Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist Zeit, über eine Künstlerin zu sprechen, die die Kunstwelt erschüttert wie ein Erdbeben an der San-Andreas-Verwerfung. Yuan Fang, geboren 1996 in Shenzhen, dieser chinesischen Metropole, die wie eine mutierte Pflanze in einem Science-Fiction-Film gen Himmel wächst, ist nicht die typische asiatische Künstlerin, die versucht, westlichen Sammlern zu gefallen, die nach Exotik hungern.
In ihrem Studio in Brooklyn, wo sie sechs Tage die Woche schafft wie eine trancehafte Schamanin, webt Fang ein abstraktes Geflecht, das Pollock im Grab tanzen und Lee Krasner aus dem Jenseits lächeln lässt. Ihre riesigen Leinwände explodieren vor geschwungenen Linien, die sich wie leidenschaftliche Liebende in einem endlosen Ballett miteinander verschlingen. Kein einziger gerader Strich weit und breit, meine Freunde. “Die Kurven ahmen den weiblichen Körper nach”, sagt sie uns mit einer entwaffnenden Offenheit. Aber täuscht euch nicht, es ist keine bloße Hommage an die Weiblichkeit, es ist eine Kriegserklärung gegen die Starrheit unserer Zeit, ein malerisches Manifest, das die Zwänge einer Welt ablehnt, die von rechten Winkeln und vorhersehbaren Bahnen besessen ist.
Wenn Simone de Beauvoir ihren Stift gegen einen Pinsel eingetauscht hätte, hätte sie vielleicht etwas Ähnliches geschaffen. Denn das, was Fang uns bietet, ist eine viszerale Erkundung des Existentialismus in weiblicher Form, ein schwindelerregender Tauchgang in die Tiefen der menschlichen Existenz, betrachtet durch das Prisma einer weiblichen Sensibilität, die jegliche Kompromisse ablehnt. Ihre Gemälde sind keine Fenster zur Welt, sondern Spiegel unserer kollektiven Existenz, reflektierende Oberflächen, die uns unser eigenes Bild zurückwerfen, verzerrt durch Angst, Turbulenzen und die Unvorhersehbarkeit unserer Zeit.
Die Künstlerin verließ Shenzhen im Alter von 18 Jahren und zog nach New York, wobei sie nicht die Nostalgie eines mythischen Chinas im Gepäck hatte, sondern die rohe Erfahrung, in einer der am stärksten urbanisierten Städte der Welt aufgewachsen zu sein. Diese Erfahrung der freiwilligen Entwurzelung färbt jeden Aspekt ihrer Arbeit. In ihren Gemälden kann man die Geschichte einer Generation lesen, die mit der scheinbaren Leichtigkeit eines Seiltänzers zwischen Kulturen und Identitäten navigiert, aber die Spannungen und Widersprüche unserer globalisierten Welt in sich trägt.
Ihr früher Erfolg ist verblüffend. Im Jahr 2022 verkauft sie ein Gemälde mit dem Titel “Expanse (mask)” für 88.900 Dollar. Im selben Jahr erhält sie ihren MFA an der School of Visual Arts mit Auszeichnung. Doch was wirklich bemerkenswert ist, ist die Art und Weise, wie sie der Versuchung widerstanden hat, zu einer Maschine zu werden, die kommerziell erfolgreiche Werke produziert. Stattdessen treibt sie die Grenzen ihrer Praxis weiterhin voran und lehnt einfache Formeln und fertige Lösungen ab.
Nehmen wir ihre Ausstellung “Flux” im Long Museum in Shanghai im Jahr 2024. Die Formen, die auf ihren Gemälden wirbeln, erinnern nicht ohne Grund an das Konzept des “Werden” von Gilles Deleuze. Wie der französische Philosoph es theoretisiert hat, ist Werden keine einfache Verwandlung von einem Zustand in einen anderen, sondern ein kontinuierlicher Prozess der Veränderung, der jegliche Fixierung ablehnt. Fangs Werke verkörpern diese Philosophie mit einer fast greifbaren Dringlichkeit. Ihre Pinselstriche stellen nicht Bewegung dar, sie sind die Bewegung selbst, eine physische Manifestation dieser grundlegenden Wahrheit, dass alles sich ständig verändert.
Die Farbpalette der Künstlerin ist einen Umweg wert. Sie schöpft aus den Farben, die in traditionellen chinesischen Wandmalereien nach dem Einfluss der Zeit verblieben sind, aber sie erfindet sie mit einer zeitgenössischen Kühnheit neu, die Puristen die Zähne knirschen lässt. Es ist keine Übung in Nostalgie, sondern eine Erklärung chromatischer Unabhängigkeit. Ihre Farbwahl ist wie ein provokanter Gruß an aktuelle Trends, bei denen alles angenehm fürs Auge und instagramtauglich sein muss. Sie weigert sich bewusst, ihre Farben zu mischen, um sie harmonischer zu machen, und bevorzugt brutale Kontraste, die elektrisierende visuelle Spannungen erzeugen.
In ihrer kürzlich in der Skarstedt Gallery in London präsentierten Serie geht Fang noch weiter in ihrer Reflexion über Identität und Verortung. Ihre Gemälde werden zu Schlachtfeldern, auf denen das Konzept der Zugehörigkeit selbst in Frage gestellt wird. Hier findet Hannah Arendts Denken über Exil und Entwurzelung einen besonders starken Widerhall. Wie Arendt in ihren Schriften über die moderne menschliche Condition betont hat, ist der Status der Staatenlosigkeit nicht nur eine politische Bedingung, sondern eine existentielle Erfahrung, die unsere Zeit definiert. In Fangs Werken wird diese Bedingung sichtbar, greifbar und unmöglich zu ignorieren.
Ihre Technik ist ebenso faszinierend wie verwirrend. Sie beginnt oft mit Vorstudien in Bleistift und Pastellkreide, doch diese Skizzen sind nur Ausgangspunkte, eher Anregungen als Pläne. Sobald sie vor der Leinwand steht, versinkt sie in einen Zustand intensiver Konzentration, der bis zu sechs Stunden am Stück andauern kann. Während dieser Sitzungen arbeitet sie mit einer Dringlichkeit, die an die Performances von Künstlern wie Yves Klein oder Kazuo Shiraga erinnert, jedoch mit einem entscheidenden Unterschied: Ihr Handeln ist nicht spektakulär, sondern nach innen gekehrt, fast meditativ in seiner Intensität.
Wenn sie über ihren kreativen Prozess spricht, verwendet Fang oft martialische Metaphern. “Es ist wie ein Kampf zwischen der Leinwand und mir”, sagt sie. Dieser kämpferische Ansatz der Malerei erinnert an die Schriften von Sun Tzu in “Die Kunst des Krieges”, wo der Sieg nicht unbedingt aus direkter Konfrontation entsteht, sondern aus der Fähigkeit, sich anzupassen und Hindernisse in Chancen zu verwandeln. Jede Leinwand wird so zu einem Schlachtfeld, auf dem kein territorialer Konflikt ausgetragen wird, sondern ein Kampf um die Authentizität des Ausdrucks.
Die Einflüsse von Fang sind vielfältig und tiefgründig. Sie nennt gerne Pollock und Krasner ihre “Eltern der Malerei”, doch ihre Arbeit geht weit über Huldigung oder Einfluss hinaus. Sie hat die Lehren des abstrakten Expressionismus aufgenommen und gleichzeitig radikal transformiert. Während Pollock versuchte, das universelle Unbewusste durch seine Tropftechnik auszudrücken, erforscht Fang die spezifischen Spannungen unserer Zeit: Entwurzelung, Identitätsangst, Fragmentierung der Erfahrung.
In ihrem Malansatz zeigt Fang ein intuitives Verständnis dessen, was Theodor Adorno “Nicht-Identität” nannte, jenes irreduzible Element der Erfahrung, das sich jeder Kategorisierung widersetzt. Ihre Werke sind wiederholte Versuche, dem Formlosen Gestalt zu verleihen, das Unsichtbare sichtbar zu machen. Wenn man sie bittet, ihre Bilder zu erklären, antwortet sie schlicht: “Das ist ein Gemälde.” Diese Antwort, von betörender Einfachheit, verbirgt eine philosophische Tiefe, die an Wittgensteins berühmtes “Was sich zeigen lässt, lässt sich nicht sagen” erinnert.
Der bildräumliche Bereich in Fangs Werken ist ein Territorium ständiger Neudefinition. Die Formen, die sie schafft, scheinen den Raum nicht so sehr zu besetzen, als ihn zu erzeugen. Es ist, als würde jede malerische Geste ihr eigenes Universum schaffen, mit eigenen physikalischen Gesetzen, mit einer besonderen Gravitation. Dieser Ansatz erinnert an die Theorien des Physikers David Bohm über die implizierte und explizierte Ordnung, in denen die sichtbare Realität nur Manifestation einer tieferen und grundlegenderen Ordnung ist.
Marilyn Minter, die ihre Professorin an der School of Visual Arts war, gab ihr zwei wertvolle Ratschläge: nicht zu überarbeiten und Brennpunkte zu schaffen, um den Blick des Betrachters zu lenken. Fang hat diese Ratschläge aufgenommen und in eine persönliche Philosophie der Malerei verwandelt, die weit über einfache technische Überlegungen hinausgeht. Ihre Werke atmen eine wilde Freiheit, während sie eine innere Struktur bewahren, die sie davor bewahrt, in völliges Chaos zu stürzen. Es ist ein zerbrechliches Gleichgewicht, gehalten von einer künstlerischen Intelligenz, die instinktiv versteht, dass wahre Freiheit nur in den selbstgewählten Beschränkungen existiert.
Fangs Beziehung zur malerischen Tradition ist komplex und nuanciert. Sie erkennt ihre Schuld gegenüber der Kunstgeschichte an, weigert sich jedoch, sich von ihr definieren zu lassen. Ihre Arbeit führt einen Dialog mit der Vergangenheit, bleibt dabei aber fest in der Gegenwart verankert. Diese zeitliche Spannung zeigt sich besonders in ihrer Art, mit der Bildfläche umzugehen. Die Farbschichten lagern sich nicht wie eine geologische Schichtung ab, sondern bilden ein komplexes Netzwerk von Verknüpfungen, in dem Vergangenheit und Gegenwart untrennbar miteinander verwoben sind.
Die Auswirkung ihrer Arbeit auf die zeitgenössische Kunstszene ist bereits beträchtlich. Bedeutende Institutionen wie das ICA Miami, Lafayette Anticipations und die FLAG Art Foundation haben schnell die Bedeutung ihres Beitrags erkannt. Doch was wirklich bemerkenswert ist, ist die Art und Weise, wie ihre Arbeit die üblichen Kategorien der zeitgenössischen Kunst überwindet. Sie ist weder eine “asiatische” Künstlerin, noch eine “westliche” Künstlerin, noch gar eine “globale” Künstlerin, sie ist einfach sie selbst, mit all der Komplexität, die das mit sich bringt.
Die politische Dimension ihrer Arbeit, obwohl nie explizit, ist immer präsent. In einer Welt, in der Fragen der Identität und Zugehörigkeit zu ideologischen Schlachtfeldern geworden sind, schlagen ihre Werke einen anderen Weg vor. Sie deuten darauf hin, dass Identität nichts Festes zum Verteidigen ist, sondern ein fortlaufender Prozess der Aushandlung und Transformation. Diese Sichtweise erinnert an die Schriften von Stuart Hall über kulturelle Identität als “Positionierung” statt als Essenz.
Ihre jüngste Arbeit zeigt eine subtile, aber bedeutende Entwicklung. Die Formen werden weiter, sicherer, als hätte die Künstlerin ein neues Niveau des Vertrauens in ihre malerische Sprache gefunden. Auch die Farben haben sich entwickelt, mutiger geworden, ohne ihre Subtilität zu verlieren. Es ist, als hätte Fang einen perfekten Gleichgewichtspunkt zwischen technischer Beherrschung und Spontaneität des Gestus gefunden.
Was ihre Arbeit heute besonders relevant macht, ist ihre Fähigkeit, die einfachen Dichotomien zwischen Ost und West, Tradition und Moderne, Abstraktion und Figuration zu überwinden. In einer zeitgenössischen Kunstwelt, die oft gefangen scheint in ihren eigenen Klischees, schlägt Fang einen dritten Weg vor. Ihre Leinwände versuchen nicht, die Widersprüche unserer Zeit zu lösen, sie umarmen sie mit einer Inbrunst, die Respekt erzwingt.
Die Frage der Authentizität, die in der zeitgenössischen Kunst von größter Bedeutung ist, erhält in ihrer Arbeit eine neue Dimension. Authentizität bei Fang ist keine statische Eigenschaft, die bewahrt werden muss, sondern ein dynamischer Prozess ständiger Hinterfragung und Neu-Definition. Jede Leinwand ist ein neuer Versuch, zwischen den vielfältigen Strömungen unserer Zeit zu navigieren, ohne sich von einem von ihnen mitreißen zu lassen.
Ihr rascher Erfolg könnte als Glücksfall oder Modetrend missverstanden werden. Das wäre ein monumentaler Fehler. Was wir hier sehen, ist das Entstehen einer authentischen Stimme, die die Möglichkeiten der abstrakten Malerei im 21. Jahrhundert neu definiert. Ihre Arbeit ist keine bloße Ergänzung zur Kunstgeschichte, sondern eine Neuschreibung der Spielregeln.
Ihre aktuellen Werke zeigen eine Künstlerin auf dem Höhepunkt ihrer kreativen Kraft, fähig, Angst und Entwurzelung in eine positive Kraft zu verwandeln. In einer Welt, in der Originalität zu einer seltenen Ware wird, erinnert sie uns daran, dass wahrhafte Innovation nicht aus der Trennung vom Vergangenen entsteht, sondern aus dessen radikaler Neuerfindung. Yuan Fang ist nicht einfach eine Künstlerin, die malt, sie ist eine Naturgewalt, die unser Verständnis dessen, was Kunst sein kann, neu gestaltet.
