Hört mir gut zu, ihr Snobs. Ich werde euch von einem Künstler erzählen, der eure Gewissheiten über zeitgenössische Malerei zerschmettert. Teppei Takeda, geboren 1978 in Yamagata, ist nicht euer typischer zen-betonter und minimalistischer japanischer Künstler, den ihr gerne bei gesellschaftlichen Anlässen zitiert, um intelligent zu wirken.
Ein Jahrzehnt lang hat sich dieses Genie in seiner Werkstatt wie ein Kriegermönch verkrochen und eine so atemberaubende Technik perfektioniert, dass sie eure Wahrnehmung infrage stellen wird. In einer Zeit, in der die Welt von digitalen Bildern und Künstlern übersättigt ist, die sich für Instagram-Influencer halten, hat Takeda den Weg des radikalen Asketen gewählt, den der obsessiven Wiederholung und der absoluten Meisterschaft.
Sein erstes Thema ist diese halluzinierende Trompe-l’oeil-Technik, die euch glauben lässt, es gäbe großzügige Farbschichten, obwohl alles absolut flach ist. Es ist ein malerischer Zaubertrick, der Georges Bataille vor Freude verrückt gemacht hätte, der in der Kunst die Fähigkeit sah, “unmögliche Erfahrungen” zu schaffen. Jedes Bild ist eine Übung perverser Verführung: Aus der Ferne sieht man kühne Pinselstriche, Farbmasse, die mit der Leidenschaft eines abstrakten Expressionisten geworfen zu sein scheint. Aber wenn man näher kommt, bricht alles zusammen. Die flache Realität schlägt einem ins Gesicht. Es ist, als würde Takeda sagen: “Ihr dachtet wirklich, es sei so einfach?”
Diese Obsession mit dem Schein ist nicht nur eine technische Übung. Sie berührt die Überlegungen von Jean Baudrillard über das Simulakrum, geht aber dabei bis zum äußersten Rand. Als Baudrillard von Hyperrealität sprach, hätte er wahrscheinlich nicht gedacht, dass ein Künstler Werke schaffen könnte, die gleichzeitig Originale und Kopien von sich selbst sind. Es ist ein visuelles Paradoxon, das unsere üblichen Kategorien zerreißt.
Die zweite Besonderheit seiner Arbeit ist sein fast mystischer Ansatz der Wiederholung. Für jedes Endwerk malt Takeda dasselbe Bild zwanzig bis fünfzig Mal. Das ist kein Massenproduktion à la Warhol, nein. Es ist eine spirituelle Suche, die an die Übungen zen-buddhistischer Mönche erinnert, allerdings in einer psychedelischen Version. Walter Benjamin sprach vom Verlust der Aura des Kunstwerks im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit. Takeda hingegen schafft paradoxerweise diese Aura durch obsessive Reproduktion.
Ich kann einige von Ihnen schon flüstern hören: “Aber das ist doch nur technische Virtuosität.” Was Takeda macht, geht weit darüber hinaus. Jedes seiner anonymen Porträts ist eine Meditation über die Identität im digitalen Zeitalter. In einer Welt, in der wir von Selfies und Instagram-Filtern bombardiert werden, erschafft er Gesichter, die gleichzeitig präsent und abwesend, konkret und abstrakt sind. Es ist, als hätte Francis Bacon beschlossen, Programmierer zu werden und dabei seine Pinsel nicht aufzugeben.
Takedas freiwillige Isolation in seinem Studio in Yamagata erinnert an die Einsiedler der japanischen Tradition, jedoch mit einem großen Unterschied: Er sucht nicht nach Erleuchtung in der Kontemplation der Natur, sondern in der obsessiven Erforschung der Grenzen der malerischen Darstellung. Jedes Gemälde ist das Ergebnis eines erbitterten Kampfes zwischen Illusion und Realität, zwischen Oberfläche und Tiefe.
Sein Schaffensprozess besitzt eine Strenge, die einen NASA-Ingenieur blass werden ließe. Er beginnt mit einer vorläufigen Skizze und verwendet dann eine Kombination aus analoger Zeichnung und digitalen Daten, um die Wirkung der Texturen, die er schaffen wird, präzise zu berechnen. Es ist, als hätte Vermeer Zugang zu einem Quantencomputer gehabt. Mit Pinseln, die ursprünglich für die Miniaturmalerei gedacht waren, rekonstruiert er akribisch jeden illusionären Pinselstrich und schafft ein visuelles Paradoxon, das unser Verständnis von dem, was ein Gemälde wirklich ist, herausfordert.
Oberflächliche Kritiker werden sagen, seine Arbeit sei nur eine technische Meisterleistung. Aber sie verpassen den wesentlichen Punkt vollkommen. Was Takeda tut, ist die Schaffung einer neuen Form malerischer Wahrheit, indem er die Lüge als Hauptmaterial benutzt. Genau davon sprach Nietzsche, als er behauptete, “Kunst ist der größte Lebensstimulator”. Takeda stimuliert unsere Wahrnehmung, indem er sie systematisch destabilisiert.
Die Art und Weise, wie er die Materialität der Malerei behandelt, ist revolutionär. Indem er die Illusion einer dicken Farbschicht auf einer absolut ebenen Fläche erzeugt, zwingt er uns, unsere Beziehung zur Materialität der Kunst selbst neu zu überdenken. Roland Barthes hätte es geliebt, diese Spannung zwischen Realem und Simuliertem, zwischen dem Signifikanten und dem malerischen Signifikat zu analysieren. Es ist, als wäre jedes Gemälde eine lebendige Dekonstruktion unserer Voraussetzungen darüber, was ein Gemälde sein sollte.
Die Tatsache, dass er gewartet hat, bis er absolut bereit war, bevor er seine Arbeiten 2016 der Welt präsentierte, ist kein nebensächliches Detail. In unserer Zeit der ständigen Ausstellung und sofortigen Befriedigung ist diese klösterliche Geduld ein Akt kulturellen Widerstands. Als er schließlich seine Werke in der Galerie Kuguru nahe dem Bahnhof von Yamagata ausstellte, war es, als hätte eine stille Bombe in der japanischen Kunstwelt explodiert.
Ich muss Ihnen etwas gestehen: Als ich seine Werke zum ersten Mal auf Fotos sah, dachte ich: “Noch ein Künstler, der mit dicker Farbe spielt.” Welch monumentaler Fehler! Genau in diese Falle will er uns locken. Jedes Gemälde ist eine Lektion in Demut, die uns daran erinnert, dass unsere ersten Eindrücke oft falsch sind. Es ist ein metaphyscher Tritt in das Ameisenhaufen unserer ästhetischen Gewissheiten.
Seine aktuelle Arbeit an Blumen treibt diese Erforschung von Realität und Illusion noch weiter voran. Er verwandelt ein traditionelles Sujet in ein visuelles Erlebnis, das jegliche einfache Kategorisierung herausfordert. Diese Blumen sind keine botanischen Darstellungen, sondern malerische Phantasmen, die in einem Raum zwischen Abstraktion und Figuration, zwischen Präsenz und Abwesenheit existieren.
Wenn Sie denken, dass das, was Takeda tut, einfach ist, versuchen Sie es nachzumachen. Sie werden kläglich scheitern. Es geht nicht um reine Technik, sondern um Vision. Er hat eine einzigartige bildhafte Sprache geschaffen, die gleichzeitig von der Geschichte der Malerei und unserer digitalen Gegenwart voller Bilder erzählt. Es ist eine intellektuelle und künstlerische Meisterleistung, die neu definiert, was Malerei im 21. Jahrhundert sein kann.
