Hört mir gut zu, ihr Snobs: Mitten im Trubel der zeitgenössischen chinesischen Kunst, wo sich Konzepte drängen und Manifeste sich schneller vermehren als Warhol-Reproduktionen in einem Souvenirladen, taucht ein Mann auf, der die Katastrophe in eine künstlerische Sprache verwandelt hat. Xue Song ist weder ein geschwätziger Theoretiker noch ein Salondegen provocateur. Er ist ein beharrlicher Praktiker der Collage und der Verbrennung, ein Künstler, der seit mehr als dreißig Jahren sein Werk auf den rauchenden Trümmern seines ersten Ateliers aufbaut.
Die Geschichte beginnt gewöhnlich: Ein Feuer zerstört Anfang der 1990er Jahre sein Studio und vernichtet seine Ölgemälde und Kalligraphien. Wo andere das Ende sehen würden, entdeckt Xue Song seinen wahren Anfang. Die verkohlten Fragmente, die verbrannten Papierstücke, die mit Leim vermischte Asche werden zu seinem Ausgangsmaterial. Diese besondere Alchemie der Verwüstung, die in Schöpfung verwandelt wird, macht ihn zu einem der singulärsten Vertreter dessen, was man “politischen chinesischen Pop” nennt, aber noch viel mehr.
Denn Xue Song überschreitet bei weitem die gewöhnlichen Kategorien. Geboren 1965 in der ländlichen Provinz Anhui, ausgebildet 1988 in der Abteilung für Szenografie an der Theaterakademie Shanghai, kommt er genau zu der Zeit in die Metropole, in der sich China für westliche Einflüsse öffnet. Diese Synchronizität ist kein Zufall. Sie verankert seinen Werdegang in einer ständigen Spannung zwischen Tradition und Moderne, zwischen dem tausendjährigen chinesischen Erbe und den Codes der westlichen zeitgenössischen Kunst.
Xue Songs Werk steht in eindrucksvollem Dialog mit der Theaterwelt, nicht oberflächlich, sondern in seiner Konzeption von Raum und Zeit. Wie im Theater funktionieren seine Leinwände durch Überlagerung von Ebenen, durch Spiel mit Masken und Offenbarungen. Die Collagetechnik wird bei ihm zu einer wahren visuellen Dramaturgie, in der jedes Fragment seine Rolle in einer komplexen Inszenierung spielt. Seine Silhouetten von Marilyn Monroe oder Coca-Cola, aufgebaut aus tausenden Stücken traditioneller chinesischer Kalligraphien, erinnern an szenische Transformationen, bei denen eine Figur eine andere verbirgt [1]. Dieser theatralische Ansatz zeigt sich besonders in seiner Serie “Dialogue avec les maîtres”, in der er visuelle Konfrontationen zwischen Picasso und Qi Baishi, zwischen Mondrian und den Song-Landschaftsmalern inszeniert und echte dramatische Bühnen schafft, in denen sich Ästhetiken gegenüberstehen. Der Künstler dirigiert diese unmöglichen Begegnungen mit der Meisterschaft eines Regisseurs, der weiß, wie man Zeitlichkeiten und Stile zusammenbringt. Seine Kompositionen atmen im Rhythmus des Theaters, wechseln zwischen Momenten von Spannung und Auflösung, visuellen Crescendos und kontemplativen Pausen. Diese szenografische Dimension erklärt teilweise die hypnotische Kraft seiner Werke: Sie zeigen nicht nur, sie geben eine Darstellung der Welt in ständigem Wandel wieder.
Der theatralische Einfluss zeigt sich auch in seiner Art, das Bild durch aufeinanderfolgende Schichten aufzubauen, wie Kulissen, die sich übereinanderlegen und nach und nach enthüllen. Jeder Blick auf ein Werk von Xue Song entdeckt neue Details, neue Bedeutungen, ähnlich einem Schauspiel, das sich über die Zeit entfaltet. Diese spezifische Temporalität, die er aus seiner szenografischen Ausbildung erbt, unterscheidet seine Arbeit radikal von den statischeren Ansätzen der westlichen Collage. Wo ein Rauschenberg anhäuft, inszeniert Xue Song. Wo der Erste nebeneinanderstellt, komponiert der Zweite eine visuelle Symphonie mit zahlreichen Bewegungen.
Doch mit der Architektur offenbart seine Arbeit ihre tiefsten und verstörendsten Dimensionen. Xue Song baut seine Werke buchstäblich wie Gebäude, Stein für Stein, Fragment für Fragment. Dieser architektonische Ansatz ist kein Zufall: Er wurzelt in einer uralten chinesischen Vorstellung von Raum und Bauweise. In der chinesischen Architekturtradition, insbesondere in Gärten und Palästen, entsteht Harmonie durch die kunstvolle Zusammensetzung heterogener Elemente, die ihre Einheit in einem höheren Gleichgewicht finden. Genau das realisiert Xue Song mit seinen Collagen [2]. Seine Werke funktionieren wie Miniaturarchitekturen, in denen jedes Stück verbrannten Papiers, jeder Kalligrafie-Fragment, jeder Bruchteil zeitgenössischer Bildsprache seinen Platz in einem kohärenten Ganzen findet, das mehr ist als die Summe seiner Teile. Diese architektonische Logik erklärt die paradoxe Monumentalität seiner Werke: Auch im bescheidenen Format erzwingen sie eine Präsenz, die an große Bauwerke erinnert. Der Künstler handhabt Maßstäbe mit der Virtuosität eines Architekten und erschafft mentale Räume, die weit über die physischen Grenzen der Leinwand hinauszugehen scheinen.
Der bemerkenswerteste Aspekt dieses architektonischen Ansatzes liegt in seiner Fähigkeit, unterschiedliche Zeitlichkeiten innerhalb derselben Struktur koexistieren zu lassen. Wie in den Pekinger Hutongs, wo verschiedene Epochen nebeneinander existieren, beherbergen Xue Songs Werke gleichzeitig Elemente des kaiserlichen China, der maoistischen Periode und der konsumistischen Moderne. Diese zeitliche Schichtung schafft eine visuelle Archäologie, die es ermöglicht, die zeitgenössische chinesische Geschichte in ihrer ganzen Komplexität zu lesen. Jede Collage wird so zu einem architektonischen Zeugnis, in dem Schichten der Geschichte übereinanderliegen und die Kontinuitäten und Brüche der chinesischen Zivilisation offenbaren. Diese architektonische Dimension zeigt sich auch in seiner jüngsten Serie “Fa Nature” (法自然), in der der Künstler in den Maserungen des Holzes, den Adern des Marmors und natürlichen Mustern schöpft, um Kompositionen zu schaffen, die an die großen Landschaften der chinesischen traditionellen Malerei erinnern, aber nach einer konsequent zeitgenössischen räumlichen Logik.
Xue Songs Technik offenbart eine Methode von fast wissenschaftlicher Strenge. In seinem Atelier in Shanghai gehorcht jede Geste einem präzisen Protokoll: Anfangskomposition, Auswahl der Fragmente nach ihrer Textur und ihrer symbolischen Ladung, kontrollierte Verkohlung, Schichtweises Zusammenfügen, Auftrag von Acrylfarbe und Schutzlack. Diese Systematisierung des kreativen Prozesses erinnert an Renaissance-Ateliers, wo Technik einer globalen ästhetischen Vision diente. Doch bei Xue Song dient diese Methode einer Ästhetik der Wiederverwertung und Transformation, die perfekt dem Geist der zeitgenössischen chinesischen Zeit entspricht.
Denn genau darin liegt die Stärke seiner Aussage: Xue Song verkörpert künstlerisch die Widersprüche und Spannungen des heutigen China. Seine Werke geben dieser China, die ständig zwischen Vergangenheit und Zukunft, zwischen nationaler Identität und Globalisierung, zwischen Sozialismus und Kapitalismus verhandeln muss, eine visuelle Form. Wenn er traditionelle Kalligraphien mit Coca-Cola-Logos überlagert, betreibt er keinen ironischen Pop Art, sondern zeigt die alltägliche Realität von anderthalb Milliarden Chinesen auf.
Seine Serie “Nouveau paysage” (新山水) veranschaulicht perfekt diese Fähigkeit, die Zeit in ihren Widersprüchen zu erfassen. Diese Kompositionen teilen den Raum zwischen Erde und Wasser, zwischen chinesischer Maltradition und westlichen Meistern. Die Erde, bestehend aus Fragmenten von Gemälden aus Song- und Yuan-Zeiten, steht im Dialog mit dem Wasser, das mit Werken der Renaissance und des Barock bevölkert ist. Diese mentale Geografie kartiert mit erschreckender Präzision den kulturellen Zustand des zeitgenössischen China, hin- und hergerissen zwischen seinen tiefen Wurzeln und äußeren Einflüssen.
Die jüngste Entwicklung seiner Arbeit hin zur Serie “Fa Nature” markiert eine bedeutende Wendung. Inspiriert vom Dao De Jing des Laozi, “Der Mensch folgt den Gesetzen der Erde, die Erde folgt den Gesetzen des Himmels, der Himmel folgt den Gesetzen des Dao, das Dao folgt den Gesetzen der Natur”, gibt Xue Song nach und nach popkulturelle Referenzen auf, um eine reinere Abstraktion zu erforschen. Diese Veränderung ist kein Verzicht, sondern eine Vertiefung. Der Künstler, geboren in Dangshan in Anhui, einem Landstrich, der von taoistischer Kultur durchdrungen ist, kehrt nach der Erforschung der Verlockungen der urbanen Moderne zu seinen philosophischen Quellen zurück.
Dieser Weg zeigt eine bemerkenswerte künstlerische Reife auf. Wo viele seiner Zeitgenossen in der Wiederholung bewährter Formeln verharren, hinterfragt Xue Song weiterhin seine eigene Sprache. Seine jüngsten Werke, weniger unmittelbar spektakulär, gewinnen an meditativer Tiefe. Die Bildfragmente werden abstrakter, die Referenzen subtiler, die Gesamtwirkung kontemplativer.
Die internationale Anerkennung, die Xue Song genießt, zeugt von seiner Fähigkeit, eine universelle künstlerische Sprache zu sprechen und gleichzeitig tief in seiner Herkunftskultur verwurzelt zu bleiben. Seine Werke sind in den Sammlungen des Museum of Fine Arts in Boston, des M+ in Hongkong und des Nationalmuseums von China in Peking vertreten. Diese weltweite Verbreitung schwächt seine Aussage nicht ab, sondern bestätigt sie: In einer globalisierten Welt betreffen die Themen, die er behandelt, Beziehung zur Tradition, Einfluss des Konsums, Verhandlung mit der Moderne, alle Gesellschaften.
Doch vermeidet Xue Song die Falle eines faden Kosmopolitismus. Seine Arbeit bewahrt eine unüberwindbare chinesische Spezifik, die in seinem Verständnis von Harmonie begründet ist. Anders als die westlichen Avantgarden, die häufig Bruch und Konflikt bevorzugten, sucht Xue Song ständig das Gleichgewicht in der Vielfalt. Dieser Ansatz, der aus der klassischen chinesischen Philosophie stammt, ermöglicht es ihm, Gegensätze nebeneinander bestehen zu lassen, ohne sie aufzuheben. Seine Collagen hierarchisieren die Elemente nicht: Eine Tang-Kalligraphie koexistiert gleichberechtigt mit einem zeitgenössischen Werbeslogan.
Diese Ästhetik des friedlichen Zusammenlebens offenbart eine spezifisch chinesische Weltanschauung, die jedoch mit den globalen zeitgenössischen Anliegen resoniert. In einer Zeit, in der die Frage der kulturellen Vermischung und Hybridisierung zentral wird, schlägt Xue Song ein künstlerisches Modell kreativer Synthese vor, das sowohl Uniformierung als auch Identitätsrückzug vermeidet.
Die Verwendung von Feuer in seinem kreativen Prozess fügt seiner Arbeit eine fast rituelle Dimension hinzu. Diese kontrollierte Verbrennung ist nicht nur technisch, sondern auch symbolisch. Im chinesischen Denken reinigt und verwandelt das Feuer. Es ermöglicht den Übergang von einem Zustand in einen anderen. Xue Song nutzt diese Symbolik, um die Abfälle der Konsumgesellschaft in edles künstlerisches Material zu verwandeln. Diese zeitgenössische Alchemie macht ihn zu einem Vermittler zwischen den Welten, einem visuellen Übersetzer der Veränderungen seiner Zeit.
Sein aktuelles Atelier, im Kunstviertel M50 in Shanghai eingerichtet, funktioniert als Laboratorium dieser ständigen Transformation. Die Wände biegen sich unter den gesammelten Zeitschriften, Zeitungen, Kunstbüchern und Werbungen, die er täglich zusammenträgt. Diese systematische Ansammlung zeugt von einer Arbeitsmethode, die den Künstler zu einem unfreiwilligen Archivars seiner Zeit macht. Jeder von ihm ausgeschnittene und verbrannte Fragment trägt die Spur eines Moments, einer Epoche, einer kollektiven Sorge.
Diese dokumentarische Dimension seiner Arbeit unterscheidet ihn von anderen Collage-Praktikern. Wo viele diese Technik nur für rein plastische Effekte nutzen, macht Xue Song sie zu einem Instrument der sozialen Analyse. Seine Werke bilden somit eine visuelle Chronik der chinesischen Transformation seit den 1990er Jahren. Sie erlauben es, durch aufeinanderfolgende Schichten die Entwicklung der Mentalitäten, Geschmäcker und Obsessionen einer sich beschleunigt wandelnden Gesellschaft zu lesen.
Die Zusammenarbeit von Xue Song mit Luxusmarken wie Salvatore Ferragamo, Porsche oder Jaeger-LeCoultre illustriert perfekt seine Position als Schnittstelle zwischen Kunst und Gesellschaft. Diese Partnerschaften sind keine reinen Geschäftsoperationen, sie offenbaren sein tiefes Verständnis der Mechanismen der heutigen Konsumgesellschaft. Indem er diese Kooperationen akzeptiert und gleichzeitig die Integrität seiner künstlerischen Sprache bewahrt, zeigt er, dass es möglich ist, in der Marktwirtschaft zu navigieren, ohne dabei seine kreative Seele zu verlieren.
Diese Strategie bringt ihn Andy Warhol nahe, einer ausgesprochenen Referenz seiner Anfangszeit. Doch während der amerikanische Künstler die Konsumgesellschaft vorbehaltlos feierte, hält Xue Song eine kritische Distanz. Seine Werke enthüllen ebenso sehr wie sie verführen, hinterfragen ebenso sehr wie sie faszinieren. Diese typische chinesische Balanceposition erlaubt es ihm, den Vereinfachungen von Für oder Wider zu entkommen.
Die Kunst von Xue Song lehrt uns letztendlich, dass zeitgenössische Kreation Tradition und Innovation, Lokalität und Globalität, Handwerk und Industrie versöhnen kann. In einer Welt, die oft von binären Gegensätzen zerrissen wird, schlägt er einen Mittelweg vor, der weder das Erbe noch die Moderne aufgibt. Diese praktische Weisheit, ausgedrückt durch die sinnliche Schönheit seiner feurigen Collagen, macht ihn zu einem der wichtigsten Künstler unserer bewegten Zeit.
Dreißig Jahre nach dem Gründungsbrand verwandelt Xue Song weiterhin die Asche in visuelles Gold. Diese Beständigkeit in der Metamorphose, diese Treue zur Innovation machen ihn weit mehr als nur zum Zeugen seiner Epoche: zu einem Akteur ihrer ästhetischen Transformation.
- Programm des Shanghai Drama Institute, Fachbereich Bühnenbild, 1988.
- François Jullien, Das große Bild hat keine Form, Seuil, 2003.
