Escuchadme bien, panda de snobs, existe un fenómeno en el arte contemporáneo que merece vuestra atención inmediata. Vojtěch Kovařík, este joven pintor checo nacido en 1993, desmonta con audacia los mitos antiguos para resucitarlos mejor en nuestro mundo contemporáneo.
Sus lienzos monumentales no son solo reinterpretaciones de la mitología griega, son revelaciones visuales que transforman esos relatos ancestrales en comentarios incisivos sobre nuestra sociedad. Sus figuras hercúleas, con proporciones exageradas y tonos azulados, verdosos o amarillentos, ocupan el espacio con una presencia a la vez imponente y vulnerable.
Pero cuidado: esto no es un simple ejercicio de apropiación cultural, como sugirió un crítico de Art Review. Es más bien una subversión profunda y necesaria de los cánones occidentales. Kovařík desarraiga estas figuras de su contexto clásico europeo y las transforma en cuadros que interrogan la construcción misma de nuestra identidad cultural.
Tomemos un poco de perspectiva para examinar lo que realmente hace Kovařík. Crea divinidades pintadas que parecen surgir de un reino intermedio entre la escultura y la pintura. El artista, formado inicialmente en cerámica, incorpora arena en sus pinturas, confiriéndoles una textura granulada que evoca la piedra y el mármol. Esta técnica recuerda la teoría de la háptica desarrollada por Aloïs Riegl, para quien el arte evoluciona entre la percepción táctil y óptica [1]. En las obras de Kovařík, la superficie del cuadro se convierte en un territorio donde los dos modos perceptivos se entrelazan, reavivando el poder físico de la imagen en una época en la que estamos abrumados por imágenes intangibles en nuestras pantallas.
Hay algo deliciosamente irónico en la forma en que sus personajes mitológicos parecen prisioneros del lienzo, como si el marco fuera demasiado pequeño para contener su inmensidad. En “Atlas sostiene el firmamento sobre sus hombros” (2023), la figura monumental de Atlas parece aplastada por el peso del firmamento, pero también por los límites mismos del lienzo. ¿No es acaso una metáfora perfecta de nuestra condición contemporánea? Todos somos Atlas modernos, aplastados por el peso de los mitos culturales que llevamos sin siquiera darnos cuenta.
Kovařík se inscribe en una línea de artistas que han reinterpretado la mitología a través de su propia sensibilidad, como Picasso durante su período neoclásico o Francis Bacon con sus figuras torturadas. Pero a diferencia de sus predecesores, Kovařík inyecta una dosis de humanidad en estas figuras divinas. Su Hércules no es el héroe triunfante de la tradición clásica, sino un personaje melancólico e introspectivo. En “Hércules moja sus flechas en la sangre negra venenosa de la hidra” (2023), no vemos el momento de gloria del combate, sino el después, un momento de calma contemplación que humaniza al semidiós.
Hablando de contemplación, es imposible ignorar los paralelos entre el trabajo de Kovařík y el pensamiento de Friedrich Nietzsche sobre la mitología griega. En “El nacimiento de la tragedia”, Nietzsche explora cómo los griegos utilizaban el arte para transformar el horror de la existencia en algo soportable [2]. De igual manera, Kovařík toma los relatos a menudo violentos de la mitología griega y los transforma en meditaciones visuales sobre la condición humana. Sus dioses no son distantes ni perfectos, sino imperfectos y vulnerables, al igual que nosotros.
Este enfoque de desmitificación es particularmente evidente en su representación de las figuras femeninas. Su “Afrodita” no es la diosa etérea y delicada de Botticelli, sino una figura imponente y poderosa. Es una diosa que se niega a ser reducida a un simple objeto de deseo masculino. En un mundo del arte aún dominado por la mirada masculina, esta reinterpretación de las figuras femeninas de la mitología es a la vez refrescante y necesaria.
La paleta de colores de Kovařík es tan subversiva como sus temas. Sus azules eléctricos, verdes ácidos y naranjas ardientes crean un universo visual que oscila entre el sueño y la pesadilla. Estos colores no naturalistas nos recuerdan que estamos en un reino mitológico, al tiempo que nos anclan firmemente en el presente con su vibrante contemporaneidad.
Como crítico de arte, a menudo me enfrento a artistas que se esconden detrás de referencias culturales sin aportar nada a la conversación. Kovařík no es uno de ellos. Verdaderamente digiere sus influencias, desde Picasso hasta Léger, de las esculturas soviéticas a los frescos mexicanos, para crear algo profundamente personal y contemporáneo.
Su trabajo es particularmente relevante en nuestra época en la que la derecha radical se apropia de la antigüedad clásica como símbolo de una supuesta “cultura occidental” pura. Al representar a Hércules con diferentes colores de piel y rasgos andróginos, Kovařík demuestra lo absurdo de esa apropiación. Nos recuerda que esos mitos pertenecen a toda la humanidad, no solo a quienes quieren usarlos para construir muros culturales.
Nietzsche nos enseñó que los mitos no son verdades eternas, sino construcciones culturales que evolucionan con nosotros [3]. Kovařík parece comprender profundamente esta idea. Sus pinturas no son ilustraciones de mitos antiguos, sino reinvenciones que los hacen relevantes para nuestra época.
La filosofía nietzscheana también está presente en la tensión entre lo apolíneo y lo dionisíaco que se encuentra en la obra de Kovařík. El equilibrio formal de sus composiciones (el elemento apolíneo) contrasta con la expresividad cruda de sus pinceladas y colores (el elemento dionisíaco). Esta tensión crea una energía visual que mantiene al espectador en un estado de contemplación activa.
Lo que hace realmente cautivador el trabajo de Kovařík es que navega entre diferentes tradiciones artísticas. Toma prestado del arte clásico europeo, pero también de la estética de los carteles de propaganda soviética y del expresionismo de los muralistas mexicanos como Diego Rivera y José Clemente Orozco. Esta fusión de influencias crea un lenguaje visual que trasciende las fronteras culturales.
Jorge Luis Borges, en su ensayo “Kafka y sus precursores”, sugiere que cada artista crea a sus propios precursores [4]. De igual manera, Kovařík crea su propia línea artística fusionando influencias dispares en un conjunto coherente. Su pintura “Four Seasons” (2023), con su representación de Perséfone, evoca tanto los frescos antiguos como el arte contemporáneo, creando un puente temporal que desafía nuestra concepción lineal de la historia del arte.
La literatura comparada nos ofrece un marco interesante para entender la obra de Kovařík. Así como los estudios literarios examinan cómo los textos atraviesan fronteras culturales y lingüísticas, la obra de Kovařík atraviesa fronteras temporales y estilísticas. Él crea lo que Homi Bhabha llamaría un “tercer espacio” [5], un lugar de negociación cultural donde pueden emerger nuevos significados.
En “Leandros y Hero” (2024), Kovařík representa la trágica historia de dos amantes separados por el mar. La composición, con Hero sosteniendo un orbe luminosa y con la mirada baja, mientras Leandros flota sobre ella, capta perfectamente el momento de tensión antes de la catástrofe. Es un cuadro que habla de amor, pero también de separación y límites, temas universales que resuenan a través de las culturas y las épocas.
El crítico literario Harold Bloom habló de “la ansiedad de la influencia” [6], esa ansiedad que sienten los artistas ante el peso de sus predecesores. Kovařík parece haber transformado esa ansiedad en una fuerza creativa. No intenta escapar de la influencia de la historia del arte, sino que la abraza mientras la subvierte.
Lo que más me impacta del trabajo de Kovařík es su sinceridad. En un mundo del arte a menudo cínico y autorreferencial, se atreve a crear obras que hablan directamente a las emociones humanas fundamentales: el amor, el miedo, la melancolía, la búsqueda de sentido. Sus cuadros no son juegos intelectuales fríos, sino expresiones cálidas y palpitantes de la condición humana.
Vojtěch Kovařík nos recuerda por qué necesitamos mitos: no como relatos fijos de un pasado idealizado, sino como historias vivas que evolucionan con nosotros, ayudándonos a navegar en la complejidad de nuestra existencia. Sus titanes transfigurados son nuestros espejos contemporáneos, reflejando nuestras propias luchas y aspiraciones en un lenguaje visual que trasciende el tiempo.
Así que la próxima vez que alguien diga que la pintura figurativa está pasada de moda, remítanlos a la obra de Kovařík. Muéstrenles cómo este artista checo reinventa este antiguo medio para nuestra época turbulenta. Y si eso no los convence, bueno, que se vayan a otra parte. El arte es demasiado importante para dejarlo en manos de los cínicos y los desilusionados.
- Riegl, A. (1901). Industria del arte romano tardío. Viena: Instituto Austríaco de Arqueología.
- Nietzsche, F. (1872). El nacimiento de la tragedia. Leipzig: E.W. Fritzsch.
- Nietzsche, F. (1886). Más allá del bien y del mal. Leipzig: C.G. Naumann.
- Borges, J.L. (1951). “Kafka y sus precursores” en Investigaciones. Buenos Aires: Editorial Sur.
- Bhabha, H.K. (1994). La localización de la cultura. Londres: Routledge.
- Bloom, H. (1973). La ansiedad de la influencia: una teoría de la poesía. Nueva York: Oxford University Press.
