Richard MacDonald: Der Bildhauer des Unmöglichen

Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist Zeit, über einen Künstler zu sprechen, der das Establishment mit seinem zu “kommerziellen” neo-klassizistischen Ansatz für manche Puristen stört: Richard MacDonald, geboren 1946 in Kalifornien. Dieser ehemalige Illustrator, der nach einem Brand, der sein Atelier und sein gesamtes malerisches Werk in den 1980er Jahren zerstörte, figurativer Bildhauer wurde, verdient es, ohne Vorurteile betrachtet zu werden.

Beginnen wir mit dem, was sofort in seiner Arbeit auffällt: seine fast obses­sive Fähigkeit, Bewegung im Bronze festzuhalten. MacDonald ist nicht nur ein virtuoser Techniker des menschlichen Körpers in Aktion, er ist ein Choreograf des Metalls, der die Schwerkraft in visuelle Poesie verwandelt. Seine Zusammenarbeit mit dem Cirque du Soleil ist kein Zufall, sie stellt die perfekte Verschmelzung zwischen seiner Besessenheit für den athletischen Körper und seiner Suche nach einer transzendierenden Schönheit dar. Seine in Bronze eingefrorenen Akrobaten erinnern uns merkwürdig an die Bewegungsstudien von Eadweard Muybridge, aber mit einer zusätzlichen Dimension: die der reinen, rohen, sinnlichen Emotion.

Was faszinierend ist, ist die Art und Weise, wie MacDonald kategorisch die Verwendung von Fotografie in seinem kreativen Prozess ablehnt. Er arbeitet ausschließlich mit lebenden Modellen, lässt sie stundenlang posieren und beobachtet sie wie ein Wissenschaftler, der ein Naturphänomen studiert. Dieser Ansatz erinnert an die Methode von Rodin, den er übrigens als eine große Einflussquelle nennt. Aber während Rodin versuchte, die gequälte Seele seiner Motive zu offenbaren, feiert MacDonald die athletische Perfektion und die Beherrschung des Körpers. Es ist ein interessantes Paradoxon: Er benutzt traditionelle Techniken, um tief zeitgenössische Werke zu schaffen.

Nehmen wir zum Beispiel seine monumentale Skulptur “The Flair”, etwa 8 Meter hoch, geschaffen für die Olympischen Spiele in Atlanta 1996. Dieses Werk verkörpert perfekt seine künstlerische Philosophie. Es stellt nicht einfach einen Turner in Aktion dar, sondern fängt diesen winzigen Moment ein, in dem der menschliche Körper die Gesetze der Physik herausfordert. Es ist eine Feier dessen, was Roland Barthes “Le degré zéro de l’écriture” nannte, angewandt auf die Skulptur: der Moment, in dem die Technik so beherrscht ist, dass sie verschwindet und der reinen Ausdrucksmöglichkeit Platz macht.

Diese Besessenheit von körperlicher Perfektion könnte leicht in die Falle des Kitsch oder einfachen technischen Übung fallen. Aber MacDonald vermeidet diese Falle, indem er seinen Werken eine dramatische Spannung verleiht, die sie über die bloße Darstellung hinaushebt. Seine Tänzer, Athleten und Akrobaten sind nicht einfach schön, sie sind im kantischen Sinne erhaben und erzeugen simultan Bewunderung und Schwindel.

Das zweite Thema, das sich durch sein Werk zieht, ist seine komplexe Beziehung zur klassischen Tradition. MacDonald wird oft für seinen “Akademismus” kritisiert, als ob dies ein Makel in der Welt der zeitgenössischen Kunst wäre. Aber diese Kritik verfehlt das Wesentliche. Sein Neoklassizismus ist keine nostalgische Regression, sondern eine bewusste Provokation gegen die modernistische Orthodoxie. In einer künstlerischen Welt, die von Dekonstruktion und Abstraktion besessen ist, wagt MacDonald zu behaupten, dass die klassische Schönheit noch ihren Platz hat.

Seine Serie von Kooperationen mit dem Royal Ballet in London, insbesondere seine Zusammenarbeit mit dem Tänzer Carlos Acosta und sein Projekt eines Denkmals für Dame Ninette de Valois, offenbart einen Künstler, der aktiv mit der Kunstgeschichte in Dialog tritt. Es gibt etwas zutiefst Subversives in der Art und Weise, wie er die visuelle Sprache des Klassizismus nutzt, um Werke zu schaffen, die direkt zum zeitgenössischen Betrachter sprechen. Das ist es, was Walter Benjamin ein “dialektisches Bild” genannt hätte, ein Werk, das gleichzeitig in Vergangenheit und Gegenwart existiert.

Seine Skulpturen für den Cirque du Soleil, die dauerhaft im Bellagio in Las Vegas ausgestellt sind, veranschaulichen diese Spannung perfekt. Sie sind technisch perfekt, wie es eine akademische Skulptur des 19. Jahrhunderts wäre, aber ihr Thema und ihre Energie sind eindeutig zeitgenössisch. Es ist, als ob Praxiteles wiedergeboren worden wäre, um Akrobaten des modernen Zirkus zu bilden.

Die Kontroverse um seine Praxis der limitierten Auflagen verdient eine nähere Betrachtung. Seine Kritiker werfen ihm vor, zu viele Exemplare zu produzieren, als ob Seltenheit das einzige Kriterium künstlerischen Werts wäre. Diese Kritik offenbart mehr über den Zustand des Kunstmarkts als über den intrinsischen Wert seiner Arbeit. MacDonald übernimmt voll und ganz seinen Wunsch, seine Kunst einem breiteren Publikum zugänglich zu machen, während er außergewöhnliche Qualitätsstandards bei jedem Stück beibehält.

Sein Ansatz zum kreativen Prozess ist besonders interessant. Er beginnt mit kleinen Tonskizzen, die er “Modelle” nennt, und arbeitet die Form immer wieder aus, bis sie genau die Essenz der Bewegung einfängt, die er darstellen möchte. Das ist ein Prozess, der an die Methode von Giacometti erinnert, aber mit einem radikal anderen Ziel. Wo Giacometti versuchte, das existentielle Wesen seiner Motive einzufangen, sucht MacDonald ihre physische Vitalität zu erfassen.

MacDonald schafft persönlich eine originale Patina für jedes Werk, einen komplexen chemischen Prozess, der seinen Skulpturen ihre unverwechselbare Färbung verleiht. Das ist kein bloßes technisches Detail, sondern ein integraler Bestandteil seiner künstlerischen Sprache. Die Art und Weise, wie das Licht auf diese bearbeiteten Oberflächen fällt, fügt den bereits dynamischen Werken eine kinetische Dimension hinzu.

Die COVID-19-Krise markierte einen Wendepunkt in seiner Praxis. Gezwungen, mehrere seiner Studios zu schließen und sein Personal drastisch zu reduzieren, wandte er sich einer introspektiveren Herangehensweise zu. Seine neuen Werke, wie “Origins”, erforschen universellere und metaphysischere Themen. Es ist, als hätte ihm die erzwungene Pause ermöglicht, seine üblichen Anliegen zu überwinden und etwas Tieferes zu erreichen.

Besonders auffällig in seiner jüngsten Entwicklung ist seine Herangehensweise an das Thema Geschlecht. Seine neuen Skulpturen platzieren häufig weibliche Figuren auf hohen Türmen und verwandeln sie in Verkörperungen von Idealen. Dieser Ansatz könnte in einer traditionellen feministischen Lesart problematisch erscheinen, doch MacDonald unterwandert ihn, indem er Figuren schafft, die zugleich idealisiert und kraftvoll autonom sind.

Seine Arbeit wirft wichtige Fragen über die Rolle der Schönheit in der zeitgenössischen Kunst auf. In einer Kunstwelt, die oft das Konzept über die Ausführung stellt, wagt MacDonald zu behaupten, dass technische Virtuosität und die Suche nach Schönheit weiterhin gültige Ziele sind. Dies ist eine Position, die an Arthur Dantos Argumente über das Ende der Kunst erinnert, jedoch mit einer anderen Schlussfolgerung: Statt die alten Formen aufzugeben, erfindet MacDonald sie für unsere Zeit neu.

Die Beziehung von MacDonald zum Kunstmarkt ist komplex. Sein kommerzieller Erfolg ist unbestreitbar, seine Werke werden von großen Unternehmen wie AT&T und IBM gesammelt, und seine öffentlichen Denkmäler sind weltweit sichtbar. Doch genau dieser Erfolg scheint ihm in bestimmten künstlerischen Kreisen manchmal zum Nachteil zu gereichen, als ob Popularität mit künstlerischer Tiefe unvereinbar wäre.

Interessant ist, wie MacDonald diese starke kommerzielle Position nutzt, um seine eigenen künstlerischen Ziele zu verfolgen. Er hat ein ausgeklügeltes Produktionssystem geschaffen, das ihm eine strenge Qualitätskontrolle jeder Edition seiner Skulpturen ermöglicht und ihm gleichzeitig die Freiheit gibt, mit neuen Formen und Ideen zu experimentieren.

Die Pandemie von 2020 veranlasste MacDonald, seinen Ansatz zu überdenken. Mit der Schließung seiner Galerien in Las Vegas und London befand er sich in einer Lage, in der er ohne den unmittelbaren Druck des Marktes arbeiten konnte. Diese neue Freiheit spiegelt sich in experimentelleren, persönlicheren Werken wider. Es ist, als hätte die Krise ihm ermöglicht, sich neu zu erfinden und eine neue künstlerische Stimme zu finden.

Sein Ansatz zur Ausbildung von Künstlern durch seine internationalen Ateliers zeigt eine andere Facette seiner künstlerischen Persönlichkeit. Er begnügt sich nicht mit dem Schaffen, sondern bemüht sich aktiv, sein Wissen und seine Vision weiterzugeben. Dies widerspricht dem Bild des einsamen Künstlers und deutet auf ein umfassenderes Verständnis der Rolle der Kunst in der Gesellschaft hin.

MacDonald ist ein faszinierendes Paradoxon der zeitgenössischen Kunst: ein Künstler, der traditionelle Techniken verwendet, um zutiefst moderne Werke zu schaffen, der kommerziellen Erfolg hat und gleichzeitig künstlerische Integrität bewahrt, der die physische Schönheit feiert und gleichzeitig metaphysische Fragen erforscht. Seine Arbeit zwingt uns, unsere Vorurteile darüber zu überdenken, was zeitgenössische Kunst sein sollte.

MacDonalds Werdegang erinnert uns daran, dass Kunstgeschichte keine lineare Entwicklung hin zu immer mehr Abstraktion oder Konzeptualisierung ist, sondern vielmehr ein ständiger Dialog zwischen verschiedenen Ansätzen und Visionen. In diesem Dialog ist seine Stimme einzigartig und notwendig, auch wenn sie manche etablierte Dogmen stört.

Für diejenigen, die seine Arbeit als zu kommerziell oder zu zugänglich ablehnen wollen, sage ich Folgendes: Die wahre Subversion in der zeitgenössischen Kunst besteht vielleicht nicht darin, zu schockieren oder zu dekonstruieren, sondern darin, in einer Welt, die verzweifelt Schönheit braucht, den Mut zu haben, Schönheit zu schaffen. Genau das tut MacDonald, kompromisslos und ohne Ausreden.