Hört mir gut zu, ihr Snobs. Steven Meisel ist kein gewöhnlicher Modefotograf. Er ist das unbarmherzige Auge, das unsere Zeit seziert hat, die Hand, die die visuelle Identität einer ganzen Generation geformt hat, und der Geist, der die kommerzielle Fotografie in ein wahres soziales Manifest verwandelte. Seit er in den 70er Jahren seine Instamatic auf sein erstes einwilligendes Opfer richtete, hat dieser 1954 in New York geborene Mann die Regeln eines Mediums neu erfunden, das wir zu kennen glaubten.
Meisel ist dieses beunruhigende Genie, das hinter jedem Cover von Vogue Italia über mehr als zwei Jahrzehnte steckt, dieser Visionär, der das skandalöse Buch “Sex” von Madonna inszenierte, dieser Künstler, der seit 2004 fast alle Prada-Kampagnen geschaffen hat. Aber Meisel auf seine prestigeträchtigen Kooperationen zu reduzieren, ist so, als würde man behaupten, Picasso sei nur ein Keramikdekorateur gewesen.
Meisel ist ein seltenes Phänomen in der Modewelt: ein Mann, der es geschafft hat, diesen Zirkus der Eitelkeiten zu infiltrieren und ihn in ein soziales Theater zu verwandeln. Seine Fotografie ist keine einfache Dokumentation, sondern ein permanenter visueller Aufstand. Stellen Sie sich vor: Dieser New Yorker, der schon als Kind Models auf den Straßen mit seiner Instamatic verfolgte, um deren Wesen einzufangen, ist derjenige geworden, der neu definiert, was wir als schön, schockierend oder sehenswert betrachten.
Sein Werdegang ist merkwürdig ironisch: Dieser Absolvent im Bereich Illustration der Parsons School of Design begann damit, Mode zu zeichnen, bevor er sie durch sein Objektiv festhielt. Er verwandelte ein durch Zeichnung und Farbe geschultes Auge in eine Maschine, die das soziale Spektakel, das wir “Mode” nennen, dekonstruiert. Diese Metamorphose ist nicht zufällig; sie offenbart die philosophische Tiefe, die seiner Arbeit zugrunde liegt.
Wenn wir sein Werk durch das Prisma der existentialistischen Philosophie von Simone de Beauvoir betrachten, wird die Verbindung offensichtlich. Beauvoir lehrte uns, dass “Man wird nicht als Frau geboren, man wird es” [1], eine Aussage, die tief mit Meisels Arbeit mitschwingt. Seine fotografischen Serien zeigen nicht einfach Frauen, sie legen offen, wie die Gesellschaft “die Frau” als Konzept und Spektakel herstellt. Nehmen Sie seine berühmte Serie “Makeover Madness” für Vogue Italia von 2005: Models, eingewickelt in postoperativen Verbänden, gekleidet in Haute Couture. Ist das nicht die perfekte visuelle Illustration der sozialen Konstruktion des Weiblichen, die Beauvoir theoretisierte?
Beauvoir schrieb, dass “der Körper der Frau eines der wesentlichen Elemente der Situation ist, die sie in dieser Welt einnimmt” [2]. Meisel versteht diese Realität mit scharfer Schärfe. Wenn er Kristen McMenamy 1993 im Ritz Paris fotografiert, nackt bis auf einen prächtigen Hut, geht es nicht um einfache Erotik, sondern um eine rohe Demonstration davon, wie der weibliche Körper in unserer Kultur gleichzeitig gefeiert und objektiviert wird.
Meisels Genie liegt in seiner Fähigkeit, genau die Werkzeuge der Modeindustrie zu nutzen, perfekte Beleuchtung, makellose Komposition, außergewöhnliche Models, um den Spiegel auf uns zu richten und zu sagen: “Schaut, was wir tun, schaut, was wir feiern, schaut, was wir bestrafen.” Es ist eine philosophische Meisterleistung als Modefotografie getarnt.
Betrachten wir seine Arbeit nun aus einem anderen Blickwinkel: dem der Soziologie und insbesondere Pierre Bourdieus Theorien zur gesellschaftlichen Distinktion. Bourdieu argumentierte, dass Geschmack niemals unschuldig ist; er ist immer ein Klassenmerkmal und ein Instrument sozialer Herrschaft [3]. Meisels Fotografien bewegen sich genau in diesem Territorium. Seine “Black Issue” der Vogue Italia von 2008, bei der alle Models schwarz waren, war nicht nur eine Feier schwarzer Schönheit, sondern eine scharfsinnige Kritik an den Ausschlussmechanismen, die in der Modeindustrie wirken.
“Mode ist total rassistisch”, erklärte Meisel selbst. “Fotografieren ermöglicht es manchmal, eine breitere Aussage zu machen” [4]. Durch diese ikonische Ausgabe nutzte er seine Macht, um offenzulegen, wie Mode ihre eigene rassifizierte soziale Hierarchie schafft, ihre eigene Wertökonomie auf Basis von Ausschluss. Genau das nannte Bourdieu “symbolische Gewalt”, diese Form der Herrschaft, die mit der stillschweigenden Zustimmung der Beherrschten ausgeübt wird.
Meisel versteht Mode als ein Zeichensystem, das soziale Hierarchien kommuniziert und verstärkt. Seine Serie “Super Mods Enter Rehab” (2007) zeigt Models, die glamouröse Drogenabhängige darstellen. Diese Serie löste Empörung aus, gerade weil sie offenlegte, wie Mode sogar das Leiden vereinnahmt, um es in ein konsumierbares Spektakel zu verwandeln. Bourdieu hätte diese mise en abyme geschätzt, eine Kritik des Systems, die innerhalb dieses Systems selbst erfolgt.
In “State of Emergency” (2006) inszeniert Meisel Models, die von “Polizisten” während einer Fotosession belästigt werden. Die glamourösen weiblichen Körper werden zum Schauplatz einer stilisierten sozialen Gewalt. Wie Bourdieu schrieb: “Der Körper ist die unwiderlegbarste Objektivierung des Klassengeschmacks” [5]. Meisel verwandelt diese Körper in soziologische Schlachtfelder.
Meisels Karriere ist gespickt mit Momenten, in denen er die Sprache der Mode nutzt, um die Mode selbst zu hinterfragen. Als er Madonna für ihr Buch “Sex” im Jahr 1992 fotografierte, ging es nicht nur um Provokation, sondern um die Erforschung, wie Körper (insbesondere weibliche) kodifiziert werden, wie Sexualität in unserer Kultur konstruiert und inszeniert wird. Madonna und Meisel verstanden beide, dass Sex niemals einfach nur natürlich ist, sondern immer kulturell konstruiert und performativ.
Was an Meisel faszinierend ist: Er agiert von innen heraus. Im Gegensatz zu den meisten Modekritikern, die ihre Pfeile von außen abschießen, steht er im Zentrum dieser Maschine. Er fotografierte praktisch alle Cover der Vogue Italia über zwei Jahrzehnte hinweg. Er realisierte Kampagnen für Versace, Dolce & Gabbana, Prada und unzählige weitere Luxusmarken. Er ist der ultimative Insider, der subversiv wurde.
Diese einzigartige Position verleiht ihm unangefochtene Autorität. Wenn Simone de Beauvoir die weibliche Situation kritisierte, sprach sie als Frau; wenn Bourdieu die Mechanismen sozialer Distinktion analysierte, sprach er als Akademiker aus bescheidenen Verhältnissen. Meisel spricht über Mode als Modedesigner. Seine Kritik ist umso vernichtender, als sie von jemandem kommt, der die Mechanismen des Systems intimately kennt.
Am Ende ihrer Karriere verfallen viele Fotografen in Wiederholungen oder Selbstparodien. Nicht so Meisel. Jede neue Serie ist eine Neuerfindung. Diese Fähigkeit zur Erneuerung bei gleichzeitiger intellektueller Kohärenz zeugt von außergewöhnlicher visueller Intelligenz. Wie Susan Sontag schrieb: “Fotografie ist vor allem eine Art des Sehens” [6]. Und Meisels Art des Sehens ist stets im Wandel, immer auf der Suche nach den Widersprüchen unserer Zeit.
Seine kürzliche Retrospektive “Steven Meisel 1993 A Year in Photographs”, die in Spanien präsentiert wurde, erinnert uns an die kreative Intensität, mit der er schon zu Beginn seiner Karriere arbeitete. In nur einem Jahr produzierte er 28 Covers für Vogue und über hundert Editorials. Diese hektische Produktivität ist nicht die eines bloßen Technikers, sondern die eines Künstlers, der vom dringenden Bedürfnis besessen ist, seine Zeit zu kommentieren.
Während einige Modefotografen zeitlose Bilder schaffen wollen, versucht Meisel genau die Zeitlichkeit unserer Epoche einzufangen, ihre Obsessionen, Ängste, Fantasien. Seine Fotografie ist in der Geschichte verankert, nicht als passives Dokument, sondern als aktive Intervention. Er fotografiert nicht einfach Mode, sondern unsere kulturelle Beziehung zur Mode, unsere psychische Investition in diese Stoffe und Posen.
Beauvoir schrieb, dass “es ist durch Arbeit, dass die Frau in großem Maße die Entfernung überwunden hat, die sie vom Mann getrennt hat; es ist die Arbeit, die ihr allein eine konkrete Freiheit garantieren kann” [7]. In ähnlicher Weise nutzt Meisel seine fotografische Arbeit, um die Distanz zwischen der vermeintlichen Oberflächlichkeit der Mode und einer substanziellen Kulturkritik zu überwinden. Seine Arbeit garantiert den Modebildern konkrete Freiheit, die Freiheit, mehr als bloße Werbung zu sein, die Freiheit, einen gesellschaftlichen Kommentar zu tragen.
Bourdieu bemerkte hingegen, dass “der Geschmack klassifiziert, und klassifiziert den, der klassifiziert” [8]. Meisel unterwirft sich selbst dem Urteil, indem er ständig durch seine visuellen Entscheidungen klassifiziert und kategorisiert. Seine Langlebigkeit in einer berüchtigt volatilen Branche deutet darauf hin, dass er das Recht gewonnen hat zu klassifizieren, festzulegen, was sehenswert ist und wie es gesehen werden sollte.
Das Ironischste ist vielleicht, dass Meisel selbst weitgehend unsichtbar bleibt. Im Gegensatz zu anderen berühmten Fotografen, die ihr eigenes öffentliches Image pflegen, ist Meisel notorisch zurückhaltend, selten fotografiert und gibt wenige Interviews. Diese bewusste Abwesenheit vom öffentlichen Rahmen steht im Kontrast zur Omnipräsenz seiner Arbeit. Er wird so zu einer Art geisterhafter Präsenz in der Modewelt, zugleich überall und nirgends.
Diese Haltung erinnert an die des Philosophen, der die Welt beobachtet, ohne sich notwendigerweise direkt einzumischen. Wie Beauvoir, die die sozialen Strukturen analysierte und dabei eine kritische Distanz bewahrte, oder wie Bourdieu, der soziale Felder kartierte und seine eigene Position in diesen Feldern anerkannte, beobachtet, dokumentiert und kritisiert Meisel, während er im Schatten bleibt.
Was Steven Meisel auszeichnet, ist nicht seine technische Meisterschaft (obwohl sie unbestreitbar ist) oder seine Fähigkeit, Schönheit einzufangen (obwohl sie außergewöhnlich ist), sondern sein Wille, die Modefotografie in ein Instrument sozialer und philosophischer Untersuchung zu verwandeln. In einer Welt, in der Bilder immer zahlreicher, aber immer weniger bedeutungsvoll werden, schafft Meisel Fotografien, die Aufmerksamkeit verlangen und belohnen.
Er erinnert uns daran, dass Sehen niemals ein unschuldiger Akt ist, sondern immer ein Akt des Urteils, der Kategorisierung und der sozialen Positionierung. Und in dieser visuell überladenen Ökonomie, die unsere Zeit charakterisiert, bleibt seine Arbeit eine Einladung, genauer, kritischer und tiefer zu schauen. Nicht nur, um die schillernde Oberfläche der Mode zu bewundern, sondern um die tiefen Strukturen zu erkennen, die diese Oberfläche stützen.
Steven Meisel ist nicht nur ein Modefotograf, er ist ein visueller Philosoph, ein Soziologe des Bildes, ein Anthropologe des Glamours. Und in einer Welt, die immer mehr durch oberflächliche Bilder definiert wird, ist sein durchdringender Blick nötiger denn je.
- Simone de Beauvoir, “Das andere Geschlecht”, Gallimard, 1949.
- Simone de Beauvoir, “Das andere Geschlecht, Band I: Fakten und Mythen”, Gallimard, 1949.
- Pierre Bourdieu, “Die feinen Unterschiede: Kritik der gesellschaftlichen Urteilskraft”, Les Éditions de Minuit, 1979.
- Steven Meisel, Interview für 032c Magazin, Dezember 2008.
- Pierre Bourdieu, “Die feinen Unterschiede: Kritik der gesellschaftlichen Urteilskraft”, Les Éditions de Minuit, 1979.
- Susan Sontag, “Über die Fotografie”, Christian Bourgois, 1979.
- Simone de Beauvoir, “Das andere Geschlecht, Band II: Die gelebte Erfahrung”, Gallimard, 1949.
- Pierre Bourdieu, “Die Distinktion: Soziale Kritik des Urteils”, Les Éditions de Minuit, 1979.
