Hört mir gut zu, ihr Snobs. Während wir alle von digitalen Bildern und virtuellen Erlebnissen übersättigt sind, gibt es einen Künstler, der uns hartnäckig zurück zur Auseinandersetzung mit dem Realen führt und es gleichzeitig in etwas zutiefst Traumhaftes verwandelt. Ugo Rondinone, dieser 1964 in Brunnen geborene Schweizer Künstler, hat im Laufe der Jahrzehnte ein Werk entwickelt, das beständig zwischen Authentischem und Künstlichem, Monumentalem und Intimem, ursprünglicher Natur und zeitgenössischer Kultur oszilliert. Seine Arbeit, von außergewöhnlicher Reichtum, lädt uns ein, unsere Beziehung zu Zeit, Raum und Natur in einer sich ständig wandelnden Welt neu zu überdenken.
Als Erbe der deutschen Romantik und ihrer Suche nach dem Absoluten schafft Rondinone Werke, die traditionelle Kategorien der Kunst transzendieren. Monumentale Skulpturen, immersive Installationen, meditative Gemälde, transformierte Fotografien: Jedes Medium wird in seinen Händen zu einem Werkzeug, um die Grenzen unserer Wahrnehmung und unseres Verständnisses der Welt zu erforschen. Diese Vielfalt ist kein Zeichen von Zerstreuung, sondern vielmehr das Ergebnis einer kohärenten Suche, die sich in allen denkbaren Dimensionen künstlerischen Ausdrucks entfaltet.
Die Zeitlichkeit steht im Mittelpunkt seines Werks, wie seine berühmten, auf Deutsch datierten runden Gemälde zeigen, zum Beispiel “siebteraprilneunzehnhundertzweiundneunzig” (1992). Diese hypnotischen Gemälde mit bunten konzentrischen Kreisen sind keine einfachen formalen Übungen; sie verkörpern eine tiefe Reflexion über die Zyklizität der Zeit und entsprechen der Philosophie von Henri Bergson über die reine Dauer. Für Bergson ist die gelebte Zeit keine lineare Abfolge von Momenten, sondern eine wechselseitige Durchdringung von Vergangenheit und Gegenwart. Rondinones Werke veranschaulichen dieses Konzept: Jeder Kreis verschmilzt mit dem nächsten und erzeugt eine unaufhörliche Bewegung, die jeder chronologischen Messung entzieht. Dieser Zeitansatz manifestiert sich auch in seinen Installationen, wo Uhren ohne Zeiger zu Symbolen einer aufgehobenen Zeitlichkeit werden, befreit von den Zwängen mechanischer Messung.
Diese Erforschung der Zeit findet eine natürliche Fortsetzung in seiner Serie “landscapes”, diesen großen Landschaften mit schwarzer Tinte, die das Fundament seines Schaffens bilden. Begonnen 1989, drücken sie eine romantische Sicht auf die Natur aus, aber eine Sicht, die nicht einfach nostalgisch ist. Diese Landschaften bestehen aus Fragmenten von Erinnerungen und Beobachtungen, die zusammengesetzt werden, um mentale Räume zu schaffen und keine getreuen Darstellungen. Dieser Ansatz erinnert an Friedrich Schellings Vorstellung von Kunst als Vermittlung zwischen Natur und Geist. Für Schelling soll der Künstler nicht nur die Natur imitieren, sondern den Geist enthüllen, der sie belebt. Rondinones Landschaften tun genau das: Sie sind offene Fenster, nicht zur Außenwelt, sondern zur Innerlichkeit unserer Naturerfahrung, zu jener geheimnisvollen Zone, in der Wahrnehmung und Vorstellungskraft sich begegnen und gegenseitig verwandeln.
Der Künstler führt diese Reflexion mit seinen monumentalen Installationen wie “Seven Magic Mountains” (2016-2023) im Nevada-Wüstengebiet noch weiter. Dieses spektakuläre Werk, bestehend aus sieben Totems aus Felsen, die in fluoreszierenden Farben bemalt sind, veranschaulicht perfekt die Spannung zwischen Natur und Künstlichkeit, die sein Schaffen prägt. Die Steine, Naturmaterialien par excellence, werden durch die Anwendung synthetischer leuchtender Farben transformiert. Diese Intervention ist kein bloßer dekorativer Akt; sie ist Teil einer tiefgehenden Reflexion über unser zeitgenössisches Verhältnis zur Natur. Die Vertikalität der Totems schafft einen eindrucksvollen Dialog mit der Horizontalität der Wüste, während ihre lebhaften Farben im Kontrast zu den Ocker- und Grautönen der umgebenden Landschaft stehen. Dieses monumentale Werk wird so zu einer Meditation über den Platz des Menschen in der Natur, über unser paradoxes Verlangen, uns von ihr abzusetzen und zugleich Teil von ihr sein zu wollen.
Diese farbigen Totems erinnern an die Theorien von Maurice Merleau-Ponty zur Wahrnehmung und Verkörperung. Für den französischen Philosophen wird unsere Welterfahrung stets durch unseren Körper und unsere Kultur vermittelt. Rondinones Skulpturen verkörpern diese Vermittlung: Sie sind tief in der geologischen Realität der Wüste verankert und zugleich radikal durch menschliche Eingriffe transformiert. Diese Dualität erzeugt eine produktive Spannung, die uns zwingt, unsere Beziehung zur natürlichen Umwelt neu zu denken. Die künstlichen Farben, die auf die Felsen aufgetragen sind, verbergen nicht ihre mineralische Natur; vielmehr betonen sie diese, indem sie einen Kontrast schaffen, der deren Materialität noch bewusster in unserem Bewusstsein macht.
Die zeitliche Dimension dieser Installationen ist ebenfalls interessant. Im Gegensatz zu den Land-Art-Werken der 1960er und 1970er Jahre, die oft darauf abzielten, sich harmonisch in die Landschaft einzufügen, betonen Rondinones Skulpturen ihre Künstlichkeit. Sie schaffen einen auffälligen Kontrast zu ihrer Umgebung, um die Vergänglichkeit des menschlichen Eingriffs gegenüber der relativen Beständigkeit geologischer Formationen zu unterstreichen. Dieser Ansatz zeigt ein scharfes Bewusstsein für das Anthropozän, jene geologische Epoche, in in der menschliche Aktivität zu einer bedeutenden Kraft der Transformation des Planeten geworden ist. Die Totems von Rondinone können somit als Marker unserer Zeit gelesen werden, als Denkmäler, die unsere Fähigkeit bezeugen, die Natur zu verändern, während wir doch von ihr abhängig bleiben.
In einem intimeren, aber nicht weniger bedeutenden Bereich erforscht seine Serie “”Nonnen + Mönche”” (2020) die Beziehung zwischen Spiritualität und Materialität. Diese monumentalen Skulpturen aus bemaltem Bronze, inspiriert von mittelalterlichen Statuen, verbinden die Ernsthaftigkeit ihres Themas mit einer Palette lebhafter Farben, die scheinbar ihrer Feierlichkeit trotzen. Diese Spannung zwischen Heiligem und Profanem, zwischen Tradition und Zeitgenossenschaft, offenbart den Einfluss von Walter Benjamins Denken über den Verlust der Aura in der modernen Kunst. Doch statt diesen Verlust zu beklagen, verwandelt Rondinone ihn in eine Quelle neuer ästhetischer Möglichkeiten. Die Mönche und Nonnen, traditionelle Figuren spiritueller Kontemplation, werden unter seinem Blick zu Präsenzen, die sowohl uralt als auch entschieden zeitgenössisch sind, Brücken zwischen verschiedenen Dimensionen menschlicher Erfahrung.
Der Künstler beschränkt sich nicht darauf, diese konzeptuellen Spannungen zu erforschen; er verkörpert sie in der Materialität seiner Werke selbst. Seine Verwendung von Bronze, dem traditionellen Werkstoff schlechthin, den er mit künstlichen Farben überzieht, veranschaulicht diesen Ansatz. Ebenso hinterfragen seine lebensgroßen Clowns, vertraute und zugleich beunruhigende Figuren, unser Verhältnis zu Authentizität und Repräsentation. Diese Werke erinnern an Roland Barthes’ Überlegungen zum Theater und zur Maske: Der Clown, archetypische Figur der Unterhaltung, wird bei Rondinone zum Symbol der zeitgenössischen Melancholie. Diese Figuren, eingefroren in alltäglichen Posen, erzeugen ein Gefühl der Fremdheit, das uns zwingt, unsere eigenen sozialen Rollen und täglichen Masken zu hinterfragen.
Das Licht spielt ebenfalls eine bedeutende Rolle in seinem Werk, wie seine berühmten Neon-Regenbögen zeigen. Diese Leuchinstallationen, die oft einfache, aber eindringliche Botschaften tragen, verwandeln gefundene Sätze in visuelle Poesie. Diese Verwendung von künstlichem Licht zur Erzeugung stilisierter Naturphänomene illustriert perfekt seine Fähigkeit, das Banale in das Außergewöhnliche zu verwandeln. Diese Werke erinnern an Gaston Bachelards Überlegungen zur Poetik des Raumes und zur Tagträumerei: Sie schaffen leuchtende Brücken zwischen der physischen Welt und dem Imaginären, zwischen der Materialität des Neons und der Immaterialität des Lichts, zwischen der wörtlichen Botschaft und ihrer poetischen Verwandlung.
Eine der Stärken von Rondinone ist, dass er Werke schafft, die auf mehreren Ebenen gleichzeitig funktionieren. Nehmen wir zum Beispiel seine Skulpturen von in Weiß bemaltem Aluminium geformten Olivenbäumen. Diese Bäume, nach tausendjährigen Exemplaren aus der Region Matera in Italien gefertigt, sind zugleich historische Dokumente, Meditationen über die Zeit und eigenständige ästhetische Objekte. Ihre makellose Weißheit verwandelt sie in pflanzliche Geister und schafft eine gespenstische Präsenz, die uns an die Zerbrechlichkeit unserer Beziehung zur natürlichen Welt erinnert. Diese Bäume, eingefroren in einer metallischen Ewigkeit, tragen die Erinnerung an die Jahrhunderte, die sie durchlaufen haben, in sich und verkörpern zugleich eine Form zeitloser Präsenz.
Diese spektrale Dimension ist besonders relevant in unserer Zeit der ökologischen Dringlichkeit. Rondinones Werke zwingen uns im ständigen Dialog zwischen Natur und Künstlichkeit dazu, uns unserer eigenen Entfremdung gegenüber der natürlichen Welt zu stellen. Doch anstatt einen moralisierenden Ton einzuschlagen, wählt der Künstler den Weg der Poesie und der Transformation. Seine Eingriffe versuchen nicht, ihre Künstlichkeit zu verbergen; im Gegenteil, sie bekennen sich dazu als wesentlichen Bestandteil unserer zeitgenössischen Erfahrung der Natur. Diese paradoxe Ehrlichkeit schafft einen Reflexionsraum, in dem wir unsere eigene Beziehung zur natürlichen Welt hinterfragen können, ohne uns in der Illusion einer verlorenen Authentizität zu verlieren.
Die performative Dimension seiner Arbeit ist ebenfalls besonders interessant. Seine Installationen sind nicht nur Objekte der Betrachtung; sie schaffen Erfahrungsräume, die unsere Wahrnehmung von Zeit und Raum transformieren. Sei es durch seine melancholischen Clowns, die in alltäglichen Posen eingefroren sind, oder durch seine bunten Totems in der Wüste, diese Werke laden zu einer kontemplativen Form der Beteiligung ein, die an John Deweys Theorien über Kunst als Erfahrung erinnert. Der Betrachter ist kein bloßer Beobachter, sondern ein aktiver Teilnehmer an der Sinnkonstruktion des Werks, wobei Körper und Bewusstsein in eine dynamische Beziehung mit den Installationen treten.
Die Größe spielt bei dieser Erfahrung eine entscheidende Rolle. Rondinone beherrscht sowohl das Monumentale als auch das Intime und schafft Werke, die uns körperlich übersteigen und zugleich emotional berühren. Diese Fähigkeit, mit Maßstäben zu spielen, ist nicht nur eine technische Meisterleistung; sie ist Teil einer größeren Strategie, unsere Wahrheitsgewissheiten zu destabilisieren. Durch den Wechsel zwischen Gigantischem und Winzigem, zwischen Spektakulärem und Subtilem zwingt uns der Künstler, unsere Position in der Welt neu zu überdenken. Diese Hinterfragung unserer gewohnten Wahrnehmungsskala erzeugt ein kontemplatives Schwindelgefühl, das neue Möglichkeiten des Verstehens und Erlebens eröffnet.
Die Farbe ist ein weiteres fundamentales Element seines künstlerischen Vokabulars. Seine Verwendung fluoreszierender Farbtöne auf natürlichen Materialien erzeugt einen visuellen Schock, der uns zwingt, vertraute Objekte anders zu betrachten. Dieser Ansatz erinnert an die Theorien von Josef Albers über die Interaktion von Farben, jedoch in eine radikal zeitgenössische Richtung geführt. Rondinones Farben suchen nicht die Harmonie; vielmehr zielen sie darauf ab, eine produktive Spannung zwischen Natürlich und Künstlich, zwischen Gegebenem und Konstruiertem zu schaffen. Diese Nutzung der Farbe als Störungselement und Transformationskraft ist Teil seiner umfassenderen Strategie zur Destabilisierung unserer Wahrnehmungsgewohnheiten.
Durch diese unterschiedlichen Strategien entwickelt Rondinone ein Werk, das sich einer einfachen Kategorisierung widersetzt. Er ist weder ein traditioneller Land-Art-Künstler, noch ein klassischer Bildhauer, noch ein konventioneller Maler. Seine Arbeit bewegt sich in den Zwischenräumen dieser Kategorien und schafft unerwartete Brücken zwischen verschiedenen künstlerischen Traditionen. Diese Zwischenposition ermöglicht es ihm, grundlegende Fragen zu unserer Beziehung zur Zeit, zur Natur und zu uns selbst zu erkunden, und zwar ohne in die Fallen von Dogmatismus oder übermäßiger Vereinfachung zu tappen.
Ugo Rondinones Werk stellt einen bedeutenden Beitrag zur zeitgenössischen Kunst dar, nicht nur durch sein Ausmaß und seine Vielfalt, sondern vor allem durch seine Fähigkeit, unsere Wahrnehmung der Welt zu erneuern. Durch seine subtilen oder spektakulären Interventionen lädt er uns zu einer aktiven Meditation über unseren Platz in einer sich ständig wandelnden Welt ein. Seine Kunst erinnert uns daran, dass die Grenze zwischen natürlich und künstlich, zwischen authentisch und hergestellt, vielleicht weniger klar ist, als wir denken, und dass gerade in diesem Raum der Unsicherheit die Möglichkeit einer erneuerten ästhetischen Erfahrung liegt. Während traditionelle Orientierungspunkte heutzutage verschwinden, bietet uns sein Werk neue Ankerpunkte, nicht in festen Gewissheiten, sondern in einem scharfen Bewusstsein für die Komplexität und den Reichtum unserer Erfahrung der Realität.
