Hört mir gut zu, ihr Snobs, ich werde euch von einem Künstler erzählen, der eure kleinen bürgerlichen Gewissheiten erschüttert: Reza Derakshani, geboren 1952 in Sangsar, Iran. Ein Schöpfer, der nicht nur malt, sondern eine visuelle Symphonie komponiert, in der Tradition und Moderne mit einer tektonischen Kraft aufeinandertreffen, die euch aus eurem Louis-XV-Sessel reißen würde.
Beginnen wir mit seiner tiefen Verbindung zur Natur und zum Exil. Aufgezogen in einem schwarzen Zelt auf dem Gipfel eines iranischen Berges, wuchs Derakshani umgeben von Pferden und Feldern mit wilden blauen und gelben Blumen auf. Diese primitive nomadische Erfahrung ist kein bloßes biografisches Detail, um eure Freunde bei gesellschaftlichen Abendessen zu beeindrucken. Nein, sie ist die Quelle seiner revolutionären Technik: Er benutzt Dachpech als Grundlage, ja, ihr habt richtig gelesen, PECH!, bevor er Farbschichten aus Gold, Silber, Emaille und Sand aufträgt.
Dieser Ansatz erinnert nicht von ungefähr an die Experimente von Robert Rauschenberg mit seinen “Combines”, aber Derakshani geht das Konzept noch weiter. Er schafft strukturierte Oberflächen, die zu atmen und zu vibrieren scheinen, als ob die Materie selbst lebendig wäre. Das ist das, was Walter Benjamin die “Aura” des Kunstwerks genannt hätte, aber hier ist sie buchstäblich fühlbar. Man kann fast den Geruch der iranischen Steppen aus seinen Leinwänden emporsteigen fühlen, vermischt mit dem schärferen Aroma des industriellen Pechs. Diese Dualität zwischen Natur und Künstlichkeit ist nicht zufällig, sie verkörpert die dauerhafte Spannung zwischen Tradition und Moderne, die sein gesamtes Werk durchzieht.
Die Serie “Hunting”, begonnen im Jahr 2007, veranschaulicht diese Verschmelzung perfekt. Derakshani greift darin das traditionelle Jagdmotiv auf, das in der klassischen persischen Kunst allgegenwärtig ist, dekonstruiert es aber mit einer Gewalt, die Willem de Kooning zum Schmunzeln gebracht hätte. Die Reiter verschmelzen in Explosionen von Farben, die sowohl an persische Miniaturen als auch an den amerikanischen abstrakten Expressionismus erinnern. Es ist, als hätte Jackson Pollock beschlossen, die Fresken von Persepolis nach dem Genuss von drei Flaschen Wein neu zu interpretieren.
Diese Aneignung ist kein Stilexperiment, um die Konservativen der westlichen Museen zu gefallen. Nein, es ist eine wahre Konfrontation zwischen zwei Welten, ein malerischer Kampf, bei dem Tradition kein Korsett, sondern ein Sprungbrett zur kreativen Freiheit ist. Theodor Adorno sprach von der “negativen Dialektik” als Mittel, binäre Gegensätze zu überwinden, und genau das demonstriert Derakshani meisterhaft auf seinen Leinwänden.
Das zweite Thema, das sein Werk durchzieht, ist das von Exil und Entfremdung, aber Achtung, nicht im jammernden Sinn, wie es manche zeitgenössische Künstler allzu oft darbieten. Derakshani verwandelt diese Erfahrung in eine explosive schöpferische Kraft. Nachdem er den Iran nach der islamischen Revolution 1979 verlassen hatte, lebte er in New York, Italien, Dubai und teilt nun seine Zeit zwischen Austin und Istanbul auf. Dieses moderne nomadische Dasein spiegelt seine Kindheit in den iranischen Bergen wider und schafft eine faszinierende zeitliche Schleife, die seine Kunst nährt.
In seiner Serie “Garden Party” erschafft er künstliche Paradiese, die Allegorien von Verlust und Sehnsucht nach Rückkehr sind. Die Kompositionen scheinen zwischen Himmel und Erde zu schweben, wie aufgehängt in einem undefinierten Raum-Zeit-Gefüge. Diese Werke erinnern an das, was Gilles Deleuze “Beliebige Räume” nannte, entterritorialisierte Orte, die sich jeglicher geografischer oder kultureller Kategorisierung entziehen.
Die Art und Weise, wie er in diesen Werken Farbe einsetzt, ist absolut verblüffend. Tiefblaue Töne stoßen auf glühende Rottöne und erzeugen eine chromatische Spannung, die die Netzhaut vibrieren lässt. Es ist, als hätte Mark Rothko beschlossen, unter Einfluss von LSD und bei traditioneller persischer Musik zu malen. Übrigens, nicht zu vergessen: Derakshani ist auch Musiker, er arbeitete sogar mit John Densmore von den Doors zusammen, und diese musikalische Dimension zeigt sich im visuellen Rhythmus seiner Kompositionen.
Seine Technik ist so raffiniert, dass eure zeitgenössischen Kunstlehrer vor Neid erblassen würden. Er begnügt sich nicht damit, Elemente nebeneinanderzustellen, er verschmilzt sie buchstäblich zu einer einzigartigen visuellen Alchemie. Die Figuren tauchen aus abstrakten Hintergründen wie Gespenster auf und lösen sich dann wieder in der malerischen Materie auf. Das war es, was Maurice Merleau-Ponty die “Fleischlichkeit der Welt” nannte, diese Schnittstelle, an der das Sichtbare und das Unsichtbare sich treffen und miteinander verschmelzen.
Das Ergebnis ist ein Werk, das die üblichen Kategorien der Kunstgeschichte transzendiert. Derakshani ist weder ein “orientalischer” noch ein “westlicher” Künstler, er ist beides und doch keines von beiden. Er schafft eine einzigartige visuelle Sprache, die diese simplen Dichotomien zerstört. Seine Kunst wird im Metropolitan Museum of Art in New York, im British Museum in London, im Russischen Museum in St. Petersburg ausgestellt, und glauben Sie mir, das ist kein Zufall.
Also wenn ihr das nächste Mal hört, dass zeitgenössische Kunst uns nichts mehr zu lehren hat, zerrt die Person gewaltsam vor eine Leinwand von Derakshani. Und wenn sie es immer noch nicht versteht, nun ja, dann ist sie wahrscheinlich zu beschäftigt damit, ihre Monet-Reproduktionen zu bewundern, die sie bei Wish gekauft hat.
