Hört mir gut zu, ihr Snobs, es ist höchste Zeit, über Zhang Enli zu sprechen, geboren 1965 in der Provinz Jilin. Hier haben wir einen Künstler, der uns die Ehre erweist, das Banale in visuelle Poesie zu verwandeln und uns gleichzeitig eine meisterhafte Lektion darüber erteilt, wie man über das Offensichtliche hinaus sieht.
Wo manche sich bemühen, Werke zu schaffen, die so hohl sind wie ihre Reden, tritt Zhang Enli als echtes Phänomen hervor. Er gehört zu jenen Künstlern, die verstanden haben, dass Größe nicht unbedingt in grandiosen Themen liegt, sondern in der Fähigkeit, das Gewöhnliche zu sublimieren. Stellen Sie sich für einen Moment vor, Spinoza würde malen, ja, ich weiß, das ist eine besondere geistige Übung, aber folgen Sie mir in dieser Analogie. So wie der Philosoph das göttliche Wesen in jeder Erscheinung der Natur sah, erkennt Zhang Enli die transzendente Schönheit in den bescheidensten Gegenständen unseres Alltags.
Nehmen wir seine Serie der “contenants”, dieser Pappkartons, dieser abgenutzten Behälter, dieser sich schlängelnden Rohre im Raum. Man könnte meinen, es handele sich um eine Shanghaier Version von Giorgio Morandi, doch es ist viel subtiler. Zhang malt nicht einfach Objekte, er fängt ihre Seele, ihr Wesen ein, in einer Herangehensweise, die merkwürdig an die Phänomenologie von Maurice Merleau-Ponty erinnert. Letzterer sprach von dem “Fleisch der Welt”, dieser Schnittstelle zwischen Sichtbarem und Unsichtbarem, und genau das erforscht Zhang in seinen Gemälden. Seine Objekte sind keine bloßen Darstellungen, sie werden zu greifbaren Manifestationen unseres Verhältnisses zur Welt, zu stillen Zeugen unserer Existenz.
Doch was Zhang Enli wirklich faszinierend macht, ist, dass er die bloße Darstellung transzendiert, um eine Form visueller Meditation zu erreichen. Seine “Space Paintings”, jene immersiven Installationen, bei denen er direkt auf Wände, Boden und Decke malt, sind nichts Geringeres als eine radikale Neuerfindung unseres Raumverhältnisses. Es ist, als hätte Marcel Proust beschlossen, seine “privilegierten Momente” zu malen, statt sie zu schreiben. Diese Werke tauchen uns in ein Bad reinen Bewusstseins, in dem die Grenzen zwischen Beobachter und Beobachtetem verschwimmen. Diese immersive Präsentation erinnert an die Experimente von James Turrell mit Wahrnehmung und Licht, doch Zhang fügt eine subtile narrative Dimension hinzu, die sie in einen alltäglicheren Erfahrungsrahmen einbindet. Diese Räume werden zu einer Art Resonanzkammern, in denen unsere eigenen Erinnerungen und Erfahrungen sich entfalten können.
In seinen letzten abstrakten Werken treibt Zhang diese Erforschung noch weiter. Die fließenden Linien, die verdünnten Farben, die Formen, die in einem undefinierten Raum zu schweben scheinen, erinnern uns daran, dass jede Wahrnehmung grundsätzlich eine mentale Konstruktion ist. Hier findet die Gedankenwelt von William James zum “Bewusstseinsstrom” eine eindrucksvolle visuelle Entsprechung. Zhangs Gemälde stellen nicht mehr Gegenstände oder Räume dar, sondern werden zu Kartographien des Bewusstseins selbst.
Was besonders köstlich an seinem Ansatz ist, ist seine Art, mit den Konventionen der traditionellen chinesischen Malerei zu spielen und sie dabei vergnügt zu unterlaufen. Die Raster, die er vor dem Malen mit Bleistift zieht, erinnern an die westliche Technik des “squaring up”, doch hier dienen sie dazu, eine köstliche Spannung zwischen Struktur und Fluidität zu erzeugen. Es ist, als hätte Piet Mondrian beschlossen, nach zu vielem Sake einen Spaziergang durch einen Zen-Garten zu machen.
Seine jüngsten Werke, die 2023 im Long Museum in Shanghai ausgestellt wurden, zeigen eine faszinierende Entwicklung hin zu einer Form von Abstraktion, die es eigentlich gar nicht ist. Die Spuren, die Markierungen, die Farbläufe, die seine Gemälde ausmachen, sind Zeichen einer menschlichen Präsenz, einer gelebten Erfahrung. Man denkt an Cy Twombly, aber subtiler, meditativer. Zhang sucht nicht zu beeindrucken, er sucht zu enthüllen.
Die höchste Ironie an der ganzen Sache ist, dass Zhang Enli genau deshalb zutiefst zeitgenössisch ist, weil er die Posen und Gesten der zeitgenössischen Kunst ablehnt. In einer Welt, die von aufdringlichen Bildern und großspurigen Konzepten übersättigt ist, bietet er uns eine Form der visuellen Stille, einen Raum der Kontemplation, in dem der Blick endlich Ruhe finden, atmen und meditieren kann.
Dieser Künstler hat etwas Wesentliches verstanden: Wahre Innovation in der Kunst besteht nicht darin, Neues um des Neuen willen zu schaffen, sondern darin, neue Wege zu finden, das Alte zu sehen. Seine Gemälde sind wie Zen-Koans: Je mehr man sie betrachtet, desto mehr schauen sie uns an. Sie erinnern uns daran, dass die echte Revolution nicht im Spektakulären liegt, sondern in der Aufmerksamkeit für die kleinsten Details unseres Daseins.
Wenn Sie denken, ich würde übertreiben, schauen Sie sich doch mal im Centre Pompidou oder in der Tate Modern um, wo seine Werke neben denen der “großen Namen” der zeitgenössischen Kunst ausgestellt sind. Sie werden sehen, dass in diesem Konzert künstlerischer Gestikulationen Zhangs Leinwände mit einer besonderen Klarheit resonieren, einer Präsenz, die nichts beweisen muss, weil sie einfach da ist, authentisch und kraftvoll gerade in ihrer Bescheidenheit.
Zhang Enli gibt uns eine wertvolle Lektion: Die tiefste Kunst ist nicht die, die am lautesten schreit, sondern die, die uns erlaubt, die Welt mit neuen Augen zu sehen. In einer Zeit, die vom Spektakulären und vom Moment besessen ist, ist sein Werk eine Einladung zur Langsamkeit, zur geduldigen Beobachtung, zur aktiven Kontemplation. Es ist eine Kunst, die nicht konsumiert wird, sondern erlebt, die nicht erklärt wird, sondern erfahren.
Also denken Sie das nächste Mal, wenn Sie eine weggeworfene Pappschachtel oder einen zusammengerollten Gartenschlauch in einer Ecke sehen, an Zhang Enli. Und vielleicht, ganz vielleicht, werden Sie in diesen gewöhnlichen Gegenständen die versteckte Poesie sehen, die nur er so gut enthüllen kann. Denn darin liegt das Genie dieses Künstlers: uns die Schönheit dort sehen zu lassen, wo wir aufgehört hatten, hinzuschauen.
Schauen wir uns seine malerische Technik genauer an, die es verdient, dass man sich damit beschäftigt. Zhang Enli hat einen einzigartigen Malansatz entwickelt, der die Konventionen herausfordert und sie zugleich subtil respektiert. Er verwendet eine absichtlich eingeschränkte Farbpalette und schafft subtile Harmonien, die an die Grautöne der traditionellen chinesischen Tuschemalerei erinnern. Was aber wirklich bemerkenswert ist, ist seine Art, das malerische Material zu bearbeiten. Er verdünnt seine Farbe, bis sie fast transparent wird, und schafft so aufeinanderfolgende Schichten, die seinen Werken eine einzigartige atmosphärische Tiefe verleihen.
Diese Technik erinnert nicht ohne Grund an die Erforschungen von Pierre Bonnard zum Licht und zur Farbe, doch Zhang fügt ihr eine ihm eigene metaphysische Dimension hinzu. Seine Bilder sind weniger Darstellungen als Manifestationen, Erscheinungen, die langsam aus der Oberfläche der Leinwand auftauchen. Es ist, als wäre jedes Bild das Ergebnis eines langen meditativen Prozesses, in dem der Künstler allmählich das Wesen seines Motivs destilliert hat.
Nehmen Sie zum Beispiel seine Serie über Bäume. Diese Gemälde sind keine einfachen botanischen Darstellungen, sondern tiefgründige Erkundungen der Beziehung zwischen Organischem und Anorganischem, zwischen Natur und Stadt. Zhang malt diese Bäume so, als wären sie gespenstische Präsenz, stoische Überlebende in der urbanen Landschaft Shanghais. Die Art, wie er das durch die Äste filternde Licht einfängt, erinnert an die Experimente von Claude Monet in Giverny, jedoch mit einer zeitgenössischen Sensibilität, die von unserer komplexen Beziehung zur Natur in modernen Megastädten erzählt.
In seinen letzten Werken, insbesondere denen, die 2023 im He Art Museum ausgestellt wurden, zeigt Zhang eine faszinierende Entwicklung hin zu einer freieren, fließenderen Ausdrucksform. Die Objekte und Räume, die er malt, scheinen sich in einer Art farbigen Nebel aufzulösen und schaffen Kompositionen, die zwischen dem Greifbaren und dem Unfassbaren schwanken. Dieser Ansatz erinnert an die Forschungen von Mark Rothko zur Transzendenz durch Farbe, doch Zhang bringt eine sehr unterschiedliche Sensibilität ein. Während Rothko fast mystische spirituelle Erfahrungen schaffen wollte, bleibt Zhang fest in der materiellen Welt verankert, auch wenn er deren ätherischere Aspekte erforscht. Seine Abstraktionen sind stets in einer konkreten Erfahrung der Welt und in einer genauen Beobachtung der alltäglichen Realität verankert.
Es steckt etwas zutiefst Radikales in diesem Ansatz. Zhang bietet uns eine Form des stillen Widerstands, eine Feier der Langsamkeit und Aufmerksamkeit. Seine Werke laden uns ein, langsamer zu werden, zu beobachten, über jene Aspekte unserer Umwelt zu meditieren, die wir zu oft als selbstverständlich ansehen. Der Einfluss der buddhistischen Philosophie ist in seiner Arbeit spürbar, nicht auf explizite oder dogmatische Weise, sondern in seiner Art, die Realität zu erfassen. Die Idee, dass alle Phänomene miteinander verbunden sind, dass die Form leer ist und das Leere Form ist, findet in seinen Kompositionen einen kraftvollen Widerhall, in denen sich die Objekte gleichzeitig materialisieren und auflösen.
Zhang Enli ist es gelungen, unseren Blick zu verändern und uns die Welt anders sehen zu lassen. In einer Zeit, die von visueller Überladung und dem Wettlauf um Neuheiten geprägt ist, bietet uns sein Werk einen Raum der Kontemplation, eine Einladung, die Poesie des Alltags neu zu entdecken. Zhang Enli zeigt uns, dass es immer noch möglich ist, eine Kunst zu schaffen, die zugleich tief zeitgenössisch und zutiefst menschlich ist, eine Kunst, die unsere gemeinsame Erfahrung anspricht und dabei die Grenzen unserer gewöhnlichen Wahrnehmung überschreitet.
Es ist an der Zeit, Zhang Enli als einen der wichtigsten Künstler unserer Zeit anzuerkennen, nicht weil er versucht, die zeitgenössische Kunst zu revolutionieren, sondern gerade weil er uns daran erinnert, was Kunst in ihrem besten Zustand sein kann: ein Mittel, unsere Wahrnehmung der Welt zu verändern, die verborgene Schönheit des Alltäglichen zu enthüllen und uns mit einer tieferen Dimension der Existenz zu verbinden.
Im Gegensatz zu vielen Künstlern seiner Generation, die sich explizit mit politischen oder sozialen Themen auseinandersetzen, hat Zhang einen subtileren, poetischeren Ansatz gewählt. Seine frühen figurativen Werke aus den 1990er Jahren, die Alltagsszenen in Shanghai darstellen, zeugen bereits von einer einzigartigen Sensibilität und einer besonderen Aufmerksamkeit für scheinbar unbedeutende Details des urbanen Lebens.
Doch wirklich begann Zhang, seine persönlichste künstlerische Sprache zu entwickeln, in seiner Übergangsphase zur Objektmalerei Anfang der 2000er Jahre. Seine Serien von “Behältern”, Kartons, Eimern, Rohren, können als tiefgehende Meditation über die Natur der Existenz verstanden werden. Damit ist er nicht nur ein bedeutender Künstler unserer Zeit, sondern auch ein wahrer Philosoph des Sichtbaren, ein Dichter des Gewöhnlichen, der unseren Blick verändert und unsere tägliche Erfahrung bereichert.
