Hört mir gut zu, ihr Snobs: Syozo Taniguchi ist nicht der Künstler, den man leicht in eine schöne konzeptuelle Schachtel stecken kann. Geboren 1990 in der Präfektur Ehime in Japan, arbeitet dieser Mann mit einer Mittelwirtschaft, die für die schnellen Augen der Sammler leichtfertig erscheinen könnte. Doch in seinen Gemälden, Skulpturen und Videos entfaltet sich eine Weltanschauung, die es wert ist, mit sorgfältiger Aufmerksamkeit betrachtet zu werden. Die Pferde mit verlängerten Gliedmaßen, die seine Kompositionen bevölkern, sind keine einfachen dekorativen Motive, ebenso wenig sind die kleinen Mädchen mit Schmetterlingsflügeln oder die winzigen Häuser auf dem Rücken der Pferde naive Spielereien.
Der Künstler arbeitet seit Tokio mit einer Vielfalt von Medien, die ein echtes formales Anliegen zeigen. Acrylmalerei, Collage, Skulptur, Video: nichts scheint ihm zu entgehen. 2014 markiert seine Teilnahme an der Gruppenausstellung “Horizon That Appears Out of The Sleepy Woods” in der Stephen Friedman Gallery in London, die von Yoshitomo Nara kuratiert wurde, einen Wendepunkt in seiner internationalen Anerkennung [1]. Nara selbst schrieb, dass Taniguchi “eine große Anzahl von Gemälden und Zeichnungen produziert, die eine frische Sensibilität verströmen und uns an etwas Grundlegendes im Drang des Künstlers erinnern, Kunst zu schaffen” [1].
Es wäre verlockend, in Taniguchis Werk nur eine einfache Verbindung zur Ästhetik von Nara zu sehen. Diese Lesart würde das Wesentliche übersehen. Taniguchi operiert auf einem komplexeren Niveau, wo die scheinbare Sanftheit der Formen eine tiefe Meditation über Transformationsprozesse verschleiert. Die Pferde mit geschlossenen Augen und unbeweglicher Haltung tragen auf ihrem Rücken das gesamte symbolische Gewicht von Erinnerung und Entwurzelung. Diese hybriden Kreaturen verkörpern eine Form des kontemplativen Nomadentums, ein Wandern, das nicht geografisch, sondern psychisch ist.
Diese nomadische Dimension findet eine besondere Resonanz in der Philosophie von Gilles Deleuze und Félix Guattari, insbesondere in ihrem Konzept des Tierwerdens, wie sie es in “Tausend Plateaus” darstellen [2]. Für Deleuze und Guattari hat das Tierwerden nichts mit einer wörtlichen Metamorphose zu tun. Es ist ein Prozess der Deterritorialisierung, also eine Art, einen etablierten Territorium zu verlassen, um neue Erfahrungsbereiche zu erkunden. Wenn Deleuze und Guattari schreiben, dass “das Tierwerden ein Rhizom ist, kein klassifizierender oder genealogischer Baum”, beschreiben sie die Art von Beziehung, die Taniguchi zu seinen tierischen Motiven pflegt [2]. Die Pferde des japanischen Künstlers repräsentieren nicht die Animalität im zoologischen Sinne. Sie fungieren als Vektoren der Transformation, Fluchtlinien, die es dem Künstler und Betrachter ermöglichen, aus den konventionellen Territorien der Identität zu entkommen.
Das Haus, das auf dem Rücken des Pferdes ruht, ein wiederkehrendes Motiv in “The Way Home 1; and 2” (2021), materialisiert diese Spannung zwischen Verwurzelung und Wanderschaft. Die Behausung, Symbol des festen Territoriums, befindet sich verschoben, mobil, den unvorhersehbaren Bewegungen seines Reittiers unterworfen. Dieses Bild bündelt eine zeitgenössische Angst: die einer Generation, die ständig ihr Verhältnis zum Zuhause, zur Stabilität neu aushandeln muss. Das verbunden bandagierte Pferd von Taniguchi, ein verletztes Tier, das seine Last weiterhin trägt, verkörpert diese bewusste Zerbrechlichkeit, diese Verwundbarkeit, die nicht aufgibt.
Die Werke illustrieren bewundernswert die Dialektik von Gilles Deleuze zwischen Deterritorialisierung und Reterritorialisierung. Seine Kompositionen schaffen Räume, die gleichzeitig real und virtuell, vertraut und fremd sind. In “Light Rampaging in COCOON” (2023) verwendete der Künstler Rot, um Gemälde zu komponieren, in denen die Erzählung sich wie ein illustriertes Buch entfaltete. Diese Anspielung auf die Kindheit wirkt als Strategie des Werdens-Kind, ein weiteres Konzept von Deleuze, das nicht Regression, sondern die Fähigkeit bezeichnet, kreative Möglichkeiten offen zu halten, die Identitätsfixierung des Erwachsenenalters abzulehnen.
Die amerikanischen Automobile, die regelmäßig erscheinen, nehmen an dieser Logik teil. Als Fortbewegungsmittel tragen diese Autos mit kubischen Formen oft Bilder von geflügelten Mädchen. In “Unreliable Angel” (2023) zeigte eine Skulptur auf ihrer Motorhaube ein Mädchen mit Schmetterlingsflügeln, begleitet von dem Satz “THE FANTASY IS REAL”. Diese Aussage fasst Taniguchis Ambition zusammen: die Trennung zwischen Realität und Vorstellung abzulehnen. Das Werden-Tier von Deleuze ist, erinnern wir uns, kein Fantasiegebilde, sondern ein realer Prozess, der Körper und Bewusstsein wirklich beeinflusst.
Die Figuren zeigen seltsame Proportionen: überdimensionale Beine, unverhältnismäßige Köpfe, verlängerte Gliedmaßen. Diese Verzerrungen signalisieren, dass diese Körper etwas anderes werden, durch Kräfte durchdrungen, die sie übersteigen. Die Kreaturen von Taniguchi bewohnen eine Zone der Undurchschaubarkeit: weder menschlich noch tierisch, weder lebendig noch gespenstisch. Sie existieren im Raum des Werdens.
Die Farbpalette trägt zu dieser Atmosphäre des Dazwischens bei. Lebhafte Farben treffen auf melancholische Töne. Das Rot, das er seit 2023 verwendet, ist nichts Unschuldiges: es ist ein fleischliches Rot, von Blut und Leben, das gleichzeitig Leidenschaft und Verletzung evoziert. In “The exciting and melancholic sun” (2020) beschrieben Taniguchi, wie er einen Sonnenaufgang betrachtete und dachte, “vielleicht würde alles so enden”, und einen Sonnenuntergang betrachtete und dachte, “er würde niemals enden”. Diese paradoxe Zeitlichkeit kennzeichnet das Werden bei Deleuze: einen Prozess, der die Gegenwart umgeht, um in der Gleichzeitigkeit von Vergangenheit und Zukunft zu existieren.
Die Pferdeskulpturen, die er seit 2021 anfertigt, geben den Kreaturen, die seine Gemälde bevölkern, Gestalt. In “Unreliable Angel” schufen mehrere Pferde auf Sockeln unterschiedlicher Höhen Variationen im Verhältnis des Betrachters zum Werk. Es gibt nicht das eine Pferd von Taniguchi, sondern eine Vielzahl von Werden-Pferden, die sich je nach den Bedingungen ihrer Begegnung mit dem Blick unterschiedlich aktualisieren.
Der Markt zeigte ein ausgeprägtes Interesse an seiner Arbeit. Im März 2024 wurde das Werk “Work” (2016) bei der SBI Art Auction für das Fünffache seines unteren Schätzpreises verkauft, nämlich 5 Millionen Yen, was etwa 31.000 Euro Zuschlag entspricht. Diese Anerkennung birgt Gefahren: Taniguchi könnte zum Gefangenen seiner eigenen Motive werden, sich auf die Pferde reterritorialisieren, die seinen Erfolg ausmachten. Der Künstler scheint sich der Falle bewusst zu sein. Seine jüngsten Ausstellungen zeigen den Willen, neue Variationen zu erforschen.
Die Zusammenarbeit mit dem Künstler NAZE im Jahr 2023 für “We Promised to Play in the Park at Night” veranschaulicht diese Fähigkeit zur Deterritorialisierung. Diese Auseinandersetzung mit einem anderen plastischen Vokabular ermöglicht es, der kreativen Routine zu entkommen. Das Werden ist niemals einsam. Es beinhaltet immer ein Treffen, eine gegenseitige Kontamination zwischen zwei heterogenen Serien.
Die Titel der Ausstellungen im Café Kichimu zwischen 2016 und 2021 zeichnen eine bedeutende Entwicklung nach: “RUN”, “GOOD BYE MY GHOST”, “REBORN”, “Everybody is a Star”. Diese Titel rufen Bewegung, Transformation, aber auch Melancholie hervor. Der Geist, von dem man sich in “GOOD BYE MY GHOST” trennen muss, könnte als jene festen Identitäten gelesen werden, von denen Deleuze spricht. Um etwas Neues zu werden, muss man bereit sein, das, was man war, zu verlieren und Zonen der Unbestimmtheit zu durchqueren, in denen die Identität schwankt.
Die illustrierten Bücher, zu denen Taniguchi beigetragen hat, insbesondere “Oide, Alaska!” (2020) und “Goodbye, Spider-Man” (2017), offenbaren eine andere Facette seiner Praxis. Die Geschichten behandeln ernste Themen: Terrorismus, Verlust und Trauer. Seine Fähigkeit, diese schweren Themen visuell in eine für Kinder zugängliche Sprache zu übersetzen, zeugt von einem Verständnis dessen, was es bedeutet, Kind zu werden. Es geht nicht darum, beruhigende Bilder zu produzieren, sondern einen visuellen Raum zu schaffen, in dem Komplexität auf nichtlineare Weise erfasst werden kann.
Das Fehlen detaillierter Gesichter verdient einen Kommentar. Die Figuren zeigen schematische Züge und geschlossene Augen. Diese Ökonomie vermeidet Sentimentalität. Die Pferde mit geschlossenen Augen verweigern den Blick, verweigern den direkten emotionalen Austausch. Der Betrachter wird eingeladen, die Affekte zu fühlen, die die Kompositionen insgesamt durchziehen: das Licht, den Rhythmus der Formen, die Spannungen und chromatischen Variationen. Das werden-unmerkliche, die letzte Stufe des Werdens nach Deleuze, geschieht durch diese Auflösung der persönlichen Identität.
Der unzuverlässige Engel, der dem Ausstellungstitel 2023 seinen Namen gibt, fasst Taniguchis Ansatz zusammen. Ein Engel soll Führer und Schutz sein. Ein unzuverlässiger Engel verrät seine Funktion. Doch vielleicht liegt hier seine Wahrheit. Die Engel Taniguchis, verkörpert durch seine verletzten Pferde, seine zerbrechlichen Mädchen, versprechen kein garantiertes Heil. Sie begleiten ohne zu schützen, tragen ohne je zu versichern, dass sie nicht zusammenbrechen werden. Diese bewusste Fragilität steht im Gegensatz zu jeglicher Form von Monumentalismus. Das Werden ist immer prekär, stets von der Reterritorialisierung bedroht.
Eine offensichtliche Erkenntnis drängt sich auf: Wir haben es mit einem Künstler zu tun, dessen Werk eine beträchtliche konzeptuelle Komplexität unter scheinbarer Einfachheit entfaltet. Die Pferde, die Häuser tragen, verkörpern eine tiefe Meditation über unsere zeitgenössische Situation, geprägt von erzwungener Mobilität und der Unmöglichkeit, dauerhaft Wurzeln zu schlagen. Indem er die philosophischen Intuitionen von Deleuze und Guattari zum Werden-Tier mobilisiert, erzeugt Taniguchi Bilder, die mit der Erfahrung einer Generation resonieren, die mit dem Zusammenbruch von Sicherheiten konfrontiert ist und gezwungen ist, neue Formen der Zugehörigkeit zu erfinden.
Der Künstler ist erst fünfunddreißig Jahre alt. Seine Karriere beginnt gerade erst. Die Gefahren, die ihn bedrohen, sind zahlreich: der Akademismus der Wiederholung, der Marktdruck, der immer mehr Pferde und Häuser verlangen wird. Dennoch weist seine Fähigkeit, mit verschiedenen Medien zu experimentieren, sein Wille zur Zusammenarbeit, seine Aufmerksamkeit für alternative Verbreitungswege alles auf einen Künstler hin, der sich der Fallen bewusst ist. Das Werden verlangt ständige Wachsamkeit, eine permanente Anstrengung, der Sedimentation zu widerstehen. Wenn Taniguchi es schafft, diese schwierige Linie zu halten, könnte sein Werk eines der wahrhaftigsten Zeugnisse unserer paradoxen Epoche werden, in der allgemeine Mobilität neben einem schmerzhaften Streben nach Verwurzelung steht. Die Pferde werden weiter voranschreiten, ihre unmöglichen Lasten tragend, sich weigernd, das geringste sichere Ziel zu versprechen, und genau in diesem Fehlen einer Garantie wird ihre Wahrheit liegen.
- Stephen Friedman Gallery, „Horizon That Appears Out of The Sleepy Woods”, Ausstellungskatalog, London, April, Juni 2016.
- Gilles Deleuze und Félix Guattari, „Tausend Plateaus: Kapitalismus und Schizophrenie”, Éditions de Minuit, Paris, 1980.
