Hört mir gut zu, ihr Snobs, Vaughn Spann (geboren 1992 in Orlando, Florida) gehört zu jenen Künstlern, die uns erneut daran glauben lassen, dass zeitgenössische Kunst lebendig ist. In einer Kunstwelt, die von hohlen Posen und nichtssagenden Konzepten übersättigt ist, taucht er auf wie eine Tellurische Kraft, die unsere wohlgefestigten Gewissheiten erschüttert. Wenn ihr denkt, ich würde euch eine weitere lauwarme und konsensorientierte Analyse liefern, liegt ihr völlig falsch.
Ausgebildet an der Yale Universität, genau jener Institution, die ihr so sehr verehrt, hätte Spann leicht in die Falle der disziplinierten akademischen Kunst tappen können. Stattdessen wählte er es, Konventionen zu sprengen, und schuf ein Werk, das die Grenzen zwischen Abstraktion und Figuration zum Explodieren bringt. Seine Gemälde hängen heute in den Galerien des Brooklyn Museum, des Hirshhorn und des LACMA, nicht weil er das System spielt, sondern weil er die Regeln neu erfunden hat.
In seinem Atelier in Newark, fernab vom Blitzlichtgewitter von Chelsea, inszeniert Spann eine malerische Revolution, die eure gutmeinenden künstlerischen Theorien erzittern lassen würde. Kommt hier nicht auf der Suche nach intellektuellem Komfort durch vorgefertigte Erklärungen. Wie Walter Benjamin schrieb, liegt die Authentizität eines Werkes im “Hier und Jetzt des Originals”. Spann treibt diese Idee bis an ihre extremsten Grenzen und schafft Werke, die nicht nur die fotografische Reproduktion, sondern auch unsere tief verwurzelten Wahrnehmungsgewohnheiten herausfordern.
Seine Serie “Marked Men”, reden wir darüber, denn hier entfaltet sich sein Genie mit größter Kraft. Das X, das diese Kompositionen dominiert, ist kein bloßes formales Kunstmittel. Es entspringt einer tiefen, körperlichen Erfahrung: der eines jungen schwarzen Mannes, der von der Polizei gegen eine Wand gedrückt wird, Arme und Beine spreizt in Form eines X. Dieser traumatische Moment hätte nur eine weitere biografische Anekdote im großen Buch der amerikanischen Ungerechtigkeiten sein können. Doch Spann macht ihn zum Ausgangspunkt einer formalen Erkundung von seltener Kraft.
Auf oft über 2 Meter großen Leinwänden werden diese monumentalen X zu Toren in eine Dimension, in der Abstraktion und politisches Engagement verschmelzen. Die tiefen Blautöne stoßen auf funkelnde Rottöne und erschaffen Kraftfelder, die an Maurice Merleau-Pontys Theorien über die Phänomenologie der Wahrnehmung erinnern. Der Raum ist kein bloßer Behälter mehr, er wird zum Schlachtfeld, auf dem Farben und Texturen aufeinandertreffen.
Die Technik ist makellos, doch das ist es nicht, was diese Werke so bedeutend macht. Es ist ihre Fähigkeit, ein Symbol der Unterdrückung in einen Akt ästhetischen Widerstands zu verwandeln. Wie Jacques Rancière sagen würde, ist es die “Verteilung des Sinnlichen”, die auf der Leinwand sichtbar wird. Jedes X ist eine Erklärung, eine Präsenzbehauptung, die sich weigert, auf eine bloße Protestform reduziert zu werden.
Aber Spann geht noch weiter. Seine Serie “Rainbow” stellt vielleicht seinen mutigsten Beitrag zur Geschichte der zeitgenössischen Kunst dar. Mit in die Leinwand gewebten, mit Farbe getränkten Frotteehandtüchern, ja, ihr habt richtig gehört, Frotteehandtücher, schafft er Werke von verblüffender texturaler Komplexität. Das erste Bild dieser Serie war eine Hommage an Trayvon Martin, der mit einer Packung Skittles in der Tasche ermordet wurde. Indem er Schwarz bewusst in das Farbspektrum des Regenbogens integriert, macht Spann nicht einfach politische Kunst, er schreibt buchstäblich unser Verständnis des Farbspektrums neu.
Diese Regenbögen sind keine fröhlichen Symbole unternehmensfreundlicher Inklusivität. Sie sind mit einer Schwere geladen, die an Theodor Adornos Überlegungen zur Kunst als bestimmter Negation des Empirischen erinnert. Die Textur der Werke selbst, diese mit Farbe getränkten, verdrehten, gewobenen und geklebten Handtücher, schafft eine emotionale Topografie, die jeder Reproduktion widersteht. Man muss sie persönlich sehen, ihre physische Präsenz spüren, um zu verstehen, wie Spann das Material manipuliert, um Bedeutung zu schaffen.
Die pastosen Farben, die übereinanderliegenden Schichten, die Spuren seiner Hände und Unterarme in der Farbe sind keine bloßen Stilmittel. Sie schaffen, was Deleuze und Guattari als “Einschreibungsflächen” bezeichnen würden, Territorien, auf denen ein ständiger Kampf zwischen Ordnung und Chaos stattfindet. Jedes Bild wird zu einem Kraftfeld, in dem die Materialität der Farbe bis an ihre Grenzen ausgelotet wird.
Parallel zu diesen abstrakten Erkundungen liefert uns Spann eine Reihe surrealistischer Doppelkpfe-Porträts, die zugleich Meditationen über Identität und Überwachung sind. Diese doppelte Figuren, bekleidet mit leuchtenden Farben, die scheinbar der chromatischen Schwerkraft trotzen, sind keine bloßen Stilübungen. Sie verkörpern das, was Frantz Fanon als die “doppelte Bewusstheit” der schwarzen Erfahrung bezeichnete. Doch Spann geht weiter: Er begnügt sich nicht damit, diese Theorien zu illustrieren, sondern erfindet sie in einer ihm eigenen malerischen Sprache neu.
Die technische Virtuosität ist in jedem Werk offensichtlich, doch sie ist niemals umsonst. Spann verwendet die banalsten Materialien, Frottierhandtücher, Hausfarbe, Leinwand in rohem Zustand, um Werke von selten seltener intellektueller und emotionaler Raffinesse zu schaffen. Wie Roland Barthes gesagt hätte, schafft er einen neuen “Grad Null” der Malerei, in dem das Medium selbst zur Botschaft wird.
Die Kritiker, die ihn auf seine Einflüsse zu reduzieren suchen, verfehlen das Thema völlig. Ja, man kann Echos von Stanley Whitney in seiner Verwendung des Rasters erkennen. Ja, es gibt Resonanzen mit Brice Marden in seinen lyrischen Kompositionen. Und was dann? Spann kopiert nicht, er führt einen Dialog. Jede Referenz wird verdaut, transformiert, neu erfunden, bis sie unkenntlich wird. Das ist, was Susan Sontag den “Willen zum Stil” nannte, nicht nur eine einfache visuelle Signatur, sondern eine einzigartige Art, in der Welt zu sein.
Sein hartnäckiger Widerstand, sich auf einen einzigen Stil festzulegen, ist kein Künstlerkapriole oder Marketingstrategie. Es ist eine philosophische Position, eine Unabhängigkeitserklärung gegenüber den Diktaten eines Kunstmarktes, der möchte, dass jeder Künstler sofort erkennbar und somit verkäuflich ist. Spann erinnert uns daran, dass Kunst kein Produkt ist, sondern ein Prozess des Denkens in Aktion.
Die Schnelligkeit seines Aufstiegs in der Kunstwelt, von Yale über die Almine Rech Galerie bis zum Rubell Museum, könnte einen instantanen Erfolg oder eines dieser Mod Phänomene vermuten lassen, die die Kunstwelt liebt. Lassen Sie sich nicht täuschen. Jeder Pinselstrich, jede ästhetische Entscheidung ist das Ergebnis einer tiefgehenden Reflexion darüber, was es bedeutet, ein schwarzer Künstler im zeitgenössischen Amerika zu sein. Wie Stuart Hall schrieb, ist Identität keine Essenz, sondern eine Position. Spann nimmt seine mit einer Sicherheit ein, die Respekt erzwingt.
In seinen neuesten Abstraktionen, ausgestellt in der Almine Rech Galerie, dominieren die Blautöne mit einer Intensität, die an Mallarmés “L’Azur” erinnert. Aber wo der Dichter im Blau ein unerreichbares Ideal sah, macht Spann daraus einen Raum der konkreten Möglichkeiten. Seine Gemälde sind keine Fenster ins Unendliche, sondern offene Türen zu einer Zukunft, die gestaltet werden muss. Die Art und Weise, wie er industrielle Farbe neben edleren Pigmenten verwendet, ist nicht nur eine Frage der Ökonomie, sondern eine politische Erklärung: Es gibt keine Hierarchie der Materialien, nur expressive Entscheidungen.
Die Art, wie er die Oberfläche seiner Leinwände bearbeitet, oft auf dem Boden liegend, wie Pollock, aber mit einer sehr anderen Intention, erzeugt eine faszinierende Spannung zwischen Kontrolle und Aufgabe. Die daraus resultierenden Texturen sind von fast tastbarer Reichhaltigkeit und laden den Betrachter zu einer Erfahrung ein, die über den bloßen Blick hinausgeht. Das ist, was Maurice Merleau-Ponty als “Fleisch der Welt” bezeichnete: jene Schnittstelle zwischen Sichtbarem und Greifbarem, an der unser Verhältnis zum Realen verhandelt wird.
Seine jüngsten Werke, die im Tampa Museum of Art im Rahmen der Ausstellung “Allegorien” gezeigt werden, zeigen eine faszinierende Entwicklung seines visuellen Vokabulars. Die X sind nicht mehr nur Symbole des Protests, sie werden zu Portalen in andere bildnerische Dimensionen. Das Raster, dieses traditionelle Struktur-Element der modernen Kunst, wird unterwandert und neu erfunden. Wie Rosalind Krauss schrieb, ist das Raster paradox centripetal und zentrifugal zugleich. Spann spielt mit dieser Spannung mit einer Meisterschaft, die verblüfft.
Die Tatsache, dass seine Werke jetzt von den größten Institutionen gesammelt werden, ist kein Zufall. Spann ist es gelungen, eine visuelle Sprache zu schaffen, die gleichzeitig vom Intimen und vom Politischen, vom Persönlichen und vom Universellen spricht. Seine Gemälde sind keine Illustrationen kritischer Theorien, sie sind selbst theoretische Vorschläge, Interventionen in die Debatte darüber, was Kunst heute sein kann.
Die Art und Weise, wie er zwischen Abstraktion und Figuration wechselt, ist keine stilistische Unentschlossenheit, sondern eine bewusste Strategie, um verschiedene Wege zu erkunden, Wahrheit in der Malerei zu sagen. Wie John Berger schrieb, “Sehen kommt vor den Worten”. Spann zeigt uns, dass es Wahrheiten gibt, die nur durch Abstraktion ausgesagt werden können, und andere, die Figuration verlangen.
Sein Einsatz von Alltagsmaterialien, Handtücher, Industrielack, ist nicht nur eine Frage der Mittelökonomie. Es ist eine Erklärung zur Demokratisierung der Kunst, eine Ablehnung der traditionellen Hierarchien zwischen edlen und gewöhnlichen Materialien. Damit reiht er sich in eine lange Tradition von Künstlern ein, die, von Kurt Schwitters bis David Hammons, das Gewöhnliche zum Material des Außergewöhnlichen gemacht haben.
In seiner Serie “Dalmatian” treibt er die Reflexion über die Symbole des amerikanischen Traums noch weiter. Diese abstrakten schwarz-weißen Gemälde sind keine bloßen formalen Übungen. Sie entstehen aus seiner Kindheitserfahrung in den urbanen Vierteln von New Jersey, wo aggressive Wachhunde nichts mit den sympathischen Dalmatinern aus Hollywood-Filmen zu tun hatten. Es ist eine anspruchsvolle Meditation über die nicht eingelösten Versprechen des American Dream, übersetzt in eine visuelle Sprache von seltener Kraft.
Kritiker, die ihn in die Kategorie der “politischen Künstler” einsortieren wollen, verfehlen das Wesentliche. Ja, seine Arbeit ist tief in der zeitgenössischen afroamerikanischen Erfahrung verwurzelt. Aber er überschreitet ständig diese Kategorien, um etwas Neues zu schaffen. Wie Edward Said schrieb, kann Marginalität eine Quelle außerordentlicher Kreativität sein. Spann ist der lebende Beweis dafür.
Seine Gemälde sind keine statischen Objekte, sondern Kraftfelder, Räume, in denen verschiedene Sicht- und Denkweisen aufeinandertreffen und sich versöhnen. Wie Gilles Deleuze schrieb, reproduziert Kunst das Sichtbare nicht, sie macht sichtbar. Spann macht nicht nur die Spannungen unserer Zeit sichtbar, sondern auch ihre Möglichkeiten der Transformation.
Vaughn Spann hat bereits das erreicht, wofür viele Künstler ein Leben lang brauchen: eine authentisch neue visuelle Sprache zu schaffen. Seine Werke sind keine Kommentare zu unserer Zeit, sie sind unsere Zeit, übersetzt in Formen und Farben. Und wenn Sie das nicht verstehen, ist zeitgenössische Kunst vielleicht nichts für Sie.
