Hört mir gut zu, ihr Snobs, wenn ihr denkt, dass die zeitgenössische Landschaft nichts mehr zu sagen hat, dann habt ihr das erstaunliche Werk von Shara Hughes noch nicht kennengelernt. Diese amerikanische Künstlerin, geboren 1981 in Atlanta, hat das Kunststück vollbracht, ein Genre, das viele für erschöpft hielten, neu zu erfinden, indem sie parallele Welten erschafft, die unser konventionelles Verständnis von Natur und Darstellung herausfordern.
Während unsere Zeit von Wiederholungen und abgedroschenen Konzepten übersättigt ist, zeichnet sich Hughes durch ihre Fähigkeit aus, Werke zu schaffen, die traditionelle Kategorien transzendieren. Ihre Landschaften sind keine bloßen Darstellungen existierender Orte, sondern komplexe geistige Konstruktionen, die uns einladen, unerforschte Gebiete unserer Psyche zu erkunden. Durch ihren einzigartigen Blick wird jedes Gemälde zu einem offenen Fenster in eine Welt, in der die Gesetze der Physik und Wahrnehmung nach einer traumhaften Logik neu geschrieben werden.
Nehmen wir zum Beispiel ihr Meisterwerk “The Delicate Gloom” (2018), das ihre Fähigkeit perfekt illustriert, ein einfaches Blumenmotiv in eine tiefe Meditation über die Natur des Bewusstseins zu verwandeln. In diesem schwindelerregenden Gemälde scheinen die Farben mit eigenem Leben zu pulsieren und schaffen visuelle Rhythmen, die an die Schläge eines kosmischen Herzens erinnern. Tiefes Violett vermischt sich mit säuregrün in einem chromatischen Tanz, der die Grenzzustände des Bewusstseins evoziert, jene Momente, in denen sich die objektive Realität im Fluss unserer subjektiven Erfahrung auflöst.
Dieser einzigartige Umgang mit der Landschaft findet eine faszinierende Resonanz in Maurice Merleau-Pontys Wahrnehmungstheorien, entwickelt in seiner “Phänomenologie der Wahrnehmung”. So wie der französische Philosoph nahelegte, dass unsere Welterfahrung grundsätzlich verkörpert und subjektiv ist, schafft Hughes Landschaften, die nicht darauf abzielen, eine objektive Realität darzustellen, sondern vielmehr die Essenz unserer wahrnehmenden Erfahrung einzufangen. Ihre Gemälde zeigen uns nicht, wie die Welt einem distanzierten Beobachter erscheint, sondern wie sie von innen heraus erlebt wird, in der Intimität unseres Bewusstseins.
Die Art, wie Hughes Farbe einsetzt, ist besonders aufschlussreich für diesen phänomenologischen Ansatz. In “What Nerve” (2024) verwendet sie lebhafte blaue Punkte, die die Zweige eines Baumes schmücken, wie so viele Augen, die uns beobachten. Diese Farbakzente sind nicht nur dekorativ, sie verwandeln den Baum in eine bewusste Präsenz, die uns so sehr ansieht, wie wir sie betrachten. Diese Gegenseitigkeit des Blicks, zentral in Merleau-Pontys Denken, wird hier zu einem strukturellen Element der Komposition.
Die Künstlerin arbeitet ohne vorbereitende Skizzen und lässt sich von der Malerei in einem Prozess leiten, der an Merleau-Pontys Beschreibung der Wahrnehmung als ständigen Dialog zwischen dem wahrnehmenden Subjekt und der wahrgenommenen Welt erinnert. Jeder Pinselstrich, jede chromatische Entscheidung entsteht aus einer direkten Interaktion mit dem malerischen Material und schafft Formen, die spontan auf der Leinwand zu entstehen scheinen, so wie Gedanken in unserem Bewusstsein auftauchen.
In “Obstacles” (2019) treibt Hughes diese Erkundung noch weiter. Die Schatten der Bäume werden zu beinahe greifbaren Präsenz, die mit der umgebenden Vegetation in Dialog treten und ein komplexes Spiel zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, zwischen dem direkt Wahrgenommenen und dem Angedeuteten schaffen. Dieses Werk veranschaulicht perfekt, was Merleau-Ponty als “Fleisch der Welt” bezeichnete, jene gemeinsame Textur, die Wahrnehmenden und Wahrgenommenen in einem sensiblen Gewebe vereint.
Hughes’ Technik ist ebenso raffiniert wie ihre Vision ist tiefgründig. Sie verwendet eine Vielzahl von Medien und mischt Öle, Acrylfarben und Sprayfarben direkt auf der Leinwand. Dieser Multimediaansatz erzeugt Texturen und Effekte, die die visuelle Komplexität ihrer Werke bereichern. Läufe, Spritzer und spontane Pinselstriche sind keine bloßen stilistischen Effekte, sondern tragen zur Schaffung eines malerischen Raums bei, der die dynamische und fließende Natur unserer Wahrnehmungserfahrung reflektiert.
In “Hot Coals” (2024) erzeugt die zentrale Sonne, die die umliegende Vegetation zu rösten scheint, eine spürbare Spannung zwischen Wärme und Zerstörung, zwischen Vitalität und Bedrohung. Diese Dualität ist nicht nur thematisch, sondern liegt im Wesen des Gemäldes selbst, wo dicke Farbaufträge im Kontrast zu flüssigeren Bereichen stehen und eine Oberfläche schaffen, die ebenso zum Berühren wie zum Betrachten einlädt.
Die jüngste Entwicklung ihrer Arbeit hin zu vertikaleren Formaten ist besonders interessant. Diese unkonventionelle Ausrichtung für traditionelle Landschaften ist keine bloße formale Wahl, sondern eine Art, unsere gewohnte Beziehung zur Landschaft zu verändern. Indem sie die Vertikalität bevorzugt, zwingt uns Hughes, unsere distanzierte Zuschauerposition aufzugeben und eine direktere und körperlichere Beziehung zum Werk einzugehen.
Die Behandlung der Blumen in ihren jüngsten Werken offenbart eine neue Dimension ihrer Forschung. In “My Natural Nyctinasty” (2021) schließt eine monumentale Blume ihre Blütenblätter in einer Geste, die ebenso Schutz wie Gefangenschaft ausdrückt. Dieses kraftvolle Bild erinnert uns daran, dass unsere Wahrnehmung der natürlichen Welt stets von unseren eigenen emotionalen Zuständen und psychologischen Projektionen gefärbt ist.
Ihre Chromatik, die auf den ersten Blick intuitiv erscheinen mag, offenbart ein ausgeklügeltes Verständnis der Phänomenologie der Farbe. Die von ihr geschaffenen Kombinationen sind nicht willkürlich, sondern dienen dazu, spezifische Wahrnehmungserfahrungen hervorzurufen. Ein tiefes Violett kann räumliche Tiefe suggerieren und zugleich einen emotionalen Zustand evozieren, während ein elektrisches Gelb ein Gefühl unmittelbarer Nähe erzeugt.
In “Burn Out” (2024) erforscht Hughes die Grenzen unserer Wahrnehmung von Wärme durch Farbe. Auf fast drei Metern Breite kreiert sie eine Symphonie aus Rot- und Orangetönen, die nicht einfach Wärme darstellt, sondern uns diese auf nahezu physische Weise spüren lässt. Diese Fähigkeit, eine thermische Empfindung in eine visuelle Erfahrung zu verwandeln, veranschaulicht perfekt die natürliche Synästhesie unserer Wahrnehmung, die Merleau-Ponty als grundlegend ansah.
Hughes’ Umgang mit Perspektive offenbart eindrücklich ihr Verständnis räumlicher Wahrnehmung. Ihre Landschaften zeigen häufig mehrere Blickwinkel gleichzeitig und schaffen unmögliche Räume, die unser rationales Verständnis herausfordern. Diese Vervielfachung der Perspektiven ist kein bloßes formales Spiel, sondern eine Erkundung der grundsätzlich mehrdeutigen Natur unserer räumlichen Erfahrung.
In “Swelling” (2024) erschafft sie eine monumentale Welle, die sich scheinbar gleichzeitig in mehreren Dimensionen entfaltet. Dieses Werk stellt nicht einfach eine Welle dar, sondern fängt die erlebte Erfahrung ein, einer überwältigenden Naturgewalt gegenüberzustehen. Die Komposition lässt uns körperlich Schwindel und Instabilität spüren und zeigt, wie unsere Wahrnehmung des Raums untrennbar mit unserer körperlichen Erfahrung verbunden ist.
Die Bedeutung des Leeren in ihren Kompositionen verdient ebenfalls Beachtung. Negative Räume in ihren Werken sind nie wirklich leer, sondern vibrieren vor potenzieller Energie. In “Trust and Love” (2024) wird der Raum zwischen zwei sich verschlingenden Bäumen zu einer aktiven Präsenz, die die gesamte Komposition strukturiert. Diese Behandlung des Leeren erinnert an die merleau-pontysche Auffassung des Sichtbaren als untrennbar verbunden mit dem Unsichtbaren.
Die Art, wie Hughes Ränder und Rahmen in ihren Werken behandelt, ist besonders bedeutungsvoll. Oft schafft sie gemalte Rahmen, die die Hauptszene einfassen und eine Mise-en-abyme erzeugen, die uns einlädt, die Natur der Wahrnehmung und Repräsentation selbst zu hinterfragen. Diese Rahmen funktionieren als Wahrnehmungsschwellen, als Übergangspunkte zwischen verschiedenen Realitätsebenen.
Ihr kreativer Prozess, der ohne vorgegebenen Plan beginnt und sich organisch entwickelt, spiegelt die Natur unseres wahrnehmenden Engagements mit der Welt wider. Jede Leinwand wird zu einer Entdeckungsreise, einer Erforschung der unendlichen Möglichkeiten der Wahrnehmung, die sich allmählich durch den Akt des Malens entfaltet.
In “I’m a Fan” (2024) spielt sie mit unserer Wahrnehmung von Bewegung durch die Darstellung von von Wind bewegten Palmen. Die Blätter, die vor unseren Augen zu wogen scheinen, werden nicht nur in Bewegung dargestellt, sie erzeugen ein kinästhetisches Gefühl, das unseren ganzen Körper einbezieht. Diese Fähigkeit, eine visuelle Erfahrung in ein körperliches Empfinden zu verwandeln, steht im Zentrum ihrer Praxis.
Hughes’ Landschaften sind nicht einfach Orte zur Betrachtung, sondern Räume aktiver Erfahrung, in denen der Betrachter eingeladen wird, sein gesamtes sensibles Wesen einzubringen. In “Float Along” (2024) erzeugen die Ränder, die die Komposition einrahmen, einen Portal-Effekt, der uns buchstäblich einlädt, in den Raum des Gemäldes einzutreten. Diese Einladung zu einer wahrnehmenden Reise charakterisiert ihren Ansatz, der sich niemals mit der bloßen Darstellung begnügt.
Ihre neueste Serie “Tree Farm” (2024) treibt diese Erforschung der verkörperten Wahrnehmung noch weiter voran. Die Bäume, die sie malt, sind keine einfachen Naturobjekte, sondern lebendige Präsenz, die auf der Leinwand zu atmen scheinen. In “Wits End” (2024) wird eine Trauerweide mit gewundenen Ästen zur Metapher für unseren eigenen sensiblen Körper, ihre Verzweigungen erinnern an unser Nervensystem.
Die jüngsten Entwicklungen ihrer Arbeit umfassen auch eine Erkundung der Keramik, in der sie ihre einzigartige Vision in die dritte Dimension überträgt. Diese Skulpturen, obwohl neu in ihrer Praxis, verlängern natürlich ihre Erforschung der verkörperten Wahrnehmung und bieten dem Betrachter ein noch direkteres körperliches Erlebnis ihrer organischen Formen.
Shara Hughes ist es gelungen, eine einzigartige visuelle Sprache zu schaffen, die die traditionellen Grenzen der Landschaft überschreitet, um die Grundlagen unserer wahrnehmenden Erfahrung zu erforschen. Ihre Werke beschränken sich nicht darauf, die Welt darzustellen, sie laden uns ein, sie neu wahrzunehmen, mit einer Frische und Intensität, die unser Verständnis dessen, was Malerei heute sein kann, verwandelt. Ihre Arbeit erinnert uns daran, dass wahre künstlerische Innovation nicht in oberflächlicher Neuheit liegt, sondern in der Fähigkeit, unseren Blick auf die Welt und auf uns selbst zu erneuern.
