Hört mir gut zu, ihr Snobs: Während ihr über die neuesten konzeptuellen Modetrends am Kunstmarkt diskursiert, revolutioniert eine 45-jährige chinesische Malerin still und heimlich die Tuschkunst. Sun Hao ist nicht eine dieser Künstlerinnen, die mit einfacher Provokation oder bürgerlichem Skandal beeindrucken wollen. Nein, diese 1980 in Linyi in der Provinz Shandong Geborene greift etwas Ambitionierteres und Gefährlicheres an: Sie versucht, die Seele der traditionellen chinesischen Malerei wiederzubeleben und zugleich in unsere turbulente Zeit zu bringen.
An ihrem Ansatz ist zweifellos etwas Provokatives. Wo andere sich damit begnügen, die jahrtausendealten Codes der chinesischen Tuschemalerei zu reproduzieren oder sklavisch westliche Meister zu imitieren, schmiedet Sun Hao eine bisher unerreichte Synthese. Ihre Pferde sind keine Pferde, ihre Buddhas keine Buddhas. Es sind Spiegel, die unserer zeitgenössischen Situation entgegengehalten werden, reflektierende Oberflächen, auf denen sich unsere Ängste und geheimsten Sehnsüchte offenbaren.
Ausgebildet an der Lu Xun Kunstakademie und anschließend an der Zentralen Akademie der Bildenden Künste in Peking im Atelier von Hu Wei, gehört Sun Hao zu jener Generation chinesischer Künstlerinnen, die im Schatten der erzwungenen Modernisierung ihres Landes aufwuchs. Diese Erfahrung des Dazwischen, zwischen Tradition und Moderne, zwischen Orient und Okzident, durchdringt ihr gesamtes Werk. Wenn sie ein Pferd malt, dann nicht, um die tierische Schönheit wie die alten Meister zu feiern, sondern um unser gegenwärtiges Verhältnis zu Kraft, Freiheit und Instinkt zu hinterfragen.
Nehmen wir ihr emblematisches Werk “Ich heiße Rot”. Der Titel selbst stellt eine Provokation der Konventionen dar. Rot, die Farbe des Blutes, der Leidenschaft, der Revolution, aber auch der chinesischen Tradition. Dieses aufgerichtete Pferd, eingefangen in einer Bewegung reiner Muskelspannung, übersteigt die Animalität, um zur Allegorie unserer Zeit zu werden. Sun Hao beherrscht die Technik des Lavierens meisterhaft, lenkt sie aber von ihrem traditionellen Zweck ab. Ihre Pinselstriche, präzise und energiegeladen, formen die malerische Materie buchstäblich. Die Tusche wird zu Bronze, das Papier wird Fleisch.
Dieser “skulpturale” Ansatz der Tusche, wie es ihr früherer Meister Hu Wei zu Recht hervorhob, ist die wesentliche Innovation von Sun Hao. Wo die Tradition Fluss und Andeutung bevorzugt, setzt sie auf Dichte und Behauptung. Ihre Tiere besitzen eine beeindruckende physische Präsenz, eine Materialität, die im Kontrast zur gewöhnlichen Flüchtigkeit dieses Mediums steht. Diese Spannung zwischen Tradition und Innovation ist kein Selbstzweck: Sie spiegelt die Widersprüche des zeitgenössischen China wider, das zwischen jahrtausendealtem Erbe und rascher Transformation zerrissen ist.
In Gemälden wie “Die ewige Liebe” oder “Liebe ist eine Brücke” erforscht Sun Hao die Beziehungsdynamiken anhand der Pferdemetapher. Diese Pferdepärchen, meist in Haltungen von Intimität oder Vertrautheit dargestellt, offenbaren die zutiefst humanistische Dimension ihrer Kunst. Denn hinter dem Tier verbirgt sich stets der Mensch, hinter dem Symbol die rohe Emotion.
Diese subtile Anthropomorphisierung führt uns zum Kern der künstlerischen Philosophie von Sun Hao. Weit davon entfernt, sich naiv in den Anthropozentrismus zu verlieren, erforscht sie, was der italienische Philosoph Giorgio Agamben “Potentialitäten” des Seins nennt. Für Agamben beschränkt sich Potentialität nicht auf das, was aktualisiert werden kann, sondern umfasst auch das, was nicht sein kann, jene Zone der Unbestimmtheit, in der unsere fundamentale Freiheit liegt [1].
Die Pferde von Sun Hao verkörpern genau diese agambenianische Potentialität. Sie stehen stets kurz davor, loszugaloppieren, sich aufzubäumen, zu springen, bleiben jedoch in einer ewigen malerischen Gegenwart suspendiert. Diese zeitliche Suspension ist keine Bewegungslosigkeit: Es ist eine Konzentration von Energie, eine Ansammlung von Kraft. Die Künstlerin fängt den kritischen Moment ein, in dem die Bewegung zwischen verschiedenen Möglichkeiten schwankt, in dem die Handlung in der Potentialität bleibt. Ihre Tiere vibrieren von dieser inneren Spannung, von diesem Reichtum des Unvollendeten.
Diese Ästhetik der Potentialität findet ihre theoretische Erfüllung in Agambens Analysen zur zeitgenössischen Kunst. Laut dem italienischen Philosophen begnügt sich authentische Kunst nicht damit, die Realität darzustellen: Sie offenbart die ungenutzten Möglichkeiten der Gegenwart, sie formt das, was sein könnte, ohne notwendigerweise einzutreten. Die Werke von Sun Hao tragen zu dieser Offenbarung bei. Sie beschreiben nicht unsere Epoche, sondern erforschen deren verborgene Virtualitäten.
Nehmen wir das Beispiel ihrer Reihe zu buddhistischen Figuren. Diese Fragmente von Statuen, diese vom Zahn der Zeit erodierten Gesichter, die sie mit archäologischer Präzision darstellt, sind Meditationen über Beständigkeit und Vergänglichkeit. Sun Hao versucht nicht, diese Überreste ideal wiederherzustellen: Sie akzeptiert ihren Verfall, ihre Unvollständigkeit. Diese Ästhetik des Fragments berührt Agambens Anliegen zur Fortexistenz künstlerischer Formen. Kunst überliefert nicht nur ein intaktes Erbe: Sie verwandelt es durch seine Aktualisierung und offenbart ungeahnte Potentialitäten in den überlieferten Formen.
Diese Dialektik zwischen Erbe und Innovation führt uns natürlich zu einem zweiten Deutungsansatz, der von Theodor W. Adorno in seiner “Ästhetischen Theorie” vorgeschlagen wurde. Für den Philosophen aus Frankfurt zeichnet sich authentische Kunst durch die Fähigkeit aus, eine produktive Spannung zwischen Form und Inhalt, zwischen ästhetischer Autonomie und gesellschaftlichem Engagement aufrechtzuerhalten [2]. Das Kunstwerk darf sich weder in einem selbstzweckhaften Formalismus verlieren noch in direkter politischer Instrumentalisierung versinken.
Sun Hao illustriert diese adornosche Position perfekt. Ihre Werke schöpfen ihre kritische Kraft nicht aus einer expliziten Botschaft, sondern aus ihrer Fähigkeit, die Widersprüche unserer Zeit durch ihre formale Organisation selbst zu offenbaren. Die “skulpturale” Technik, die sie entwickelt, ist keine bloße stilistische Innovation: Sie übersetzt plastisch die zeitgenössische Erfahrung der Verdichtung, Beschleunigung und zeitlichen Kompression, die unsere späte Moderne charakterisiert.
Adorno betont, dass wahre Kunst einen “Wahrheitsgehalt” besitzt, der weder auf ihre offensichtliche Botschaft noch auf ihre rein formalen Qualitäten reduziert werden kann. Dieser Wahrheitsgehalt entsteht aus der dialektischen Spannung zwischen dem Werk und seinem sozialen Kontext. Die Pferde von Sun Hao erlangen ihre offenbarende Kraft gerade dadurch, dass sie in ihrer Form selbst die Widersprüche der zeitgenössischen chinesischen Gesellschaft verdichten. Sie sind sowohl tief verwurzelt in einer jahrtausendealten Tradition als auch entschieden zeitgenössisch, zugleich Symbole der Macht und Figuren der Verletzlichkeit.
Diese Verwundbarkeit wird besonders in den Blicken seiner Tiere sichtbar. Sun Hao beherrscht die Darstellung der pferdetypischen Ausdrücke meisterhaft und verleiht seinen Pferden eine zutiefst menschliche Melancholie. Diese Blicke sind vielleicht der verstörendste Aspekt seiner Kunst. Sie scheinen uns zu hinterfragen, zu beurteilen, uns zu verstehen. Diese subtile Vermenschlichung knüpft an die adornianischen Analysen der ästhetischen “Versöhnung” an: Kunst beschränkt sich nicht darauf, die Spaltungen der sozialen Welt zu reproduzieren, sondern erkundet die Möglichkeiten einer zukünftigen Versöhnung zwischen Natur und Kultur, Tiersein und Menschsein.
Die utopische Dimension dieser Versöhnung darf ihre kritische Dimension nicht verdecken. Die jüngsten Werke von Sun Hao, die unter anderem im April 2025 in der Galerie Rongbaozhai ausgestellt wurden, zeigen ein scharfes Bewusstsein für gegenwärtige ökologische und ethische Herausforderungen. Ihre Pferdepaarungen können als Allegorien menschlicher Beziehungen im Zeitalter der Globalisierung verstanden werden: bedrohte Intimität, fragile Solidaritäten, die verzweifelte Suche nach authentischer Verbindung in einer entmenschlichten Welt.
Diese Interpretation findet Bestätigung in den Aussagen der Künstlerin selbst. Wie sie in einem jüngsten Interview betont: “Das Porträt des Pferdes ist das Porträt des Menschen. Durch die Geschichte des Pferdes drücke ich meine tiefgründige Reflexion über die Beziehungen zwischen Zeit, Gesellschaft und Mensch aus.” Dieser Satz offenbart die eigentliche philosophische Dimension ihres Ansatzes. Sun Hao malt keine Pferde: Sie erforscht durch die pferdebezogene Metapher die zeitgenössischen Modalitäten menschlichen Daseins.
Dieser metaphorische Ansatz gründet in einer langen chinesischen künstlerischen Tradition, wird von Sun Hao jedoch durch ihr Wissen über die westliche Kunst erneuert. Ihre Besuche europäischer Museen, ihre Reisen durch Italien und Frankreich haben ihren referenziellen Fundus bereichert, ohne sie von ihren ursprünglichen kulturellen Quellen zu entfremden. Diese interkulturelle Synthese bildet einen der anregendsten Aspekte ihrer Arbeit.
Sie zeigt sich besonders in ihrer Lichtbehandlung. Beeinflusst von den Meistern der europäischen Malerei, insbesondere Rembrandt, entwickelt Sun Hao eine Tuschentechnik, die sich westliche Hell-Dunkel-Techniken aneignet, zugleich aber die Spezifität des chinesischen Mediums bewahrt. Ihre Pferde baden oft in dramatischem Licht, das ihre Formen modelliert und ihre emotionale Präsenz verstärkt. Diese technische Hybridisierung ist kein oberflächlicher Synkretismus: Sie spiegelt die existenzielle Erfahrung der Künstlerin wider, die zwischen mehreren kulturellen Welten lebt.
Der kommerzielle Erfolg von Sun Hao, belegt durch Auktionen, bei denen ihre Werke mitunter beträchtliche Preise erzielen, darf die Radikalität ihres Ansatzes nicht überdecken. In einem Kunstmarkt für zeitgenössische Kunst, der oft von Spekulation und Modetrends geprägt ist, bewahrt sie eine künstlerische Anspruchshaltung, die sie von Zeitgenossen unterscheidet. Ihre Werke widerstehen der einfachen ästhetischen Rezeption: Sie fordern einen aufmerksamen Blick, eine längere Meditation.
Dieser Widerstand gegen unmittelbaren Konsum schließt sich den adornianischen Analysen der Kulturindustrie an. Für Adorno zeichnet sich authentische Kunst gerade durch die Weigerung aus, sofortige Befriedigung zu bieten, und durch ihre Fähigkeit, die gewohnten Wahrnehmungsmuster des Betrachters zu destabilisieren. Die Werke von Sun Hao besitzen diese störende Qualität: Sie konfrontieren uns mit unserer eigenen Fremdheit und offenbaren unsere inneren Widersprüche.
Die jüngste Entwicklung ihrer Arbeit hin zu einer größeren narrativen Komplexität bestätigt diese Ausrichtung. Ihre jüngsten Kompositionen, insbesondere jene, die in der Ausstellung “Toutes les rencontres” im Jahr 2025 präsentiert wurden, integrieren manchmal mehrere Zeitlichkeiten, mehrere Ebenen der Lesart. Die reife Künstlerin übernimmt vollständig die hermeneutische Dimension ihrer Kunst: Ihre Werke fordern zur Interpretation auf, widerstehen der Evidenz.
Diese zunehmende Komplexität geht mit einer formalen Radikalisierung einher. Sun Hao experimentiert nun mit ungewöhnlichen Formaten, asymmetrischen Kompositionen, gewagten Bildausschnitten, die den Einfluss der zeitgenössischen Fotografie und des Kinos offenbaren. Diese Offenheit gegenüber anderen künstlerischen Medien zeugt von ihrem Willen, ihre Kunst im Einklang mit den ästhetischen Entwicklungen der Gegenwart zu halten.
Dennoch erfolgt diese Modernisierung niemals zulasten der traditionellen Verankerung. Sun Hao bleibt den Grundprinzipien der Tuschemalerei treu: Respekt vor dem Träger, Mittelökonomie, Suche nach maximalem Ausdruck mit minimalen Elementen. Diese schöpferische Treue unterscheidet ihre Arbeit von den Pastiche und oberflächlichen Vermischungen, die in der zeitgenössischen chinesischen Kunst verbreitet sind. Die Originalität von Sun Hao liegt gerade in ihrer Fähigkeit, diese produktive Spannung zwischen Treue und Innovation aufrechtzuerhalten. Ihre Werke verfallen weder in nostalgischen Verfall noch in mimetische Verwässerung durch Westlichung. Sie erforschen die zeitgenössischen Möglichkeiten einer verwurzelten Kunst, die aktuellen Modalitäten eines authentisch chinesischen Ausdrucks.
Diese Authentizität wird nicht mit kulturellem Nationalismus verwechselt. Sun Hao versucht nicht, eine angebliche ewige chinesische Essenz zu illustrieren: Sie erforscht die zeitgenössischen Formen des Chinesischseins, die aktuellen Modalitäten des Chinesisch-Seins in einer globalisierten Welt. Ihre Pferde sind chinesisch, nicht weil sie traditionelle Vorbilder reproduzieren würden, sondern weil sie eine bestimmte chinesische Weise verkörpern, die Moderne zu leben. Dieser nuancierte Ansatz der kulturellen Identität greift die Anliegen zeitgenössischer Philosophen über Globalisierung und ihre Effekte auf. Sun Hao veranschaulicht die Möglichkeit einer nicht uniformierenden Globalisierung, einer Öffnung zum Anderen, die nicht die Auflösung des Selbst impliziert. Ihre Werke zeigen, dass es möglich ist, gleichzeitig lokal und universal, verwurzelt und kosmopolitisch zu sein.
Diese dialektische Synthese stellt vielleicht den wichtigsten Beitrag von Sun Hao zur zeitgenössischen Kunst dar. In einer Zeit, in der viele Künstler entweder identitären Partikularismus oder globale Uniformierung bevorzugen, schlägt sie einen Mittelweg ein, der kulturelle Besonderheiten bewahrt und gleichzeitig für das universelle Menschliche offen ist. Ihre Pferde sprechen alle an, weil sie zunächst authentisch chinesisch sprechen. Diese Lehre geht weit über den künstlerischen Bereich hinaus. In unserer durch wiederauflebenden Nationalismus und identitäre Versuchungen erschütterten Zeit legt das Beispiel von Sun Hao andere Modalitäten des Verhältnisses zu Anderen und zu sich selbst nahe. Ihre Kunst zeigt, dass es möglich ist, aus seinen Wurzeln zu schöpfen, ohne sich darin zu verschließen, sich der Welt zu öffnen, ohne sich in ihr zu verlieren.
Es ist festzustellen, dass Sun Hao eine singuläre Stellung in der zeitgenössischen Kunst einnimmt. Weder Vergangenheit noch Zukunft verfallen, weder nationalistisch noch abstrakt kosmopolitisch, entwickelt sie eine Ästhetik des Dazwischen, die perfekt den Herausforderungen unserer Zeit entspricht. Ihre Werke bieten keine fertigen Lösungen: Sie erforschen die Problemstellungen, enthüllen die konstitutiven Spannungen unserer zeitgenössischen Existenz.
Diese kritische Klarheit, verbunden mit einer außergewöhnlichen technischen Meisterschaft, macht Sun Hao zu einer der anregendsten Künstlerinnen ihrer Generation. Ihre Pferde werden uns noch lange hinterfragen, überraschen und berühren. Denn sie tragen etwas Wesentliches in sich: das Versprechen, dass Kunst noch etwas Neues über unsere Existenz sagen kann, verborgene Wahrheiten über unsere Zeit offenbart und unerwartete Möglichkeiten eröffnet. In einer von Bildern und Diskursen überfluteten Welt ist dieses Versprechen nicht gering. Es allein rechtfertigt die Aufmerksamkeit, die wir dieser einzigartigen Malerin schenken müssen. Sun Hao erinnert uns daran, dass Kunst kein Vergnügen ist, sondern eine Notwendigkeit, kein Schmuck, sondern eine lebenswichtige Frage. Ihre Werke zwingen uns zu sehen, zu denken, zu fühlen. In Zeiten der allgemeinen Anästhesie ist diese Verpflichtung ein unschätzbarer Vorteil.
- Agamben, Giorgio. Potentialitäten: Essays zur Philosophie, Paris, Payot, 1999.
- Adorno, Theodor W. Ästhetische Theorie, 1970, Übersetzung von Marc Jimenez, Klincksieck, 1974, 2011.
