Hört mir gut zu, ihr Snobs. Die Kunst von Yukimasa Ida wartet nicht darauf, von euch erkannt zu werden. Seine explosiven Porträts, diese chaotischen Ansammlungen wütender Pinselstriche, diese Gesichter, die gleichzeitig entstehen und sich vor euren Augen auflösen, fragen nicht nach eurer Meinung. Sie sind hier, eingefangen in einem Moment, der nie wiederkehren wird, und verkörpern dieses japanische Konzept, an dem der Künstler so hängt: “Ichi-go Ichi-e”, ein einzigartiger Moment, der sich niemals auf exakt die gleiche Weise wiederholen wird.
Ida, geboren 1990 in Tottori, dieser japanischen Küstenpräfektur, in der das raue Meer auf friedliche Berge trifft, ist seit seiner Kindheit von künstlerischer Schaffung umgeben. Als Sohn des Bildhauers Katsumi Ida wuchs er im Atelier seines Vaters auf, mit dem Stift in der Hand seit jenem Alter, in dem die meisten Kinder sprechen lernen. Er entwickelte eine einzigartige Sichtweise, bei der sich Abstraktion und Figuration vermischen, ohne einander jemals aufzuheben. Er wurde zu jenem Maler, dessen Werke heute vom Picasso-Museum in Malaga bis zum KYOCERA Kunstmuseum in Kyoto sowie den renommiertesten Galerien in Paris, Tokyo, Hongkong und Chicago ausgestellt werden.
Aber sprechen wir ehrlich. Was sucht Ida in dieser Besessenheit vom Vergänglichen, in diesem beharrlichen Willen, das Unfassbare einzufangen? Ich sehe in ihren Gemälden etwas, das sowohl dem Kino als auch der Malerei zuzuordnen ist. Jedes ihrer Porträts scheint ein Bild zu sein, das einem Film entnommen wurde, ein zeitlicher Ausschnitt, der auf der Leinwand kristallisiert ist. Ihre dicken Schichten von Ölfarbe nehmen skulpturale Qualitäten an, während ihre Köpfe aus Bronze Spuren behalten, die wie die Einwirkung eines Malspachtels aussehen. Es ist dieses ständige Hin- und Her zwischen den Medien, das ihre Arbeit so interessant macht.
Nehmen wir zum Beispiel ihre Serie “End of today”, diese tägliche Chronik, bei der Ida systematisch ein Werk zwischen 23 Uhr und 1 Uhr morgens malt, als wolle sie das Ende jedes Tages markieren. Es sind visuelle Tagebücher, Zeugnisse eines unaufhaltsam vergehenden Lebens. In diesem Ansatz gibt es etwas Prousthaftes, eine Suche nach der verlorenen Zeit durch malerisches Material.
Marcel Proust erinnert uns in “Auf der Suche nach der verlorenen Zeit” daran, dass “wahre Paradiese die Paradiese sind, die wir verloren haben” [1]. Genau das tut Ida: Sie verwandelt das verlorene Paradies des gelebten Augenblicks in ein greifbares Fragment der Ewigkeit. Ihre Porträts sind keine starren Darstellungen, sondern bewegte Momente, eingefangen in ihrer vollen emotionalen Intensität. So, wie Proust versuchte, die Zeit über die Empfindungen zurückzugewinnen, verwendet Ida die Textur, die Farbe und die Bewegung, um nicht das äußere Erscheinungsbild ihrer Sujets, sondern deren Wesen selbst hervorzurufen.
Eine Reise nach Indien Anfang Zwanzig war entscheidend für die Entwicklung dieser Philosophie. Er erzählt, tief beeindruckt von der Begegnung mit einem kleinen Mädchen in einem Slum gewesen zu sein, das in einem Müllhaufen wühlte und, als es ein halb gegessenes Stück Fleisch fand, ihm zulächelte, bevor es davonrannte. “Ich konnte ihr Gesicht und ihre Augen nicht vergessen, und ich dachte, dass ich sie wahrscheinlich nie wiedersehen würde, genauso wenig wie alle anderen Menschen, denen ich auf meiner Reise begegnet war”, erklärt der Künstler. In diesem Moment verstand er das Konzept der unwiderruflichen Einzigartigkeit der Zeit, “Ichi-go Ichi-e”.
Aber Ida ist nicht nur ein Maler der Melancholie. In seinem Werk steckt eine explosive Vitalität, eine rohe Energie, die uns daran erinnert, dass das Leben, selbst wenn es vergänglich ist, intensiv gegenwärtig ist. Seine Porträts scheinen in alle Richtungen zu explodieren, vorwärts, rückwärts, links, rechts, oben, unten, und sind dabei durch etwas, das einer monumentalen menschlichen Kopfgestalt ähnelt, im Zentrum verankert. Die Pinselstriche und Farbschwünge sind ebenso sorgfältig angeordnet wie Gegenstände in einem Stillleben.
Man könnte seine Arbeit mit der der japanischen abstrakten Expressionisten des frühen Jahrhunderts vergleichen, jedoch mit einem grundlegenden Unterschied: Bei Ida entfaltet sich die Energie nach außen und zieht sich nicht nach innen zurück. Es ist, als sei der dargestellte Geist von der Erfahrung überwältigt, statt verzweifelt verdreht und verknotet zu sein.
Es gibt auch eine Parallele zum Kino von Akira Kurosawa, besonders in der Art, wie der Regisseur die Zeit manipuliert und Momente reiner menschlicher Intensität einfängt. In “Rashômon” präsentiert Kurosawa dasselbe Ereignis aus verschiedenen Perspektiven und zeigt so, dass die Wahrheit subjektiv und vielfältig ist [2]. Ebenso bietet uns Ida Porträts, die weniger exakte Darstellungen als emotionale Erlebnisse sind, erfahren durch das Prisma seiner eigenen Subjektivität.
Idas Porträts funktionieren wie die Sequenzen eines Kurosawa-Films: Sie verdichten eine Vielzahl von Emotionen und Bedeutungen in einem einzigen Moment. Sie versuchen nicht, uns eine endgültige Version der Realität zu geben, sondern laden uns vielmehr in einen Raum ein, in dem mehrere Wahrheiten nebeneinander existieren können. Wie der Künstler selbst sagt: “Ich will dem Publikum nichts aufzwingen. Ich bin glücklich, wenn sie etwas fühlen und nachdenken können, aber das vollendete Werk gehört nicht mehr mir. Es gehört dieser Welt.”
Dieser filmische Ansatz in der Malerei zeigt sich auch in der Art und Weise, wie Ida mit Farbe und Licht umgeht. Er erinnert sich an die “verschiedenen Abstufungen von Blau zu Rosa und Grün im Himmel” seiner Heimatregion. “Das Meer hat Tage mit starken Kontrasten und andere Tage sind wirklich ruhig”, beobachtet er. Diese visuellen Erinnerungen prägen seine Farbpalette und schaffen Werke, die mit den natürlichen Rhythmen des sich verändernden Lichts pulsieren.
Im Kunstmuseum der Stadt Yonago und im KYOCERA Kunstmuseum in Kyoto offenbarte seine Ausstellung “Panta Rhei, For As Long As The World Turns” von 2023 eine neue Dimension seiner Arbeit. “Panta Rhei”, “alles fließt” auf Griechisch, ist ein Ausdruck, der Heraklit zugeschrieben wird und den ewigen Fluss aller Dinge beschreibt. Ida präsentierte dort nicht nur seine charakteristischen Porträts, sondern auch Skulpturen und eine monumentale Neuinterpretation des “Abendmahls” von Leonardo da Vinci, bei der Jesus und seine Jünger durch Frauen in historischen Unterröcken im Stil der “Las Meninas” von Velázquez ersetzt wurden.
Diese Verschmelzung kultureller und historischer Referenzen zeugt vom Umfang von Idas Vision. Er beschäftigt sich nicht nur mit dem gegenwärtigen Moment, sondern auch damit, wie dieser Moment in den großen Kontinuum der Kunstgeschichte eingebettet ist. In diesem Ansatz liegt eine Demut, eine Anerkennung dessen, dass selbst die persönlichsten Werke Teil eines größeren Dialogs sind, der sich durch die Zeiten zieht.
Die Ausstellung 2021 in der Mariane Ibrahim Galerie in Chicago mit dem Titel “Here and Now” spiegelte diese Philosophie perfekt wider. Wie der Kritiker Chris Miller bemerkte: “Die Ausstellung heißt ‘Here and Now’, und so wollen wir Kunst haben, oder? Wir wollen im Jetzt ergriffen werden, im Moment des Betrachtens, egal ob die Werke vor 3.000 Jahren oder letzte Woche entstanden sind” [3].
Aber an der Stelle, wo ich von diesem Kritiker abweiche, ist die Tiefe von Idas Arbeit. Er behauptet, “die Präsenz von etwas zu wollen, das wichtig für sein Leben, für die Menschheit, für das Universum erscheint”. Ich würde ihm antworten, dass genau das Ida bietet: ein Tor zu einem tieferen Verständnis unserer zeitlichen Erfahrung, unserer flüchtigen Präsenz in einem sich ständig verändernden Universum. Idas Arbeit erinnert uns daran, dass wir immer gleichzeitig präsent und abwesend sind, dass jeder Moment gleichzeitig ein Gewinn und ein Verlust ist. Seine Porträts, die zwischen Abstraktion und Figuration schwanken, sind perfekte visuelle Metaphern für diese grundlegende Dualität der menschlichen Erfahrung.
In seiner Serie von Bronze-Köpfen geht Ida noch einen Schritt weiter in dieser Erkundung. Ohne Spotlight, das die Formen betont, erscheinen sie nur als schwarze und bedrohliche Massen. Wie die japanische Porträt-Skulptur des frühen 20. Jahrhunderts, verdanken sie viel der japanischen Tradition der wabi-sabi Keramik, die zugleich frei und sorgfältig ist. Die gesamte Masse wird niemals durch die expressiven Details des Gesichts an der Oberfläche infrage gestellt. Diese Spannung zwischen Masse und Detail, zwischen der Gesamtform und den expressiven Besonderheiten, spiegelt die weiter gefasste Spannung zwischen dem Universellen und dem Besonderen wider, die das gesamte Werk von Ida durchzieht. Jedes Porträt ist zugleich tief persönlich und seltsam universell, als ob die Künstlerin, indem sie einen spezifischen Moment einfängt, etwas Ewiges berührt.
Ida hat auch mit renommierten Marken wie Dior zusammengearbeitet, und ihre Werke wurden von Sammlern auf der ganzen Welt erworben, darunter die Leonardo DiCaprio Stiftung. Im Jahr 2018 wurde sie von Forbes in die “30 UNDER 30 JAPAN” aufgenommen. Ihr Werk “End of today, L’Atelier du peintre” wurde sogar von Yusaku Maezawa, dem ersten einzelnen Japaner, der ins All fliegen und in der ISS verweilen durfte, auf der Internationalen Raumstation platziert. Aber über diese kommerziellen Erfolge hinaus bleibt das, was im Werk von Ida beeindruckt, ihre Fähigkeit, eine künstlerische und philosophische Integrität aufrechtzuerhalten. In einer Kunstwelt, die oft von Trends und Moden dominiert wird, bleibt sie ihrer Vision einer Kunst treu, die das Wesen unserer zeitlichen Erfahrung einfängt.
“Das Gedächtnis ist eine vage Sache”, bemerkt die Künstlerin. “Wenn ich die Züge dieses Wesens betrachte, möchte ich das Überflüssige entfernen. Das Ergebnis kann verzerrt sein, aber das ist nicht beabsichtigt. Das Wichtige liegt im Prozess des intensiven Kampfes, etwas zu erfassen, das im Herzen dieser Person, dieses Objekts oder dieser Landschaft liegt.”
Diese Suche nach dem Wesentlichen durch den künstlerischen Prozess erinnert an die Vorgehensweise des Bildhauers Constantin Brancusi, der versuchte, seine Sujets auf ihre reinste und wesentlichste Form zu reduzieren [4]. Wie Brancusi versteht Ida, dass man manchmal durch das Weglassen überflüssiger Details zur tiefsten Wahrheit eines Themas gelangt. Aber im Gegensatz zu Brancusi, der zu einer reinen geometrischen Abstraktion tendierte, umarmt Ida die Komplexität und das Chaos der gelebten Erfahrung. Ihre Porträts sind Wirbelwinde aus Energie und Emotion, die die stürmische und unvorhersehbare Natur des Lebens selbst widerspiegeln.
Die Kunst von Yukimasa Ida erinnert uns an eine grundlegende Wahrheit: Wir sind zeitliche Wesen, ständig im Fluss, niemals ganz dieselben von einem Moment zum nächsten. Ihre Porträts fangen diese schwer fassbare Realität mit brutaler Ehrlichkeit und verblüffender Schönheit ein. Sie laden uns ein, innezuhalten, ganz präsent zu sein, die Schönheit und Vergänglichkeit jedes Moments anzuerkennen.
In einer Welt, in der wir ständig abgelenkt sind, in der Vergangenheit und Zukunft oft die Gegenwart überstrahlen, führen uns Idas Werke zum “Hier und Jetzt” zurück. Sie erinnern uns daran, dass wir trotz all unserer Technologie und Fortschritte im Grunde zeitlich begrenzte Wesen bleiben, vergängliche Geschöpfe in einem sich ständig wandelnden Universum.
Also, das nächste Mal, wenn Sie einem Werk von Yukimasa Ida gegenüberstehen, betrachten Sie es nicht nur passiv. Tauchen Sie voll ein, erlauben Sie sich, von seiner chaotischen Energie überwältigt zu werden, lassen Sie sich von seinem Schwung mitreißen. Denn nur wenn wir die Vergänglichkeit akzeptieren, das “Ichi-go Ichi-e” annehmen, können wir wirklich den Reichtum und die Tiefe unserer Existenz schätzen.
- Proust, Marcel. “Auf der Suche nach der verlorenen Zeit, Band VII: Die wiedergefundene Zeit”, Gallimard, 1927.
- Kurosawa, Akira. “Rashômon”, Daiei Film, 1950.
- Miller, Chris. “Der Nervenkitzel des Moments: Eine Rezension von Yukimasa Ida bei Mariane Ibrahim”, NewCity Art, 2021.
- Chave, Anna C. “Constantin Brancusi: Die Grundlagen der Kunst verschieben”, Yale University Press, 1993.
