Rebecca Warren: Der geschnitzte Karneval, der die Kunst herausfordert

Hört mir gut zu, ihr Snobs. Rebecca Warren ist keine gewöhnliche Bildhauerin. Sie ist diese britische Künstlerin, die Ton mit einer fast kriminellen Intensität knetet und der künstlerischen Establishment Kreationen entgegenwirft, die zwischen dem Erhabenen und dem Grotesken schwanken. Ihre Werke scheinen aus einer primitiven Welt zu stammen, in der ästhetische Konventionen noch erfunden werden müssen. Warren ist jene Kraft, die rohes Material in mehrdeutige Formen verwandelt, die an heidnische Totems erinnern, aber entschieden zeitgenössisch sind.

Wenn Sie ihre massiven Bronzeskulpturen betrachten, die mit kindlicher Absicht bemalt sind, stehen Sie Wesen gegenüber, die quasi-humanoid sind, verzerrt durch Vorwölbungen, Beulen, Vertiefungen und Läufe. Diese Kreaturen ähneln alten keltischen Menhiren oder primitiven Statuen, sind aber auch scharfe Parodien auf die Huldigungen, die die moderne Kunst diesen mysteriösen Totems erwiesen hat. Warrens “Los Hadeans” mit ihren affenähnlichen Gesichtern und spinnenartigen Auswüchsen leben wahrhaftig in der Unterwelt, von der sie ihren Namen haben.

Die Beziehung Warrens zum Material ist grundsätzlich physisch, sogar brutal. Sie drückt, zieht, formt den Ton, der anschließend die Abdrücke ihrer Finger behält, selbst wenn er in Bronze verhärtet ist. Dieser sensitive und taktile Ansatz erinnert eigentümlich an das Konzept des “Körpers ohne Organe”, das von Gilles Deleuze und Félix Guattari ^[1] theorisiert wurde. In ihrem Werk “Tausend Plateaus” beschreiben diese Philosophen einen Körper, der von organischen Zwängen befreit ist, einen Körper, der nicht hierarchisch organisiert ist, sondern als Oberfläche von Intensitäten existiert. Warrens Skulpturen verkörpern diese Vorstellung perfekt: Sie sind Massen reiner Intensität, Körper in ständigem Werden, die sich einfachen Kategorisierungen widersetzen.

Nehmen wir “Helmut Crumb” (1998), diese monumentale Skulptur, die weibliche Beine mit übertriebenen Proportionen zeigt, die auf hohen Fersen ruhen. Dieses Werk, inspiriert von einer Zeichnung von Robert Crumb und einer Fotografie von Helmut Newton, ist keine einfache sexuelle Aneignung von Bildern, die Männer von Frauen geschaffen haben. Es kehrt die Macht um und zeigt siegreiche Frauenbeine, die ohne Kopf voranschreiten, aber unbezähmbar sind. Warren will nicht victimisieren, sondern die männliche Ikonografie in eine Form plastischer Emanzipation verwandeln. Wie Deleuze schreibt: “Der Körper ohne Organe ist kein toter Körper, sondern ein lebendiger Körper, desto lebendiger, desto wimmelnder, je mehr er den Organismus und seine Organisation gesprengt hat” ^[2].

Warrens Arbeit erinnert auch an die Theorie des Karnevales, die von Michail Bachtin entwickelt wurde. Der groteske, humorvolle und manchmal skatalogische Aspekt ihrer Skulpturen ruft die bakhtinische Sicht auf den Karneval als einen Ort des Umkehrens von Hierarchien und etablierten Werten in Erinnerung ^[3]. In seinen Studien über François Rabelais zeigte Bachtin, wie der körpergroteske Stil, der weit davon entfernt ist, nur erniedrigend zu sein, zu einem Prinzip der Regeneration und Erneuerung werden kann. Warren verwendet genau diesen “grotesken Realismus”, um die Konventionen der westlichen Skulptur sowohl zu verspotten als auch zu feiern.

Ihre absichtlich unvollendeten Figuren aus ungebrannter Tonerde spiegeln perfekt das wider, was Bakhtin “der groteske Körper” nannte, der niemals vollendet ist, sich immer im Aufbau befindet und über seine eigenen Grenzen hinausgeht ^[4]. Sie stehen im Gegensatz zum klassischen Ideal des perfekten, geschlossenen, glatten und fehlerfreien Körpers. Warren hingegen übernimmt das karnevaleske Prinzip in seiner körperlichsten Dimension: Ihre Skulpturen zeigen Beulen, Vertiefungen, Öffnungen, Wucherungen, sie sind offen zur Welt und befinden sich in ständiger Metamorphose.

Gerade diese karnevaleske Dimension ermöglicht es Warren, mit künstlerischen Referenzen zu spielen und sie gleichzeitig zu unterwandern. Ihre Metallskulpturen, die in einem vage konstruktivistischen Stil gebaut sind, aber mit einem lächerlichen rosa Bommel versehen sind, verspotten die Pomposität des Postminimalismus. Wie die Kritikerin Anna Lovatt schreibt: “Nichts ruft so sehr zum Lachen wie die postminimalistische Pomposität, durchbohrt von einem wohlplatzierten Bommel” ^[5]. Warren lehnt die künstlerische Ernsthaftigkeit ab und folgt damit dem bakhtinischen Prinzip, dass das karnevaleske Lachen Autorität untergräbt und eine alternative Wahrheit eröffnet.

Warrens Metallskulpturen führen auch einen ambivalenten Dialog mit dem Feminismus. Sie lackiert ihre Stahlkonstruktionen oft rosa und verziert sie mit weichen Bommeln, als wolle sie diesen Formen, die normalerweise mit Männlichkeit assoziiert werden, eine unverfrorene Weiblichkeit aufzwingen. Ihr Werk “Let’s All Chant”, bestehend aus verschränkten Metallplatten, die in einem leuchtenden Bonbonrosa gestrichen sind, entlehnt seinen Titel dem Disco-Hit von 1977 der Michael Zager Band, der den Zuhörer auffordert, “seinen Körper zu bewegen”. Warren verleiht so minimalistisch-traditionell kalten und statischen Formen Bewegung und Sinnlichkeit.

Die Bildhauerin bewegt sich ständig zwischen verschiedenen künstlerischen Traditionen. Während ihre figürlichen Arbeiten an Umberto Boccioni und Alberto Giacometti erinnern, klingen ihre Stahlarbeiten nach Richard Serra und John McCracken. Doch Warren ist keine bloße Nachahmerin. In ihren Händen erhält das Arsenal an Materialien und ästhetischen Strategien, Bronze und Stahl, Figuration und Geometrie, eine persönliche Note durch handbemalte Muster, ungeordnete Spritzer in Eis-, Minz-, Vanille- und Erdbeertönen. Mehrere Werke tragen fröhlich rosa und pastellblaue Bommeln, und der Kopf von “Three” ist mit einer entzückenden Schleife geschmückt.

Im bakhtinischen Kontext kann diese Fusion disparater Elemente als Manifestation des “kollektiven grotesken Körpers” interpretiert werden ^[6]. Warrens Skulpturen sind keine isolierten Einheiten, sondern Treffpunkte, an denen verschiedene künstlerische Traditionen zusammentreffen und aufeinandertreffen, wodurch ein generationenübergreifender Dialog entsteht, der sowohl respektvoll als auch respektlos ist.

Die jüngsten Werke von Warren zeigen eine signifikante Entwicklung. Ihre anthropomorphen Figuren der Serie “Los Hadeans” zeugen von einer Aufgabe der übertriebenen Groteske zugunsten einer subtilen Humanisierung, die sich in Anspielungen auf Kleidung, Hautfarbe und Körpersprache ausdrückt. Indem sie diese identifizierbaren Details in ansonsten urtümliche Anatomien und abstrakte Formen einfügt, schafft Warren eine feine Verständlichkeit innerhalb der Andersartigkeit, eine Art Trainingsfeld für Anerkennung, das heute sehr willkommen ist.

Diese Entwicklung spiegelt Deleuzes Konzept des Werdens wider. Für Deleuze ist das Werden keine Nachahmung oder Identifikation mit etwas, sondern ein Prozess der Veränderung, der eine Nachbarschafts- oder Koexistenzzone schafft ^[7]. Warrens jüngste Skulpturen sind keine Darstellungen menschlicher Figuren, sondern Werden-Menschen, Zonen, in denen sich Menschliches und Nicht-Menschliches gegenseitig beeinflussen.

Warren spielt ständig mit Erwartungen. Ihre ungebrannten Tonskulpturen scheinen der Schwerkraft zu trotzen, während ihre massiven Bronzearbeiten durch ihre leichte Bemalung und schlanken Formen den Eindruck von Schwerelosigkeit vermitteln. Diese Spannung zwischen Gewicht und Leichtigkeit, zwischen Beständigkeit und Zerbrechlichkeit, steht im Mittelpunkt ihres Schaffens. Wie sie selbst sagte: “Ich mag Beständigkeit, Leichtigkeit. Es gibt auch ein Element früherlernten Umgangs, wenn man Papier benutzt, kritzelt, reißt, wegwirft. Es ist schön, diese Dinge manchmal ins Zentrum zu rücken” ^[8].

Im Gegensatz zu Barbara Hepworth, deren Werk durch die Suche nach dem Idealen und formaler Perfektion gekennzeichnet ist, umarmt Warren Imperfektion und Mehrdeutigkeit. Ihre Skulpturen sind keine fertigen Objekte, sondern fortlaufende Prozesse, eingefrorene Momente in einem ständigen Fluss der Veränderung. Dieser Ansatz spiegelt die bakhtinische Auffassung des grotesken Körpers als niemals vollendete, sich ständig entwickelnde Entität wider ^[9].

Warrens Beziehung zur Kunstgeschichte ist komplex und ambivalent. Sie übernimmt Formen und Techniken ihrer Vorgänger, transformiert sie jedoch so, dass etwas radikal Neues entsteht. Wie sie sagte: “Man macht die Kunst, die man macht, nicht die Kunst, von der man denkt, man müsse sie machen, oder die Kunst, die man gerne machen könnte… Es gibt einen Moment, in dem man akzeptieren muss, was man tatsächlich tun kann” ^[10]. Diese Akzeptanz ihrer eigenen Grenzen und Möglichkeiten verleiht ihrer Arbeit Kraft und Authentizität.

In einer Kunstwelt, die oft von übermäßiger Konzeptualisierung und Entkörperung geprägt ist, erinnert uns Warren an die Bedeutung des physischen Engagements mit dem Material. Ihre Skulpturen sind das Ergebnis eines Ringens im wahrsten Sinne des Wortes mit Ton, Bronze und Stahl, ein Kampf, der sichtbare Spuren im Endwerk hinterlässt. Wie Deleuze bemerkte: “Kunst beginnt vielleicht mit dem Tier, zumindest mit dem Tier, das ein Territorium absteckt und ein Zuhause schafft” ^[11]. Warren markiert ihr Territorium direkt im Material und beansprucht einen Raum, in dem Körper außerhalb normativer Kategorien existieren können.

Warrens Arbeit lädt uns ein, unsere Beziehung zum Körper, zum Material und zur Kunstgeschichte neu zu denken. Durch die Verschmelzung so unterschiedlicher Referenzen wie Primitivismus, Modernismus, Feminismus und Popkultur schafft sie Werke, die einfache Kategorisierungen herausfordern. Wie Bakhtin schrieb, ist der Karneval “der Ort, an dem üblicherweise getrennte Elemente nebeneinander bestehen und in Dialog treten” ^[12]. Ebenso sind Warrens Skulpturen Dialogräume, in denen unterschiedliche künstlerische Traditionen, verschiedene Körpervorstellungen und unterschiedliche Materialansätze nebeneinander existieren und sich begegnen.

Das Werk von Rebecca Warren stellt eine Form freudiger Resistenz gegen etablierte künstlerische Konventionen dar. Durch ihr Engagement mit rohen Materialien und ihre subversive Aneignung bildhauerischer Traditionen schafft sie ein Universum, in dem der Körper, befreit von organischen und sozialen Zwängen, neue Existenzmöglichkeiten erforschen kann. Wie Deleuze schrieb: “Kunst ist kein Privileg des Menschen, sondern ein Weg, den die Natur einschlägt, um andere Zustände ihrer selbst zu erreichen” ^[13]. Warrens Skulpturen zeigen uns eben diese anderen möglichen Zustände, diese unerwarteten Werdensprozesse, die entstehen, wenn das Material von seinen üblichen Zwängen befreit wird.

Warren sagte einmal, dass es “ziemlich viel Dreistigkeit erfordert, vor einer ihrer Skulpturen zu stehen und zu sagen, ‘Ich habe das gemacht'” ^[14]. Dieses Gefühl, von der eigenen Schöpfung überwältigt zu sein, ist charakteristisch für eine skulpturale Herangehensweise, die Intuition und Experimentieren über rationale Kontrolle stellt. Wie sie erklärt: “Ich denke, mein Grad der Hingabe an die tatsächlichen Anforderungen der Kunst selbst, der Formen selbst, ist ungewöhnlich. Es kann einem entgleiten, und man muss das akzeptieren. Es kann einen überraschen und nicht das sein, was man erwartet hat” ^[15].

Diese Offenheit für das Unerwartete, dieser Wille, den Anforderungen des Materials zu folgen, statt ihm eine vorgefertigte Vorstellung aufzuzwingen, macht Warren zu einer wirklich bedeutenden Künstlerin unserer Zeit. In einer Welt, die von Kontrolle und Perfektion besessen ist, erinnert sie uns an den Wert des Unvorhersehbaren, des Unvollkommenen, des fortlaufenden Prozesses. Ihre Skulpturen sind Monumente der Unbestimmtheit, Feierlichkeiten des Lebens in all seiner chaotischen Komplexität.

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1. Deleuze, Gilles und Guattari, Félix. Tausend Plateaus. Les Éditions de Minuit, Paris, 1980.
2. Ebd.
3. Bakhtine, Michail. Das Werk von François Rabelais und die Volkskultur im Mittelalter und während der Renaissance. Gallimard, Paris, 1970.
4. Ebd.
5. Lovatt, Anna. “Rebecca Warren”. ArtReview, 9. Juni 2017.
6. Bakhtine, Michail. Op. cit.
7. Deleuze, Gilles und Guattari, Félix. Op. cit.
8. Smith, Laura. “Rebecca Warren, ‘Aus dem Durcheinander der Erfahrung'”. Tate Etc., 6. Oktober 2017.
9. Bakhtine, Michail. Op. cit.
10. Smith, Laura. Op. cit.
11. Deleuze, Gilles und Guattari, Félix. Was ist Philosophie? Les Éditions de Minuit, Paris, 1991.
12. Bakhtine, Michail. Op. cit.
13. Deleuze, Gilles und Guattari, Félix. Tausend Plateaus. Op. cit.
14. Smith, Laura. Op. cit.
15. Ebd.