Hört mir gut zu, ihr Snobs: wenn ihr immer noch glaubt, dass Landschaftsmalerei der Vergangenheit angehört, dass Pinsel und Acryl uns nichts mehr über unsere zeitgenössische Existenz sagen können, dann habt ihr offensichtlich nie den Blick auf die Werke von Stephen Wong Chun Hei geworfen. Dieser Künstler aus Hongkong vollbringt etwas bemerkenswert Seltenes in der heutigen Kunst: Er schafft es, eine jahrhundertealte Tradition lebendig zu erhalten, während er sie heftig in unser hypervernetztes Jahrhundert projiziert, das von Bildschirmen und virtuellen Realitäten überflutet ist.
Wong Chun Hei malt nicht einfach nur Berge und Täler. Er baut chromatische Universen, in denen die Natur und die Stadt Hongkongs in einer elektrischen Synergie verschmelzen, wo die Farbtöne nie versuchen, die Realität zu imitieren, sondern vielmehr die subjektive Essenz einer erlebten, gespeicherten und dann auf der Leinwand neu geschaffenen Erfahrung einzufangen. Seine Landschaften pulsieren mit einer Intensität, die zugleich an die Videospielbildschirme seiner Kindheit und an die großen Meister der westlichen Landschaftsmalerei erinnert. Diese Dualität ist kein Widerspruch, sondern das Herzstück seiner künstlerischen Herangehensweise.
Das Erbe der Landschaft und seine Neuerfindung
Um die Einzigartigkeit Wongs zu verstehen, muss man zunächst seine Abstammung von einer renommierten Linie von Landschaftsmalern anerkennen. John Constable durchstreifte Anfang des 19. Jahrhunderts die englische Landschaft von Suffolk, bewaffnet mit seinem Skizzenbuch und dem Willen, seine unmittelbare Umgebung täglich zu dokumentieren. Diese Obsession für die direkte Beobachtung des lokalen Territoriums hat Wong tief geprägt, der Constable als wesentlichen Einfluss nennt. Doch während Constable eine atmosphärische Treue zu den wechselnden Himmeln Englands suchte, nimmt Wong eine radikale Freiheit bei Farbe und Komposition.
David Hockney, eine weitere zentrale Referenz für den Künstler aus Hongkong, zeigte in seinen Landschaften des Yorkshire, dass Subjektivität mit minutiöser Beobachtung koexistieren kann [1]. Wong hat diese Lektion aufgenommen und noch weitergetrieben. Seine Wanderungen durch die Hügel Hongkongs, Skizzenbuch in der Hand, erinnern an die Freiluftpraxis, eine Tradition, die vom Maler verlangt, sich direkt seinem Motiv in der Natur zu stellen. Allerdings malt Wong nie vor Ort. Er skizziert, er nimmt auf, er merkt sich, dann kehrt er in sein Atelier in Fo Tan zurück, um diese Landschaften aus der Erinnerung zu rekonstruieren.
Diese Methode ist nicht trivial. Sie verwandelt jede Leinwand in ein Zeugnis einer anderen Zeitlichkeit: den Moment der Wanderung, die Zeit der Speicherung, den Augenblick der Schöpfung im Atelier. Wong selbst drückt es mit bestechender Klarheit aus: “Ich versuche niemals, einen einzigen Moment in einer Landschaft einzufangen. Die Farben verändern sich ständig mit der Zeit. Deshalb sind die Farben in meinen Gemälden nicht realistisch oder naturalistisch in ihrem Erscheinungsbild. Ich möchte, dass sie subjektiver sind” [2].
Die Tradition des Plein Air wird so für das digitale Zeitalter neu erfunden. Wong ist kein nostalgischer Purist, der die Technologie ablehnt. Im Gegenteil, er nimmt sie voll und ganz an. Seine frühen Werke stellten wortwörtlich Landschaften aus Videospielen dar und er erkannte ohne Hemmungen an, dass diese virtuellen Welten ebenso viel visuelle Legitimität besitzen wie jeder Berggipfel in den Alpen. Diese intellektuelle Ehrlichkeit unterscheidet ihn von vielen zeitgenössischen Künstlern, die so tun, als würden sie den Einfluss der Popkultur auf ihre Sichtweise ignorieren.
Das Virtuelle als neues Terrain
Genau diese Leichtigkeit im Umgang mit virtuellen Welten macht Wongs Arbeit heute so relevant. Während der COVID-19-Pandemie, als Reisen unmöglich wurden, hörte der Künstler nicht auf zu malen. Er verlagerte einfach sein Erkundungsgebiet auf Google Earth und schuf seine Serie “A Grand Tour in Google Earth”, in der er virtuell den Fuji-Berg, den Mont-Saint-Michel und die Dolomiten besuchte und malte, ohne sein Atelier in Hongkong zu verlassen. Diese Serie offenbart eine unbequeme Wahrheit: Unsere Weltwahrnehmung findet inzwischen genauso sehr über Bildschirme statt wie durch physische Präsenz.
Wong stellt diese Erfahrungen nicht hierarchisch dar. Für ihn sind Wanderungen in den Hügeln von Hongkong und Erkundungen via Google Earth zwei gleichermaßen gültige Formen der Auseinandersetzung mit der Landschaft. Diese philosophische Haltung spiegelt unsere zeitgenössische Situation wider, in der das Virtuelle und das Reale ständig miteinander verschmelzen. Unsere Reiseerinnerungen vermischen sich mit den Fotos, die wir gemacht haben, den Bildern, die wir online gesehen haben, und den videogestützten Rekonstruktionen, die wir erforscht haben.
Die von Wong bevorzugte Vogelperspektive stammt direkt aus seiner Erfahrung mit Videospielen wie Age of Empires oder Grand Theft Auto. Es ist nicht der romantische Blick des Wanderers, der das natürliche Erhabene betrachtet, sondern der Spielerblick, der sein Territorium überfliegt, seine Bewegungen plant und mental die Geographie der Orte konstruiert. Diese Perspektive ermöglicht ihm auch eine Verbindung zu traditionellen chinesischen Landschaftsmalereien, die ebenfalls diesen erhöhten Blickwinkel verwendeten, wodurch eine unerwartete Brücke zwischen asiatischer Tradition und zeitgenössischer Videospielkultur entsteht.
Die gesättigten, fast fluoreszierenden Farben, die seine jüngsten Gemälde prägen, stammen ebenfalls aus der visuellen Welt der Videospiele und japanischen Anime. Wong sammelt über zweihundert Anime-Figuren in seinem Atelier und gibt diesen Einfluss offen zu. Während seine Kunstlehrer von ihm verlangten, klassische Skulpturen zu zeichnen, fragte er sich, warum er nicht seine Anime-Figuren zeichnen könne. Diese scheinbar naive Frage verbirgt eine tiefgründige Kritik an der kulturellen Hierarchie, die die sogenannte “hohe” Kunst weiterhin von der Popkultur trennt.
Die gefühlvolle Geographie Hongkongs
Hongkong selbst wird bei Wong mehr als nur ein einfaches Sujet. Es ist eine eigenständige Figur mit ihren schwindelerregenden Widersprüchen: Fünfundsiebzig Prozent des Territoriums bestehen aus Landflächen, darunter zweihundertfünfzig Inseln und vierundzwanzig Naturparks, dennoch bleibt die weltweite Vorstellung von der Stadt von ihren dicht gedrängten Wolkenkratzern geprägt. Wong fängt diese wesentliche Dualität ein. In seinen Gemälden ragen Wohnhäuser zwischen grünen Hügeln empor, Tunnel durchbohren die Berge, Wanderwege winden sich unmittelbar neben dem urbanen Beton.
Diese Nähe zwischen Natur und Urbanität wird nicht als Konflikt, sondern als ein Gespräch behandelt. Wong interessiert sich besonders für “den Eingriff der Menschen in die Natur. Zum Beispiel Wanderer, die in der Ferne auf Pfaden gehen, oder Tunnel, die zwischen zwei Bergen erscheinen” [3]. Diese winzigen menschlichen Figuren, die seine Landschaften durchziehen, dominieren niemals die Komposition, sondern schaffen eine Maßstabsebene, die unsere Unbedeutsamkeit gegenüber der natürlichen Größe erinnert und zugleich unsere unvermeidliche Präsenz hervorhebt.
Das MacLehose Trail Projekt von 2022 veranschaulicht diesen Ansatz perfekt. Wong malte die gesamten hundert Kilometer dieses ikonischen Weges in Hongkong und zerlegte ihn in zehn Etappen, die den offiziellen Abschnitten des Trails entsprechen. Mehr als vierzig Leinwände dokumentieren diese Durchquerung und schaffen eine Art subjektive Kartografie des Gebiets. Aber im Gegensatz zu einer Karte beanspruchen diese Gemälde keine Genauigkeit. Wong arrangiert die Elemente neu, ändert die Orientierung der Orientierungspunkte, erfindet unmögliche Farben für Wolken und Bäume. “Ich interessiere mich mehr dafür, wie ich die Natur interpretiere, als für die Genauigkeit der Landschaftserfassung”, erklärt er [4].
Diese Kompositionsfreiheit verwandelt jedes Gemälde in einen Akt kreativen Erinnerns. Wong vergleicht seinen Prozess mit dem Bauen mit Lego: eine Landschaft aus Kompositionen, Linien und Farben zusammensetzen. Diese spielerische Metapher verbirgt eine bemerkenswerte technische Raffinesse. Seine lockeren und gestischen Pinselstriche erfassen die Bewegung, das Abendlicht, das einen Berggipfel schmückt, oder die Wellen, die an die Küste schlagen, und erhalten dabei eine beeindruckende strukturelle Kohärenz.
Die Dringlichkeit der Dokumentation
Bei Wong gibt es auch eine dokumentarische Dringlichkeit, die seiner Arbeit eine fast archivierende Dimension verleiht. Hongkong verändert sich mit atemberaubender Geschwindigkeit. Die Landschaften, die er heute malt, könnten morgen unkenntlich sein. Der Künstler drückt diese Angst mit entwaffnender Offenheit aus: “Ich habe wirklich das Gefühl, dass sich alles verändert. Ich kann nicht sicher sein, dass morgen noch alles da sein wird.” Dieses Bewusstsein für die Vergänglichkeit fügt seinen scheinbar fröhlichen Kompositionen eine melancholische Schicht hinzu.
Die Serie “The Star Ferry Tale” von 2024 treibt diese Idee noch weiter, indem sie die ikonische Fähre, die den Victoria Hafen überquert, in ein Mini-Raumschiff verwandelt, das durch das Universum reist, während Hongkong darunter als eine Konstellation aus Acryllichtern funkelt. Diese traumhafte Vision, die während der COVID-Lockdown-Jahre entstand, spiegelt die Erfahrung von Tausenden von Hongkongern wider, die, unfähig zu reisen, ihre Stadt über Google Earth betrachteten und sie buchstäblich aus einer außerirdischen Perspektive sahen.
Die Resonanz auf Wongs Arbeit in Hongkong selbst ist aufschlussreich. Auf der Art Basel Hong Kong drängten sich Tausende von Besuchern, um sein nächtliches Gemälde von Tai Tam Tuk zu sehen, als würden sie die Mona Lisa im Louvre betrachten. Es war nicht nur künstlerische Bewunderung, sondern eine tiefverwurzelte Anerkennung. Die Betrachter identifizierten präzise Orte, teilten persönliche Anekdoten über diese Stellen: “Meine Tochter geht direkt dort zur Schule”, “Ich fahre zweimal täglich diese Straße entlang”. Diese intensive emotionale Verbindung deutet darauf hin, dass Wong nicht nur Landschaften malt, sondern die kollektive Seele einer Stadt einfängt.
Was ist also mit Stephen Wong Chun Hei anzufangen? Wie ordnet man diesen Künstler ein, der sich weigert, sich einfachen Kategorien zu unterwerfen, der sorglos Constable und PlayStation, Freiluftmalerei und Google Earth, chinesische Tradition und japanischen Anime vermischt? Die Antwort liegt vielleicht genau in dieser Weigerung, sich zu entscheiden. Wong repräsentiert eine Künstlergeneration, für die diese Dichotomien, virtuell versus real, Tradition versus Moderne, lokal versus global, keine Bedeutung mehr haben. Er versucht nicht, diese Spannungen zu lösen, sondern sie voll und ganz zu bewohnen.
Seine Praxis legt nahe, dass die Landschaftsmalerei nicht tot, sondern lediglich im Wandel begriffen ist und sich einer Welt anpasst, in der unsere Erfahrungen von Territorium durch eine Vielzahl unterschiedlicher Medien vermittelt werden. Eine Landschaft ist nicht mehr nur das, was wir bei einer Wanderung sehen, sondern auch das, was wir in einem Videospiel erkunden, was wir über Google Earth überfliegen, was wir in unserem unzuverlässigen Gedächtnis rekonstruieren. Wong malt all diese Landschaften gleichzeitig und schafft unmögliche Synthesen, die merkwürdig der Wahrheit ähneln.
Was seine Arbeit besonders kraftvoll macht, ist, dass sie niemals zynisch ist. Trotz seiner tiefen Verstrickung in virtuelle Welten, trotz seines scharfen Bewusstseins für die Künstlichkeit seiner gesättigten Farben, malt Wong mit offensichtlicher Liebe zu seinem Sujet. Man spürt in jedem Pinselstrich die Freude des Wanderers, der eine neue Aussicht entdeckt, die Aufregung des Spielers, der ein unbekanntes Terrain erkundet, die Zuneigung des Bürgers zu seiner unvollkommenen Stadt.
Die kleinen menschlichen Figuren, die seine Kompositionen durchziehen, Wanderer auf fernen Pfaden, Fallschirmspringer, die über Täler schweben, und Maler, die mit ihrer Staffelei aufgebaut sind, sind möglicherweise spirituelle Selbstporträts. Wong setzt sich selbst in diese Landschaften, nicht als romantischer Eroberer, sondern als bescheidener Teilnehmer, ein Zeuge unter vielen für die zerbrechliche Schönheit der Welt. Diese Bescheidenheit, kombiniert mit seiner formalen Ambition und technischen Innovation, macht ihn zu einem der interessantesten Maler seiner Generation.
In einem Kunstmarkt, der oft vom Konzeptionellen und Provokativen besessen ist, wagt Wong, einfach schön zu sein. Aber diese Schönheit ist nicht naiv. Sie basiert auf einem ausgeklügelten Verständnis davon, wie wir heute sehen, wie Bildschirme unsere Wahrnehmung neu konfiguriert haben, wie Gedächtnis und Vorstellungskraft zusammenarbeiten, um unsere Erfahrung des Realen zu gestalten. Seine unmöglichen Landschaften mit ihren elektrischen Rosatönen und neongrünen Farben zeigen uns, dass subjektive Wahrheit aufschlussreicher sein kann als jede dokumentarische Treue.
Wong Chun Hei verlangt von uns nicht, zwischen Wandern und Videospiel, zwischen Kontemplation und Bildschirm, zwischen Tradition und Innovation zu wählen. Er zeigt uns, dass ein zeitgenössischer Künstler all diese Widersprüche umarmen, in etwas Neues, Lebendiges und Authentisch Persönliches verwandeln kann und muss. Und in seinen besten Momenten vermittelt das Betrachten seiner Gemälde genau das Gefühl, das er beschreibt: das Gefühl, getragen zu werden, über ein vertrautes Territorium zu schweben, das plötzlich fremd, wunderbar und bewahrenswert erscheint auf einer Leinwand, bevor es für immer verschwindet.
- David Hockney (geboren 1937) ist insbesondere für seine ab 2004 entstandenen Yorkshire-Landschaften bekannt, die sich durch einen subjektiven Umgang mit Farbe und Komposition auszeichnen und gleichzeitig eine enge Verbindung zur direkten Naturbeobachtung bewahren.
- Zitat von Stephen Wong Chun Hei, in “Memories Emerge in Stephen Wong Chun Hei’s Paintings as Vivid Saturated Landscapes”, This is Colossal, 25. Januar 2023.
- Zitat von Stephen Wong Chun Hei, in “Stephen Wong”, Unit London.
- Zitat von Stephen Wong Chun Hei, in “Stephen Wong: The painter who builds up landscapes ‘like Lego'”, CNN Style, 14. März 2022.
