Sein wachsender Erfolg auf der internationalen Bühne ist also kein Modetrend, sondern die Anerkennung einer tief originellen und notwendigen künstlerischen Vision. Die Institutionen, die seine Werke erwerben, haben sich nicht geirrt: Hodges definiert gerade die Möglichkeiten der zeitgenössischen Malerei neu. Und er tut dies mit einer Eleganz, Subtilität und Tiefe, die ihn zu einem der spannendsten Künstler seiner Generation machen.
Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ich weiß genau, dass ihr alle so tun wollt, als würdet ihr das umfassende Werk von Sterling Ruby, diesem amerikanischen Künstler, der mit einer Virtuosität die Grenzen zwischen den Medien sprengt, perfekt verstehen. Aber lasst mich euch sagen, dass ihr gar nichts versteht. Absolut nichts.
Denn hinter den schillernden Oberflächen seiner monumentalen Keramiken und den zarten Falten seiner Textilskulpturen verbirgt sich eine tiefere, verstörendere Wahrheit: Ruby ist der Künstler, der unsere ängstliche Zeit am besten verkörpert. Durch seine vielgestaltige Arbeit, Malerei, Skulptur, Keramik, Textil, Video, seziert er mit chirurgischer Präzision die Neurosen des zeitgenössischen Amerika und schafft eine wahre Archäologie des kollektiven Unbewussten.
Diese psychische Erkundung findet ihren eindrucksvollsten Ausdruck in seinen “Basin Theology”, riesigen Keramikbecken, die als künstlerische Massengräber fungieren. Ruby stapelt dort die zerbrochenen Fragmente seiner misslungenen Werke, überzieht sie mit dicken Glasurschichten, die geronnenes Blut oder geschmolzene Lava erinnern. Diese monumentalen Stücke, manchmal mehr als einen Meter breit, verkörpern unser zwiespältiges Verhältnis zu Versagen und Zerstörung. In “Basin Theology/HATRA” (2014) scheint die tief blau-schwarze Oberfläche das Licht zu absorbieren und erzeugt einen schwindelerregenden Abgrundseffekt, in dem die Fragmente früherer Werke sich auflösen. “Basin Theology/SKINHEAD” (2013) zeigt eine gequälte Oberfläche, auf der Keramiksplitter wie Knochen eines archäologischen Fundorts hervortreten, bedeckt mit einer blutroten Glasur, die zu dicken Krusten gerinnt.
Diese Besessenheit von Lebens- und Todeszyklen resoniert tief mit Melanie Kleins Theorien zur schizo-paranoiden Position. Das Säugling, so Klein, schwankt zwischen ängstlicher Fragmentierung und Integrationsversuchen, zwischen Angst vor Vernichtung und Wunsch nach Reparatur. Die “Basin Theology” manifestieren diese primitive Dynamik gleichermaßen, zugleich verletzlich und bedrohlich, fragmentiert und vereinigt. Die Glasur, die die Trümmer bedeckt, wirkt wie eine psychische Haut, eine schützende Membran, die versucht, die Bedrohung der Auflösung einzudämmen. Dieses klein’sche Konzept des psychischen Behälters findet besondere Resonanz in der Art, wie Ruby diese Becken in symbolische Aufbewahrungsorte für die Rückstände seiner künstlerischen Arbeit verwandelt.
Seine berühmten “Stalagmites”, monumentale Skulpturen aus Polyurethan, treiben diese Erforschung der Urängste weiter voran. Ihre phallische Vertikalität, die mehrere Meter hoch sein kann, wird durch eine scheinbare Zerbrechlichkeit ausgeglichen, als könnten sie unter ihrem eigenen Gewicht zusammenbrechen. In “Monument Stalagmite/The Shining” (2011) erzeugen die erstarrten Läufe aus leuchtend rotem Polyurethan einen blutigen Wasserfall-Effekt, der an die ikonische Szene in Kubricks Film erinnert, in der Blut aus Aufzügen schießt. Ruby erforscht hier, was Julia Kristeva als das Abjekt bezeichnet, jene unklare Zone, in der die Grenzen zwischen Subjekt und Objekt porös werden. Die festgefrorenen Läufe rufen Körperflüssigkeiten hervor, die die Integrität des sozialen Körpers bedrohen, und verwandeln industrielles Material in eine Metapher für unsere kollektiven Ängste vor Kontamination.
Diese Ambivalenz findet eine neue Entsprechung in der Serie “SOFT WORKS”, in der anthropomorphe textile Formen mal gequälte Körper, mal gespenstische Kreaturen darstellen. “Vampire” (2011), ein riesiger hängender Mund, dessen stoffliche Fangzähne von falschen Blutstropfen triefen, verkörpert diese Spannung zwischen Vertrautem und Fremdartigem perfekt. Durch das Zusammennähen und -fügen von recycelten Stoffen, darunter ausgebleichte amerikanische Flaggen, schafft Ruby beunruhigende Hybride, die das verkörpern, was Freud als “unheimliche Fremdheit” bezeichnete. Diese weichen Skulpturen, die an von Winnicott theoretisierte Übergangsobjekte erinnern, verwandeln den tröstlichen Komfort des Heimischen in etwas Fremdes und Feindliches.
Die Installation “SUPERMAX 2008” im MOCA Los Angeles verankert seine Arbeit in einer scharfen Kritik am amerikanischen Gefängnissystem. Die strengen geometrischen Formen und entstellten Oberflächen schaffen einen faszinierenden Dialog zwischen Strafarchitektur und Minimalismus. “Inscribed Plinth for Joseph DeLange” (2008) zeigt einen Sockel aus Formica, bedeckt mit Graffiti und zwanghaften Inschriften, wie die Wände einer Gefängniszelle. Ruby nutzt minimalistisches Rasterwerk und modulare Strukturen um, um deren unterdrückendes Potenzial zu offenbaren, was den Analysen Foucaults zur disziplinarischen Architektur in “Überwachen und Strafen” entspricht.
In seinen Gemälden der Serie “SP” erzeugt die Verwendung der Sprühdose halluzinogene Landschaften mit sauren Farben. “SP231” (2012) entfaltet schwindelerregende Farbverläufe von fluoreszierendem Rosa und tiefschwarzem Schwarz, wodurch ein toxischer Tiefeneindruck entsteht. Die Technik selbst, verbunden mit urbanem Graffiti, wird zum Ausdrucksmittel, das sowohl gewalttätig als auch poetisch ist. Die Überlagerungen durchscheinender Schichten rufen eine vergiftete Atmosphäre hervor und schaffen eine psychische Kartografie unseres Umweltleidens. Diese Werke erinnern an die Experimente von Morris Louis mit flüssigen Farben, jedoch in einer Version, in der Fließfähigkeit zum Gift wird.
Die “SCALES”, monumentale Mobile, die geometrische Formen und gefundene Objekte kombinieren, verkörpern die Suche nach einem prekären Gleichgewicht, das sich durch das gesamte Werk von Ruby zieht. “SCALE/BATS, BLOCKS, DROP” (2015) verbindet industrielle Motorblöcke mit Baseballschlägern und erschafft eine bedrohliche Choreographie, die an Calders Mobile in einer alptraumhaften Version erinnert. Die dauerhafte Bewegung dieser Skulpturen hält die Betrachter in einem Zustand permanenter Alarmbereitschaft, zwischen Staunen und Einsturzgefahr.
Seine Videoserie “TRANSIENT TRILOGY” erforscht die Ränder der Gesellschaft durch die Figur eines Vagabunden, der mit Müll temporäre Installationen erstellt. Diese Figur, die Ruby selbst verkörpert, erinnert an Michel de Certeaus Theorien über Taktiken des alltäglichen Widerstands, entwickelt in “L’invention du quotidien”. Die Kamera beobachtet diese einsamen Rituale mit klinischer Distanz und schafft eine Spannung zwischen anthropologischem Dokument und künstlerischer Performance. Die zwanghaften Gesten der Figur, ihre Art, die Trümmer zu sammeln und anzuordnen, rufen die von Freud in “Der Rattenmensch” analysierten zwanghaften Verhaltensweisen hervor.
Textilien nehmen einen besonderen Platz in dieser Identitätserforschung ein. Seine monumentalen “quilts” überarbeiten die Tradition des amerikanischen Patchworks und schaffen Kompositionen, in denen verblichene Stoffe, militärische Muster und industrielle Rückstände verschmelzen. “BC (4357)” (2012) kombiniert Fragmente von ausgeblichenen Jeans mit Tarnmustern und erzeugt eine abstrakte Kartografie sozialer Spannungen in den USA. Die Technik wird zur Metapher für den Aufbau der Nation, eine fragile Assemblage disparater Fragmente, zusammengehalten durch Nähte, die jederzeit Gefahr laufen, sich zu lösen.
Diese textile Praxis findet eine unerwartete Fortsetzung in Rubys Kooperationen mit der Modewelt. Seine Linie S.R. STUDIO. LA. CA. verwandelt Kleidung in tragbare Skulpturen, geprägt von künstlerischen Prozessen, Farbflecken, Ausbleichungen und Assemblagen. Diese Demokratisierung der Kunst verwirklicht den alten Traum der Avantgarden, Kunst in den Alltag zu integrieren, während sie die Grenzen zwischen Schöpfung und Konsum hinterfragt.
Rubys jüngste Installationen erreichen eine Synthese all dieser Anliegen. “STATE” (2019), eine monumentale Videoprojektion, mit Drohne aufgenommen, überfliegt die 35 Staatsgefängnisse Kaliforniens. Die Luftaufnahmen wechseln zwischen sublimen Landschaften und Gefängnisarchitektur und schaffen einen eindrucksvollen Kontrapunkt zwischen natürlicher Schönheit und institutioneller Brutalität. Die vom Künstler komponierte perkussive Tonspur fügt eine beunruhigende Dimension hinzu, die den Betrachter in einem Zustand ständiger Spannung hält.
Die Serie “TURBINES” (2021) markiert möglicherweise eine neue Richtung in Rubys Schaffen. Diese großen abstrakten Gemälde integrieren Kartonfragmente auf eingefärbten Leinwänden und schaffen dynamische Kompositionen, die Explosionen oder Stürme hervorrufen. Inspiriert vom russischen Konstruktivismus verwandelt Ruby die Gewalt in schöpferische Energie und suggeriert die Möglichkeit einer Wiedergeburt mitten im Chaos.
Diese Fähigkeit, Zerstörung in Schöpfung zu verwandeln, durchzieht das gesamte Werk von Ruby. Jede Serie funktioniert als Versuch, dem Formlosen Gestalt zu verleihen, das Unfassbare zu fassen. Die bescheidensten Materialien, Karton, abgenutzter Stoff, zerbrochene Keramik, werden zu Trägern einer ästhetischen Erfahrung, die uns mit unseren tiefsten Ängsten konfrontiert und gleichzeitig Perspektiven der Transformation eröffnet.
Denn genau hier liegt die einzigartige Stärke von Ruby: die Fähigkeit, unsere kollektiven Ängste in bedeutungsvolle Formen zu verwandeln und dabei eine radikale Verbindung zur Materie aufrechtzuerhalten. Jedes Werk wird zu einem Akt des Widerstands, der die Möglichkeit bekräftigt, mitten in der Dunkelheit Sinn zu schaffen. Der Künstler agiert als zeitgenössischer Alchemist, der die toxischen Rückstände unserer Zivilisation in Objekte von beunruhigender Schönheit verwandelt, die uns zwingen, unserer eigenen Lage ins Auge zu sehen.
