Hört mir gut zu, ihr Snobs, die geometrische Abstraktion ist nicht tot, sie atmet noch, und Sean Scully (geboren 1945 in Dublin) ist der lebende Beweis dafür. Da ist ein Künstler, der seit über fünfzig Jahren mit seinen horizontalen und vertikalen Streifen die Museumsmauern zum Beben bringt, während manche immer noch stur daran glauben, dass zeitgenössische Kunst sich auf NFTs und Performances wie die Huhn-Legende von Milo Moiré beschränkt.
Lasst mich euch eine Geschichte erzählen, die eines irischen Jungen, der in London ankam, in tiefer Armut aufwuchs, in schäbigen Zimmern schlief und als Typograf arbeitete. Ein Junge, der seine Mittagspausen in der Tate Gallery verbrachte, um Van Goghs Stuhl zu betrachten, während seine Kollegen ihre Sandwiches im Pub verschlangen. Ein Kind, das mit 17 Jahren abends Kurse an der Central School of Art besuchte, tagsüber als Grafiker und Bote arbeitete.
Seht ihr diese Bewohner des Viertels Saint-Louis in Versailles, die Kandinsky und Rothko noch verwechseln? Nun, Scully erteilt ihnen eine meisterhafte Lektion darüber, was zeitgenössische Abstraktion wirklich ist. Er malt nicht, um ihre Louis XVI-Salons oder Empire-Schlafzimmer zu dekorieren. Nein, er schafft Werke, die wie visuelle Aufwärtshaken sind, Kompositionen, die euch direkt ins Herz treffen und zwingen, die Malerei ohne Ausweichblick anzuschauen.
Sprechen wir zuerst über seine Beziehung zur Geometrie, seiner ersten künstlerischen Obsession. In den 70er Jahren beginnt Scully mit der Schaffung komplexer Raster, von Linienverflechtungen, die die Netzhaut wie ein Op-Art-Gemälde auf Acid zum Schwingen bringen. Aber Achtung, das ist kein Vasarely für Touristen. Diese frühen Werke sind bereits von einer spürbaren Spannung geladen, als ob das Raster selbst kurz davorsteht unter dem Druck seiner eigenen Strenge zu explodieren.
Und dann kommt die große Umwälzung. 1969, während einer Reise nach Marokko, entdeckt er die geometrischen Muster traditioneller Stoffe. Diese Begegnung ist wie eine mystische Offenbarung für einen überzeugten Atheisten. Die farbigen Streifen der Berberzelte werden seine neue ästhetische Bibel. Er versteht dann, dass Geometrie nicht nur ein formales Gefängnis ist, sondern eine kraftvolle emotionale Sprache sein kann.
Aber es ist in New York, wo er sich 1975 niederlässt, dass Scully wirklich beginnt, die Zeitgenössische Kunst aufzumischen. Er kommt in eine Stadt, in der Minimalismus absolut herrscht, wo Künstler versuchen, Werke zu schaffen, die so kalt sind wie eine industrielle Gefriertruhe. Und was macht unser Ire? Er beschließt, dieses schöne Ordnungsprinzip durcheinanderzubringen. Er beginnt seine berühmten “Black Paintings” zu malen, monochrome Leinwände durchzogen von horizontalen Streifen, die das Licht wie Schwarze Löcher zu absorbieren scheinen.
Ich höre bereits die Puristen laut aufheulen: “Aber das ist doch aufgewärmter Ad Reinhardt!” Täuscht euch nicht, meine lieben Freunde. Während Reinhardt die Transzendenz im absoluten Schwarz suchte, erforscht Scully die Tiefen der menschlichen Seele. Seine schwarzen Streifen sind keine Stilübungen, sondern emotionale Seismographen, die die Erschütterungen des Daseins aufzeichnen.
1981 markiert einen entscheidenden Wendepunkt mit “Backs and Fronts”, einem monumentalen Werk, das eine Bombe in der New Yorker Kunstwelt schlägt. Stellen Sie sich vor: Vierzehn nebeneinanderstehende Tafeln, jede bedeckt mit horizontalen und vertikalen Streifen, wie eine von einem verrückten Komponisten geschriebene Partitur. Dieses Werk ist ein meisterhafter Tritt in den Ameisenhaufen des Minimalismus. Es beweist, dass geometrische Abstraktion genauso expressiv wie ein Pollock und ebenso viszeral wie ein De Kooning sein kann.
Aber die wahre Revolution von Scully ist seine Malweise. Er begnügt sich nicht damit, mit Abdeckband gerade Linien zu ziehen wie ein Anfänger an der Kunstakademie. Nein, er malt seine Streifen von Hand, lässt den Pinsel leicht zittern und schafft verschwommene Grenzen zwischen den Farben. Es ist, als hätte Mondrian plötzlich beschlossen, nach drei Gläsern irischen Whiskeys zu malen.
Im Laufe der Jahrzehnte hat sich seine Palette wie ein guter Wein bereichert. Die metallischen Grautöne der Anfangszeit wichen tiefen Ockertönen, Seeblau und getrocknetem Blutrot. Jeder Farbstreifen ist wie ein emotionales Sandwich aufgebaut, mit aufeinanderfolgenden Pigmentschichten, die eine halluzinierende Tiefe schaffen. Es ist Malerei, die einem das Wasser im Mund zusammenlaufen lässt wie ein Gourmetgericht.
Nehmen Sie “Wall of Light Desert Night” von 1999. Diese Leinwand ist wie ein offenes Fenster zur Seele des Künstlers. Die Farbblöcke stapeln sich wie Ziegelsteine, aber jeder Stein lebt und pulsiert. Das Licht scheint aus dem Inneren der Leinwand zu strahlen, als hätte Scully die Essenz der Dämmerung in der Wüste eingefangen. Es ist, als träfen Mark Rothko und Frank Lloyd Wright sich in einer Bar in Dublin.
Und reden Sie mir nicht von seiner in 1999 begonnenen Serie “Landline”. Diese horizontalen Streifen, die sich wie endlose Horizonte erstrecken, sind der Beweis, dass Abstraktion genauso lyrisch sein kann wie ein Gedicht von Rimbaud. Scully hat das Unmögliche geschafft: Er hat Geometrie in eine emotionale Landschaft verwandelt. Es ist, als hätte Caspar David Friedrich beschlossen, seine sublimen Landschaften im abstrakten Modus zu malen.
Jetzt lasst mich euch von seiner Beziehung zur Architektur erzählen, seiner zweiten Obsession. Im Jahr 2015 restauriert er die Kirche Santa Cecília in Montserrat, Spanien, und schafft einen faszinierenden Dialog zwischen mittelalterlicher sakraler Kunst und zeitgenössischer Abstraktion. Er beschränkt sich nicht darauf, seine Gemälde an die Wände zu hängen, sondern verwandelt den gesamten Raum in ein Gesamtkunstwerk. Es ist, als hätte Claire Tabouret freie Hand bekommen, um die neuen Glasfenster von Notre-Dame de Paris zu gestalten (das war einfach).
Die Fresken, die er für diese Kirche schafft, sind eine meisterhafte Provokation für alle, die glauben, dass abstrakte Kunst mit Spiritualität unvereinbar ist. Seine Farbbänder stehen im Dialog mit den romanischen Gewölben, als wären sie schon immer dort gewesen. Es ist eine lebendige Kunstgeschichte-Lektion: Abstraktion ist kein Bruch mit der Tradition, sondern ihre Fortsetzung auf anderem Wege.
Und dann ist da seine Art, mit dem Material zu arbeiten. Scully malt wie ein Maurer, der eine Mauer baut, indem er Farbschichten wie Pigmentziegel aufeinanderstapelt. Er benutzt Pinsel, die so breit sind wie Besen, und trägt die Farbe mit weiten Gesten auf, die die körperliche Anstrengung sichtbar machen. Das ist Malerei, die nach Schweiß und Leinöl riecht, nicht nach künstlichem Parfüm von Pariser Vernissagen.
Schaut euch “Landline Far” von 2020 an. Die horizontalen Streifen scheinen zu vibrieren wie Gitarrensaiten, die bis zum Äußersten gespannt sind. Das tiefblaue oben steht im Dialog mit dem sturmgrauen unten und erzeugt eine Spannung, die einem den Atem raubt. Es ist, als hätte Scully es geschafft, den Klang des Blues zu malen, diese Musik, die er als junger Mann in Londons Pubs hörte.
Seine Malerei ist körperlich, muskulös, aber niemals brutal. Es ist wie ein Boxer, der die Kunst des Kampfes perfekt beherrscht: Jeder Schlag ist kalkuliert, doch das Ganze bewahrt eine erstaunliche Anmut. Seine Leinwände sind Ringe, auf denen Vernunft und Emotion, Geometrie und Chaos, Struktur und Freiheit aufeinandertreffen.
Und denkt nicht, dass Scully auf seinen Lorbeeren ausgeruht hat. Fast 80-jährig experimentiert er weiter und erweitert die Grenzen seiner Kunst. Seine jüngsten Skulpturen aus Cortenstahl sind wie Gemälde, die beschlossen haben, von der Wand herauszutreten und den Raum zu erobern. “Crate of Air” (2018) ist eine monumentale Meditation über Leere und Fülle, so imposant wie eine mesopotamische Ziggurat.
Seine jüngste Serie “Dark Windows” ist eine direkte Antwort auf unsere bewegte Zeit. Diese dunklen Fenster, bestehend aus vertikalen und horizontalen Streifen, sind wie Spiegelungen unserer eingesperrten Welt. Doch selbst in diesen dunkleren Werken gibt es immer einen Hoffnungsschimmer, einen Spalt, durch den das Licht eindringen kann.
Geometrische Abstraktion ist noch keine tote Sprache. Scully beweist, dass die einfachsten Formen, Gerade, Rechteck, Quadrat, immer noch eine vernichtende emotionale Kraft tragen können. Er ist ein Künstler, der verstanden hat, dass Geometrie nicht nur eine Sache von Lineal und Zirkel ist, sondern auch von Herz und Bauch.
Und für alle, die immer noch denken, abstrakte Kunst sei ein intellektueller Betrug, sage ich: Geht zu einer Scully-Ausstellung. Stellt euch mindestens zehn Sekunden lang vor ein Gemälde von ihm (wenn ihr das schafft). Lasst euch von diesen Farbbändern hypnotisieren, die vibrieren wie Cellosaiten. Und vielleicht, nur vielleicht, versteht ihr dann endlich, dass Abstraktion keine Flucht vor der Realität ist, sondern eine tiefere Art, ihr ins Gesicht zu sehen.
Scully ist der letzte der Mohikaner, ein Maler, der noch an die Fähigkeit der Malerei glaubt, uns zu berühren und zu verwandeln. Er glaubt weiterhin an die Kraft des Materials, der Farbe und der Geste. Er ist der lebende Beweis, dass die Abstraktion nicht tot ist und niemals sterben wird, solange es Künstler gibt, die mutig genug sind, die weiße Leinwand mit Aufrichtigkeit und Leidenschaft zu begegnen.
Ja, einige werden sagen, dass Scully seit fünfzig Jahren nur dasselbe wiederholt. Aber genau das sagten die Kritiker über Morandi und seine Stillleben, über Rothko und seine schwebenden Rechtecke, über Giorgio Morandi und seine Flaschen. Die Wahrheit ist, dass Scully, wie alle großen Künstler, sein Territorium gefunden hat und es immer tiefer erforscht, indem er immer weiter in die endlosen Möglichkeiten seiner malerischen Sprache vordringt.
Die Kunstgeschichte wird Sean Scully als denjenigen in Erinnerung behalten, der die geometrische Abstraktion vor ihrer eigenen Starrheit gerettet hat, ihr eine Seele, einen Atem, eine Menschlichkeit zurückgegeben hat. In einer Zeit, in der zeitgenössische Kunst sich oft in hohlen Konzepten und Modeeffekten verliert, bleibt er ein Leuchtturm, eine Erinnerung daran, dass Malerei immer noch ein Akt des Glaubens, ein Akt der Liebe, ein Akt des Widerstands sein kann.
Und wenn ihr immer noch nicht überzeugt seid, dann kehrt doch zurück zu euren mondänen Vernissagen in euren ganz weißen Galerien. In der Zwischenzeit wird Sean Scully weiterhin seine Farbstreifen malen und Stein für Stein seine persönliche Kathedrale der Abstraktion errichten, unbeeindruckt von Moden und Trends, einzig und allein treu seiner Vision und seinem unerschütterlichen Glauben an die Kraft der Malerei.
Denn am Ende ist vielleicht genau das Scullys größte Meisterleistung: die Geometrie, diese scheinbar kalte und unpersönliche Sprache, in eine visuelle Poesie verwandelt zu haben, die uns tief berührt. Seine Bilder erinnern uns daran, dass Kunst immer noch eine physische, emotionale, spirituelle Erfahrung sein kann. Das ist eine Botschaft, die wir mehr denn je brauchen.
