verwandlung in sich trägt.
Der zweite Aspekt von Doigs Werk ist seine außergewöhnliche Fähigkeit, die Realität durch das Prisma der Erinnerung zu verwandeln. Diese Dimension seiner Arbeit steht in Resonanz mit den Theorien des Philosophen Maurice Merleau-Ponty über Wahrnehmung und Verkörperung. Für Merleau-Ponty ist unsere Wahrnehmung der Welt niemals rein objektiv, sondern immer durch unseren Körper und unsere gelebte Erfahrung vermittelt. Ebenso strebt Doig nicht an, die Welt so darzustellen, wie sie ist, sondern so, wie sie wahrgenommen und durch den Filter persönlicher Erfahrung erinnert wird.
Dieser Ansatz ist besonders offensichtlich in “Bather” (2019-2023), inspiriert von einer Schwarzweißfotografie des Schauspielers Robert Mitchum an einem Strand im Jahr 1942. Die Behandlung, die Doig diesem Archivbild angedeihen lässt, ist aufschlussreich für seine Methode. Die monumentale Figur des Badenden, gemalt in Farbtönen, die jede naturalistische Logik herausfordern, wird zu einer fast gespenstischen Präsenz. Der magentafarbene Badeanzug auf dem gelben Gras erzeugt eine chromatische Spannung, die unsere Wahrnehmung destabilisiert, während Wasser und fernes Ufer so blass sind, dass sie fast unsichtbar werden.
Diese Farbmanipulation ist nicht einfach dekorativ oder expressiv. Sie übersetzt visuell den Prozess des Gedächtnisses selbst, bei dem bestimmte Details mit surrealer Schärfe hervortreten, während andere bis zur beinahe vollständigen Verblassung verschwinden. Dieser Ansatz spiegelt die Theorie von Merleau-Ponty wider, wonach unsere Wahrnehmung stets selektiv und verkörpert ist, beeinflusst durch unsere früheren Erfahrungen und emotionalen Zustände.
Doigs malerische Technik verstärkt diese phänomenologische Dimension. Er wechselt zwischen verschiedenen Graden von Definition und Auflösung, schafft Bereiche, in denen die Farbe scheinbar in reine Farbstoffmaterie zerfällt. Diese Schwankung zwischen Figuration und Abstraktion reflektiert die Natur unserer Wahrnehmung, die ständig zwischen Wiedererkennung und Fremdheit, zwischen Vertrautheit und Geheimnis pendelt.
Der kreative Prozess von Doig ist ebenso aufschlussreich wie seine fertigen Werke. Er arbeitet oft mit Fotografien, doch im Gegensatz zu anderen zeitgenössischen Künstlern versucht er nicht, seine Quellen getreu zu reproduzieren. Stattdessen nutzt er sie als Ausgangspunkte für einen langen Umwandlungsprozess im Atelier. Die Bilder werden bearbeitet, übereinandergelegt, teilweise gelöscht und schaffen visuelle Zeugnisse, die die Natur unserer Erinnerungserfahrung widerspiegeln.
Dieser Ansatz erinnert an Merleau-Pontys Auffassung von Kunst als Offenbarung des Sichtbaren und nicht nur als reine Darstellung. Für Merleau-Ponty kopiert der Künstler nicht die Welt, sondern lässt sie in einem neuen Licht erscheinen, enthüllt Aspekte der Realität, die unserer gewöhnlichen Wahrnehmung entgehen. Ebenso malt Doig nicht so sehr Szenen oder Objekte, sondern die Erfahrung ihrer Wahrnehmung und Erinnerung.
Seine Verwendung fotografischer Referenzen ist besonders ausgereift. Statt Bilder einfach in Malerei zu übertragen, unterzieht er sie einem Prozess der Dekonstruktion und Rekonstruktion, der die Mechanismen unserer Beziehung zu Bildern offenbart. Dieser Ansatz erinnert an Roland Barthes’ Überlegungen zur Fotografie in “La Chambre claire”, in denen das fotografische Bild nicht als Kopie der Wirklichkeit, sondern als Spur gesehen wird, die unser Gedächtnis und unsere Vorstellungskraft aktiviert.
Die Größe von Doigs Gemälden spielt ebenfalls eine wichtige Rolle für ihre Wirkung. Seine großen Leinwände schaffen ein immersives Erlebnis, das den Betrachter körperlich einbezieht, und erinnern an Merleau-Pontys Betonung der leiblichen Dimension unseres Verhältnisses zur Welt. Die monumentale Größe mancher Werke zwingt uns, uns körperlich zu bewegen, um sie in ihrer Gesamtheit wahrzunehmen, und erzeugt ein zeitliches und räumliches Erlebnis, das die Komplexität unserer Weltwahrnehmung widerspiegelt.
Die Materialität seiner Malerei ist ebenso wichtig wie seine Motive. Doig behandelt die Farbe mit verblüffender Freiheit, von dicken Aufträgen bis zu transparenten Lasuren, und erzeugt Oberflächen, die sich ständig zu verändern scheinen. Dieser materielle Ansatz spiegelt seine künstlerische Vision perfekt wider: Wie unsere Erinnerungen und Wahrnehmungen sich ständig wandeln, scheinen seine Gemälde immer im Entstehen vor unseren Augen zu sein.
In “Music Shop” (2019-2023) ist diese materielle Dimension besonders auffällig. Die Figur des Musikers im Skelettkostüm, die vor dem Instrumentengeschäft steht, wird mit einer Vielzahl von Techniken behandelt, die verschiedene Ebenen der bildlichen Realität schaffen. Dickere und texturierte Bereiche kontrastieren mit flüssigeren und transparenten Passagen und erzeugen eine Spannung zwischen der Solidität der physischen Präsenz und der Flüchtigkeit der Erinnerung.
Diese Manipulation des bildlichen Materials ist nicht willkürlich, sondern tief mit der Bedeutung der Werke verbunden. Die unterschiedlichen Texturen und Farbdichten schaffen Übergangsbereiche zwischen dem Greifbaren und dem Immateriellen, zwischen Gegenwart und Vergangenheit, zwischen Realität und Imagination. Dieser Ansatz spiegelt die merleau-pontische Auffassung vom Fleisch der Welt wider, in der das Sichtbare und das Unsichtbare untrennbar miteinander verbunden sind.
Der Einfluss Trinidads auf Doigs Werk ist erheblich. Seine Erfahrung dieser Karibikinsel hat seine Farbpalette und seine künstlerische Sichtweise tief geprägt. Die intensiven Farben und das besondere Licht der Tropen durchdringen sogar seine Londoner Szenen und schaffen faszinierende Hybridisierungen zwischen verschiedenen geografischen und klimatischen Realitäten. Diese Verschmelzung der Orte reflektiert eine zeitgenössische Erfahrung der Globalisierung, bei der die Grenzen zwischen hier und anderswo zunehmend durchlässig werden.
In “House of Music (Soca Boat)” (2023) ist dieser karibische Einfluss besonders offensichtlich. Die intensive Helligkeit und die gesättigten Farben schaffen eine Atmosphäre, die über die reine lokale Darstellung hinausgeht und eine universelle Dimension erreicht. Das Gemälde wird zu einem Treffpunkt verschiedener malerischer Traditionen, unterschiedlicher kultureller Erfahrungen und verschiedener Sichtweisen auf die Welt.
In einer Zeit, in der viele zeitgenössische Künstler sich in sterile konzeptuelle Gesten verstricken oder den Verlockungen des Marktes erliegen, bleibt Doig seiner Vision treu. Er erinnert uns daran, dass Malerei, fern davon ein erschöpftes Medium zu sein, immer noch die Macht besitzt, uns tief zu berühren und die Welt anders sehen zu lassen. Seine Fähigkeit, Bilder zu schaffen, die sich einer sofortigen Interpretation widersetzen und dabei tief im Gedächtnis bleiben, ist vielleicht sein größter Erfolg.
In einer Welt, die von instantanen und wegwerfbaren Bildern überflutet ist, laden seine Gemälde uns ein, langsamer zu werden, aufmerksam zu beobachten und uns in ihren rätselhaften Tiefen zu verlieren. Jede Leinwand wird zu einem Raum der Kontemplation, in dem die Zeit scheinbar stillsteht, verschiedene Realitäten sich überlagern und vermischen und eine visuelle Erfahrung schaffen, die die üblichen Kategorien der Darstellung transzendiert.
Peter Doig ist nicht nur ein großer technischer Maler, auch wenn seine Beherrschung des Mediums unbestreitbar ist. Er ist ein Visionär, der eine einzigartige bildliche Sprache geschaffen hat, fähig die Komplexität unserer zeitgenössischen Erfahrung einzufangen und sich gleichzeitig in die große Tradition der Malerei einzureihen. Er zeigt uns, dass die stärkste Kunst oft aus der Spannung zwischen Vertrautem und Fremdem entsteht, zwischen dem, was wir zu kennen glauben, und dem, was uns immer entgeht.
Sein Werk erinnert uns daran, dass Malerei in ihrer besten Form nicht nur eine Darstellung der Welt ist, sondern eine Art, sie anders zu sehen und zu verstehen. In seinen Bildern wird das Alltägliche außergewöhnlich, das Banale verwandelt sich in Geheimnis, und wir sind eingeladen, die Magie neu zu entdecken, die in den scheinbar gewöhnlichsten Falten unserer Existenz verborgen liegt.
Die Kunst von Peter Doig stellt eine bemerkenswerte Synthese zwischen Tradition und Innovation, zwischen Wahrnehmung und Erinnerung, zwischen Materialität und Transzendenz dar. Sie bietet uns eine Weltansicht, in der die Zeit nicht nur eine Abfolge von Momenten ist, sondern eine gelebte Dauer, in der die Realität keine objektive Gegebenheit, sondern eine permanente Konstruktion unseres verkörperten Bewusstseins ist. Sein Werk lädt uns ein, nicht nur unser Verhältnis zur Malerei, sondern auch unsere Art, in der Welt zu sein, neu zu überdenken.
