よく聞いてよ、スノッブな皆さん。指で描き、現代アート市場のほこりっぽい基盤を揺るがすことに成功した男がここにいます。1984年アクラ生まれのトーマス・アモアコ・ボアフォは、単に黒人の身体を描くだけでなく、絵の中でそれらを彫刻し、指の先で優しく撫で、その存在が電気的な振動を放ち、私たちを挑発し、呼びかけ、本当の意味で見ることを強制します。
現代アフリカ美術への注目がようやく高まるこの時代に、ボアフォは波に乗るのではなく、自らの津波を生み出しています。彼の壮大な肖像画、私たちを強烈な視線で見つめる生きた絵画は、単なる黒い美の称賛以上のものです。それは、現代肖像画の規範を再定義し、他者性に対する私たちの関係を問い直す視覚的宣言です[1]。
ボアフォの技術は単なる道具ではありません。彼が筆を放棄して指で直接油絵具をこね、顔や身体に命を吹き込むコバルトブルーや焼けたオーカーの官能的な渦を描くとき、それは深く政治的な行為となります。この触覚的かつほぼ彫刻的なアプローチは、絵を描く行為を愛撫に変え、対象の人間性の身体的承認に変えます。
アクラのオス地区で生まれたボアフォは、芸術が実現可能なキャリアとは見なされないガーナで育ちました。2008年にガナッタ芸術デザイン学院を卒業し、肖像画部門でトップとなった彼は、その後準プロのテニス選手として挑戦を試み、2013年にウィーンで美術アカデミーに進学しました。この帝国都市でオーストリアにおける黒人の周縁化に直面し、彼は芸術の道を見つけました。
エゴン・シーレがボアフォの作品に与えた影響は否定できませんが、それは単なる様式的な引用を超えています。シーレが20世紀初頭のウィーンのブルジョアジーの実存的不安を探求したのに対し、ボアフォはこの表現主義の伝統を利用して、西洋美術によって長い間見えなくされてきた身体の尊厳と美しさを主張しています。特に自画像は、オーストリアの巨匠の苦悩した裸像を思わせる、自認された脆弱性を持って黒人男性性のステレオタイプに挑戦しています。
親密さの建築
ロンドンのギャラリー・ガゴシアンで最近終了した展覧会「I Do Not Come to You by Chance」（2025年4月10日から5月24日）は、ボアフォの実践の新たな側面を明らかにします。建築家グレン・デロシュとの協働で、アクラの幼少期の自宅の中庭を再現し、ギャラリーの空間を没入型の環境に変えました。このインスタレーションは、絵になるものではありません。ガーナ文化を特徴付ける共同体と集団学習の概念に対する建築的な考察を示しています。
伝統的なアフリカの建築、特に中央の中庭を中心とした空間の配置は、西洋の個人主義とは根本的に異なる原則に基づいています。植民地時代およびポスト植民地時代の都市計画では、これらの共同体空間はしばしば無視または破壊され、ヨーロッパのモデルを優先してきました。ロンドンの最も権威あるギャラリーの一つでこの中庭を再現することで、ボアフォは象徴的な強力な逆転を行っています。
この取り組みは、ミュージアムやギャラリーの空間を権力の場所として問い直す現代アーティストの流れの中に位置づけられます。1970年代に展開された制度批判の戦略とは異なり、ボアフォは告発を目指していません。彼は提案し、主張し、社会空間に対する自身のビジョンを押しつけます。中庭はアトリエの比喩となり、知識の交流と伝達の場となります。
このインスタレーションの建築は、単なる舞台演出を超えた論理で展示作品と対話しています。特に「Self-Portrait with Cacti」（2024年）のような、4メートルを超えるキャンバスに描かれた自画像は、豊かな植物に囲まれて寝床に横たわる姿が、この文脈で新たな側面を帯びています。家庭内の親密さが政治的空間、すなわちアイデンティティの割り当てに対する抵抗の領域として現れているのです。
複数の作品に見られる花柄の壁紙の使用は偶然ではありません。これらの模様はヨーロッパ起源であり、植民地史とアフリカとヨーロッパの複雑な文化交流を思い起こさせます。ボアフォはそれらを拒絶するのではなく、自らの造形語彙に取り込み、国境を越えた自身の経験を反映した視覚的統合を作り上げています。建築はボアフォにとって、美学であると同時に政治的言語となっています。彼の空間は、ガーナのアトリエであれ一時的なインスタレーションであれ、主流の空間秩序に対する対案として機能し、現代アート市場の個人主義的な論理に抵抗する共生のあり方を主張します。
この建築的側面は、2022年にアクラで始まったプロジェクトdot.ateliersで最も完成された形で表現されています。単なるアーティスト・レジデンス以上のものであり、デイヴィッド・アジャイが設計したこの空間は、西洋の文化インフラに対する真の代替となっています。アフリカで自律的な芸術生態系を創出することで、ボアフォはヨーロッパやアメリカの首都を通じた伝統的な芸術的正当化の回路を短絡させています。
視線の社会学
ボアフォの作品は、視線の社会的構築と相互認識のメカニズムを根本的に問いかけています。彼の肖像画は単に黒人の個人を描くだけではありません。現代社会における社会的可視性の様式を分析・解体しています。
社会学は、見る行為が決して中立的でないことを教えています。それは権力関係、社会的階層、何を見るに値するか、そしてどのように見るかを決定する価値体系に組み込まれています。ボアフォの肖像画はこの社会的視線の転換装置として機能します。彼のモデルは、多くが彼の個人的な円やアフリカの芸術シーンの出身者で、彼らは伝統的な視覚的支配関係を逆転させる安定した自信をもって私たちを見据えています。
この戦略はW.E.B.デュボイスがアメリカ黒人の経験における「二重意識」について行った分析を思い起こさせます。それは内側からと支配グループの視点から同時に自分を見る能力です。ボアフォは主要な展覧会のひとつに『Soul of Black Folks』という題名を付けており〈sup〉[2]〈/sup〉社会学者への直接的な言及として、この二重意識を創造力の力に変えています。特に彼の自画像は、親密さと政治性の間の緊張を驚くべき鋭さで探求しています。
ボアフォの作品の社会学的分析は、そのパフォーマティブな側面も明らかにします。主に自信と威厳のポーズを取る黒人の被写体を描くことにより、彼は単に社会的現実を記録するのではなく、それを創出し、演出し、実際には否定され隠されていたものを可視化しています。このパフォーマティブな次元は、ジェイコブ・ローレンスからケヒンデ・ワイリーに至るアフリカ系アメリカ人の美術の伝統に位置づけられますが、ボアフォは特にアフリカ的な視点をそこに持ち込みます。
社会階級の問題は、ボアフォの作品において控えめながらも絶えず横断しています。漁師の息子で料理人の母を持つ控えめな環境で生まれた彼は、国際的な評価を得る前に不安定さを経験しました。この経験は、彼のモデルの選択や表現の仕方に反映されています。時に現代の肖像画家が見せる華やかさを遠ざけ、ボアフォは階級の壁を超えるリラックスしたエレガンスを育んでいます。
芸術家の友人、家族のメンバー、彼が敬愛する著名人の肖像は、現代黒人クリエイティブ・ブルジョワジーの肖像ギャラリーを形成しています。しかし、この新興の文化的エリートは決して甘やかされた形で描かれることはありません。洗練された服装、洗練されたポーズ、カラフルな背景は社会的成功のシンボルとして機能しつつも、より深い脆弱性を隠す仮面ともなり得ます。
ボアフォ作品の社会学的次元は、彼のコミュニティへの関与において最も明白に現れています。dot.ateliersは単なる芸術プロジェクトではなく、真の社会実験所です。ガーナの若手アーティストに無料の作業空間を提供し、作家やキュレーターのためのレジデンス・プログラムを運営することで、ボアフォはアフリカの新世代の知識人およびクリエイターの誕生条件を作り出しています。
このアプローチは、現代アート市場を支配する新自由主義的な論理に正面から対抗しています。西洋のシステムが個人競争と象徴資本の蓄積を優先する一方で、ボアフォは協働的かつコミュニティ志向のモデルを提唱しています。この哲学は彼の芸術実践にも反映されており、絵画は他者への認識と祝福のジェスチャーとなっています。
ボアフォの作品の社会学的影響は芸術の領域をはるかに超えています。黒人表象の新しい美学を確立し、代替的な機関を創設し、美術市場のある種の投機的論理を拒否することで、彼はグローバルな文化エコシステムにおける力関係の再定義に寄与しています[3]。彼の商業的成功は、2021年にクリスティーズで340万ドルで売れた「Hands Up」に頂点を迎え、この代替案が経済的に成り立つことを証明しています。
しかし、ボアフォはこの成功の危険性を自覚しているようです。最近の声明で彼は、展示のペースを落として他のプロジェクト、特にテニスアカデミーの創設や建築プロジェクトの展開に専念したい意向を表明しています。この多角化の意志は、反体制的な芸術活動を脅かす回収メカニズムを的確に理解していることを示しています。
2021年のディオールとのパートナーシップは、フランスの老舗ブランドとアフリカ出身芸術家との初コラボレーションであり、この緊張関係を如実に示しています。一方で、この提携はボアフォに国際的な知名度と多大な資金をもたらしますが、他方で商業的回収や政治的メッセージの希釈に対する批判に晒されます。彼はこの厳しい状況を卓越した戦術的知性で航行しており、システムの資源を活用して代替プロジェクトに資金を提供しています。
創造的エコシステム
ボアフォの野望は単なる個別作品の制作をはるかに超えています。dot.ateliersとともに、彼は西洋文化インフラとは根本的に異なる原則に基づく真の創造的エコシステムを構築しています。この体系的アプローチは現代の芸術創造が直面する課題を高度に理解していることを明らかにします。
アクラにあるデイヴィッド・アジャイ設計の空間は単なる芸術制作の場所ではありません。新たな創造的コラボレーションの形態が試される社会実験室として機能しています。図書館、カフェ、スタジオ、展示ギャラリーは偶発的な出会いや予期しないコラボレーションが生まれやすい環境を作り出しています。このセレンディピティの建築は、現代多くの文化機関を特徴づける収益化や最適化の論理に対抗しています。
2024年にdot.ateliers | Ogbojoと共に開始された作家・キュレーターのレジデンシープログラムは、学際的な架け橋を作ろうとするこの意志を示しています。理論家や批評家を視覚芸術家と共に迎え入れることで、ボアフォは新しい美学の誕生における言説と理論的思考の重要性を認識しています。この包括的な創造アプローチは、芸術実践と知的思索を組み合わせた歴史的な大前衛を彷彿とさせます。
これらのイニシアティブの影響は、国際的な評価を得始めているガーナおよび西アフリカの新世代の芸術家の登場によって既に測られています。ロバーツ・プロジェクツ（ロサンゼルス）で展示を行うボアフォの幼馴染、オーティス・クワメ・カイ・クウォコのようなアーティストたちがこの集合的ダイナミズムの恩恵を受けています。この集団的発展戦略は、通常美術市場を支配する個人主義論理に対抗しています。
このプロジェクトの経済的側面は特に興味深いものです。Boafoはアフリカで持続可能な芸術エコシステムを構築することで、創造的周縁地域とアート市場の中心地との関係に特徴的な価値抽出の従来のメカニズムを回避しています。彼のワークショップで訓練を受けたアーティストは、もはや西洋の大都市に移住して認知を得る必要はありません。彼らは現地で制作を続けつつ国際的な注目を享受できます。
このアプローチは、文化機関の脱植民地化に関するより広い考察の一部をなしています。しかし、単なる批判的な言説が代替案を示さずに非難するのとは異なり、Boafoは具体的に別の文化的グローバリゼーションの仕組みを構築しています。彼のワークショップは、地域の特性を尊重しつつグローバルネットワークに属する、ポストコロニアルな機関のプロトタイプとして機能しています。
指の錬金術
Boafoの絵画技法は、彼のスタイルの最も即座に認識できる要素をなすため、じっくりと注目に値します。しかし、この美学の署名的特徴は、そのアプローチの背後にある高度な概念的洗練を隠してはなりません。筆を捨てて直接指で絵具をこねることで、Boafoは人類の最初の芸術表現を連想させる原始的な動作を再現しています。この一見すると創造の初期段階への退行は、実際には精緻な概念的戦略を隠しています。モデルの肌を自らの指で描くことで、アーティストは媒介された物理的接触を確立し、表象行為を愛撫へと変えています。
この絵画における触覚的側面は、身体的儀式を伴う造形創作文化を分析する芸術人類学の論考を思い起こさせます。多くのアフリカの伝統において、芸術品の製作はアーティストの身体と扱われる素材との直接的接触を含みます。Boafoはこの創造の儀礼的な側面を再活性化すると同時に、それを西洋の現代美術の文脈に組み込んでいます。
この技術で得られる視覚効果は単なるエピソードを超えています。指で描かれた絵具の渦は質感の効果を生み出し、顔や身体に圧倒的な存在感を与えています。この絵具の物質性は、表面やスクリーンに対する現代の執着と共鳴しています。画像が非物質化する世界において、Boafoは絵具の厚みと官能性を主張しています。
アーティストが用いる色彩パレットは巧妙な色彩探求を示しています。彼のモデルの肌を形作る茶色、オーカー、コバルトブルー、紫は写実的な慣習から脱し、黒い肌のあらゆる可能な色調の豊かさを探求しています。この色彩の自由はゴーギャンからフォーヴまでの絵画の伝統に位置づけられますが、Boafoは特に黒人の身体の表現にそれを適用し、前例のない色彩語彙を創造しています。
衣服や背景に写真転写を用いることは、技術的コントラストを生み出し、作品の読み解きを豊かにしています。これらの方法の不均質さは、メディアのハイブリッド化を受け入れるポストモダン的絵画アプローチを明らかにしています。Boafoは技術の純粋さではなく表現の効果を求め、あらゆる手法を混合することさえいといません。
彼のポートレートの彫刻的な側面は、評論家によってしばしば強調されますが、より詳しく分析されるに値します。指で描かれた絵の塗り重ねは、確かに顔に彫刻を思わせる浮き彫りを与えます。しかし、この三次元性はあくまで絵画的なものであり、絵画と彫刻を隔てる境界線を実際に越えることはありません。このジャンルの曖昧さは作品の概念的な複雑さを豊かにしています。
指で描く技法によって求められる速さもまた、ポートレートの全体的な美学に影響を与えています。Boafoは一度の動きをやり直したり、修正したりすることができません。この技術的な制約が、顔に表現の強さを与える制御された即興性の形を生み出しています。画家は絵画的な動作の一瞬にモデルの本質を捉えなければならず、それが彼のポートレートに特別な生命力を与えています。
この身体的表現のアプローチは、特にジャクソン・ポロックのアクション・ペインティングといったアメリカの抽象表現主義と繋がっています。しかし、ポロックが純粋な動作のために具象を排除したのに対し、Boafoは身体的パフォーマンスと表象を融合させています。彼は技術の過激さとアイコノグラフィーの分かりやすさを両立できることを証明しています。
この手法におけるエゴン・シーレの影響の認識は、西洋美術史への深い理解を示しています[4]。Boafoはウィーンの巨匠の形式的解決策を模倣するのではなく、その表現的な具象表現のアプローチから着想を得ています。彼はシーレの美術が伝える心理的強度の教訓を自身の造形言語に翻訳し、まったく異なる主題に適用しています。
自画像はこの技術的経済の中で特異な位置を占めています。Boafoが自らの顔を指で描くとき、彼は自己愛撫の動作を行い、これらの作品に微妙な自己官能的な次元を与えています。この明示的な官能性は、しばしば力や脅威のイメージに限定される従来の黒人男性性の表象に対抗しています。画家は、黒人男性の身体の脆弱性と美を大胆に描き出し、その勇気に敬服せざるを得ません。
この指の技術は、現代芸術市場でスタイルの即時認識を求める傾向が強い中での商業的な署名としても機能しています。愛好家は一目でBoafoの作品と識別でき、これは我々の時代の注意経済において決定的な利点となります。しかし、この識別の容易さは、この技術的アプローチの背後にある概念的な複雑さを覆い隠すべきではありません。
抵抗としての芸術
明らかな美的価値を超えて、Boafoの作品は現代の文化的支配の形態に対する政治的抵抗として機能しています。この反抗的な側面は明確な運動論的な言説では表されず、ただ黒さの美と尊厳の単純な主張の中に表れています。
黒人の身体のイメージがしばしば苦悩、暴力、またはエキゾチシズムに結びつけられる世界において、Boafoは根本的な美学的代替案を提示しています。彼のモデルは静かな自信を持ってポーズを取り、固定観念に挑戦しています。彼らは許可や承認を求めることなく平等に我々を見つめています。この黒さの美の明白さ自体が強力な政治的行為となっています。
画家はメッセージ性のあるアートの罠に陥ることなくこの美学革命を成し遂げています。彼のポートレートはプロパガンダや迎合から逃れており、まず視覚的な力で存在感を示し、その後に政治的メッセージを届けます。この美的魅力の戦略は現代アートの受容メカニズムを深く理解していることを示しています。
ジェフ・ベゾスと協力して、ブルーオリジンのロケットに自作の3作品を飾るということは、権力の最も意外な場所に浸透する能力を完璧に示しています。母親、自身、そして友人であるアーティストの母親の肖像を宇宙に送り出すことにより、Boafoは非常に大きな意義を持つ象徴的な行為を成し遂げました。星々に向かって旅するこれらの黒人の肉体は、歴史的に西洋の白人エリートに限定されていた宇宙探査の伝統的な物語をひっくり返します。
この浸透戦略は、対立的な正面からの反対ではなく、Boafoの政治的アプローチの全体を特徴づけます。芸術界の排除の仕組みを非難する代わりに、彼は自らの制度を創設してそれらを回避します。芸術の商業化を批判する代わりに、商業的成功を利用して代替的なプロジェクトを資金援助しています。
特に2019年に断ったあの100万ドルの契約のような、いくつかの破格の契約を拒否することは、資本の蓄積に還元されない芸術観を示しています。この節度の倫理は、現代芸術家のしばしば過剰な承認欲求や金銭欲と対照的です。
Ghanaの芸術シーンの発展に対するBoafoの取り組みは、建設的な抵抗のロジックに沿っています。新しい世代のアフリカ人アーティストを育成し、自律的な文化インフラを創設することで、彼は世界的な芸術エコシステムにおける力のバランスの再調整に寄与しています。
この芸術の政治的アプローチは、明確な理論的参照にとらわれません。Boafoは公的声明でフランツ・ファノンやエドゥアール・グリサンを引用しません。彼の政治は言葉ではなく具体的な行動で表現されます。この実用的な効率性は、表面的な運動家の姿勢を超えた政治的な成熟を示しています。
Boafoの国際的成功は、芸術的野心と政治的コミットメントを両立させ、一方を犠牲にしないことが可能であることを示しています。彼の最も権威ある西洋のギャラリーでの展覧会にもかかわらず、彼はアフリカのルーツを保持し続けています。複数の世界を裏切ることなく渡り歩くこの能力は、彼の経歴の最も貴重な教訓の一つとなっています。
だからこそ、Amoako Boafoは私たちの時代の最も重要なアーティストの一人と見なされています。それは単に彼の肖像画の美しさや技法の独創性のためだけではなく、芸術を社会変革の道具に変える能力のためです。危機に瀕した世界において、彼の作品は美しさが抵抗の行為になりうること、そして芸術が私たちの最後の真の自由の空間の一つであることを思い起こさせます。
現代芸術市場がしばしば退屈した億万長者の単なるカジノのように見える一方で、Boafoは依然として芸術を集団解放の媒介にすることが可能であることを証明しています。それがおそらく彼の最も美しい成功であり、それを破壊しようとするシステムの中心にユートピアを維持することができたことです。その偉業は私たちの敬意と持続的な注目に値します。
- ガゴシアン・ギャラリー、アモアコ・ボアフォのアーティストプロフィール、2025年。
- デンバー美術館、『ソウル・オブ・ブラック・フォークス：アモアコ・ボアフォガイド』、2023年。
- ヒューストン現代美術館、展覧会資料『ソウル・オブ・ブラック・フォークス』、2022年。
- ベルヴェデーレ美術館ウィーン、展覧会カタログ『プロパー・ラブ』、2024年。
