Hört mir gut zu, ihr Snobs, während ich euch von Wynnie Mynerva erzähle, geboren 1992 in Villa El Salvador, am Rande von Lima. Wenn ihr denkt, ihr habt in der zeitgenössischen Kunst schon alles gesehen, täuscht ihr euch. Hier haben wir eine Künstlerin, die sich nicht damit begnügt, schöne Bilder zu malen, um eure sterilen Salons zu schmücken.
Während die Grenzüberschreitung zu einer Ware wie jeder anderen geworden ist, gelingt es Mynerva, uns wirklich aufzurütteln. Nicht mit billigen Provokationen, sondern mit einem tief verwurzelten Ansatz, der in ihren persönlichen Erfahrungen wurzelt, den systemischen Gewalttaten, die sie erlitten hat, in ihrem Aufbegehren gegen Geschlechternormen und patriarchale Strukturen. Wie Simone de Beauvoir in “Das andere Geschlecht” schrieb: “Man wird nicht als Frau geboren, man wird dazu gemacht.” Mynerva geht noch weiter und zeigt, dass man diese soziale Konstruktion auch auflösen und zerschmettern kann, in tausend Stücke auf ihren monumentalen Gemälden.
Nehmen wir ihre Ausstellung “The Original Riot” im New Museum 2023. Ein Fresko von über 21 Metern Länge, das größte, das je in dieser Institution gezeigt wurde, das den biblischen Mythos von Eva und Lilith neu erzählt. Aber Vorsicht, das ist keine bloße feministische Umdeutung, um den Gender-Theoretikern zu gefallen. Nein, Mynerva treibt die Performance so weit, dass sie sich chirurgisch eine Rippe entfernen lässt, die sogenannte “Adamsrippe”, um sie in das Werk einzubringen. Das verleiht dem Ausdruck “seinen Körper für die Kunst einsetzen” eine ganz neue Bedeutung. Susan Sontag hatte uns in “Gegen die Interpretation” gewarnt, dass Kunst zunächst eine sinnliche Erfahrung sein muss, bevor sie ein intellektuelles Unterfangen wird. Mynerva hat das verstanden; sie macht ihren Körper sowohl zum Thema als auch zum Medium ihres Werks.
Das erste Merkmal ihrer Arbeit liegt in ihrer einzigartigen Herangehensweise an Körperlichkeit. Ihre Gemälde stellen nicht einfach Körper dar, sie sind Körper. Fleischmassen, die über den Rahmen hinausragen, Organe, die auf der Leinwand zu pulsieren scheinen, Gliedmaßen, die sich verflechten und neue Kreaturen bilden. Es ist, als würde Francis Bacon auf die Metamorphosen von Ovid treffen, jedoch mit einer explosiven politischen Dimension. Judith Butler formulierte in “Körper, die zählen” die Performativität von Geschlecht. Mynerva geht darüber hinaus und erschafft eine malerische Performativität, bei der die Leinwand selbst zu einem Körper im Übergang wird, einem Raum ständiger Metamorphose.
In der Fondazione Memmo in Rom, 2024, bietet sie uns mit “Presagio” eine berührende Meditation über chronische Krankheit. Die vier monumentalen Deckengemälde “Casiopea”, “Andromeda”, “Hydra” und “Berenice”, jeweils 330 mal 340 Zentimeter groß, transzendieren individuelles Leiden und erreichen eine kosmische Dimension. Indem sie das antike Konzept der Melothesie adaptiert, das Körperteile mit Sternbildern verbindet, verwandelt sie ihre Verwundbarkeit in schöpferische Kraft. Genau das meinte Georges Canguilhem in “Das Normale und das Pathologische”, wenn er sagte, dass Krankheit nicht einfach eine Abweichung von der Norm ist, sondern eine andere Art, in der Welt zu sein.
Das zweite Merkmal ihres Werks ist ihre Fähigkeit, die Codes der klassischen Malerei zu unterwandern und sie dabei perfekt zu beherrschen. Ausgebildet an der École Nationale Supérieure Autonome des Beaux-Arts du Pérou kennt sie die alten Meister bis ins kleinste Detail. Aber anstatt sie blind zu verehren, “kannibalisiert” sie sie, verdaut sie und verwandelt sie. Ihre Serie “Violated Bliss” (2022) steht im Dialog mit Rubens’ “Massaker der Unschuldigen” und kehrt gleichzeitig dessen patriarchale Perspektive um. Die Körper, die sie malt, sind keine passiven Objekte männlichen Blicks mehr, wie es Laura Mulvey in “Visual Pleasure and Narrative Cinema” so gut analysiert hat. Nein, sie sind aktive, begehrende, manchmal gewalttätige Subjekte.
In ihrer Ausstellung “My Weaponised Body” in der Galerie Gathering in London 2024 treibt Mynerva diese Reflexion über den Körper als Ort des politischen Widerstands noch weiter. Nach ihrer HIV-Diagnose verwandelt sie das, was als Stigmatisierung erlebt werden könnte, in eine kraftvolle Selbstbehauptung. Diese neuen Werke auf ungespanntem rohem Leinen, manchmal dicht bevölkert mit organischen Formen, manchmal fast leer gelassen, rufen eine abgeschälte Haut hervor. Unsere Körper tragen die Spuren der Freuden und Leiden, die wir erlebt haben, der Kämpfe, die wir geführt haben. Mynerva macht diese körperliche Einschreibung zum eigentlichen Motor ihrer Schöpfung.
Die Art und Weise, wie sie das malerische Material behandelt, ist revolutionär. Die Pigmente scheinen auf der Leinwand zu bluten und schaffen Bereiche variabler Dichte, die an organisches Gewebe unter dem Mikroskop erinnern. In “Transmutacion” (2024) formen violette und braune Pinselstriche eine muskulöse Wade oder einen weichen Bauch, bevor sie sich in formloses Zinn-Grau auflösen. Dies erinnert an Julia Kristevas Theorien über das Abjekt, aber Mynerva geht über reine Provokation hinaus und schafft eine neue visuelle Grammatik des kranken Körpers.
Die skulpturale Installation “Hueso” (2024), eine Wirbelsäule aus Harz, Glasfaser und Polyurethan, die sich über zwei Etagen der Galerie schlängelt, steht im Dialog mit den Leinwänden wie ein Skelett mit seinem Fleisch. Dieses Werk verweist auf Michel Foucaults Überlegungen zum Körper als Ort der Machteinschreibung, zugleich aber auch als potenziellen Ort des Widerstands. Für Mynerva ist der HIV-positive Körper kein besiegter Körper, sondern ein Körper, der sich weigert, den sozialen Geboten von Scham und Schweigen zu gehorchen.
Ihre Bezüge zu Lilith, der ersten Frau Adams, die aus dem Garten Eden verstoßen wurde, weil sie sich sexueller Unterwerfung widersetzte, erhalten hier eine neue Dimension. In der abrahamitischen Tradition wird Lilith dämonisiert, sexualisiert und fetischisiert, genau wie heute Körper, die sich nicht heterosexuellen Normen fügen. Doch Mynerva macht sie zu einem Symbol des Widerstands, zu einer Schutzfigur für alle marginalisierten Körper.
Was an Mynerva faszinierend ist, ist, dass sie in ihren Werken ein zerbrechliches Gleichgewicht zwischen Schönheit und Gewalt, zwischen Verführung und Abstoßung hält. Ihre Werke sind wunderschön und zugleich tief verstörend. Sie beherrscht perfekt das, was Roland Barthes als “punctum” bezeichnete, dieses Detail, das das “studium”, das ruhige Lesen des Bildes, stört. Ein lackierter schwarzer Nagel, der aus einer Fleischmasse hervortritt, ein blutverschmiertes Rückenpaar, das aus einem grauen Hintergrund auftaucht, ein kopfloser Torso mit perfekten Brüsten, all dies sind Elemente, die unsere bequeme Wahrnehmung durchlöchern.
Die Kraft ihrer Arbeit liegt auch in ihrer Fähigkeit, traditionelle Dichotomien zu überwinden: Innen/Außen, Männlich/Weiblich, Gesund/Krank. Wie Donna Haraway schreibt, die sie oft zitiert, verwischen Viren durch das Eindringen und Replizieren in Zellen die klare Unterscheidung zwischen dem “inneren” Organismus und dem “äußeren” Agenten. Mynerva tut dasselbe mit ihrer Malerei und schafft Werke, die zugleich Oberflächen und Tiefen, Häute und Eingeweide sind.
Ihre Arbeit mit Glas in der Fondazione Memmo ist besonders aufschlussreich für diesen Ansatz. Die Skulpturen “Tesoros”, die in Zusammenarbeit mit einem venezianischen Glasmachermeister entstanden sind, verwenden den Atem als Medium, eine subtile Erinnerung an den göttlichen Akt des Atems, der im Buch Genesis Leben verleiht. Doch hier schafft dieser Atem mehrdeutige Formen, die weder ganz organisch noch ganz künstlich sind und unsere gewohnten Wahrnehmungskategorien in Frage stellen.
Da ist etwas zutiefst Revolutionäres in der Art und Weise, wie Mynerva chronische Krankheiten angeht. Anstatt sie als pathogene Invasion zu bekämpfen, betrachtet sie sie als ein komplexes Ökosystem, mit dem man lernen muss zu koexistieren. Dieser Ansatz greift die Arbeiten von Paul B. Preciado zur Pharmakopornografie auf, aber Mynerva geht weiter, indem sie eine echte Ästhetik des Zusammenlebens mit dem Virus schafft.
Oberflächliche Kritiker werden sagen, ihre Arbeit sei zu wörtlich, zu körperlich, zu politisch. Aber genau darin liegt ihre Stärke. In einer oft entleibten Kunstwelt erinnert uns Mynerva daran, dass unsere Körper politische Schlachtfelder, Orte des Widerstands und der Transformation sind. Wie Audre Lorde schrieb: “Unsere Schweigen werden uns nicht schützen.” Mynerva bricht diese Schweigen mit explosiver Kraft.
Ihr Gebrauch von Maßstab ist besonders bemerkenswert. Wenn sie diese riesigen Leinwände malt, die ganze Räume einnehmen, versucht sie nicht nur zu beeindrucken. Sie schafft immersive Umgebungen, die den Betrachter zwingen, sich physisch mit dem Werk auseinanderzusetzen. Das ist es, was Maurice Merleau-Ponty “das Fleisch der Welt” nannte, jenes fundamentale Wechselspiel zwischen dem wahrnehmenden Körper und der wahrgenommenen Welt.
Ich sehe in Mynervas Werk das Aufkommen einer neuen Form der Körperkunst, die die traditionellen Geschlechtergrenzen überschreitet. Sie ist nicht einfach eine Künstlerin, die Körper malt oder ihren Körper als Medium nutzt. Sie schafft eine neue visuelle Sprache, die die körperliche Erfahrung in all ihrer politischen und existenziellen Komplexität widerspiegelt. Genau das braucht die zeitgenössische Kunst: weniger postmoderner Zynismus, mehr Fleisch, Blut und Überzeugung.
Also ja, ihr könnt weiter eure sauberen kleinen Leinwände bewundern, die niemanden stören. Aber wisst, dass Wynnie Mynerva in der Zwischenzeit die Malerei neu erfindet, die Grenzen dessen erweitert, was Kunst sagen und tun kann. Und sie tut das mit einer Dringlichkeit und Authentizität, die in der zeitgenössischen Kunstwelt schmerzlich fehlt.
