よく聞いてよ、スノッブな皆さん。カイ・アルトホフについて話しましょう。1966年にケルンで生まれたこのアーティストは、30年以上もの間私たちの神経を弄んできました。現代美術についてあなたが知っていると思うすべてを忘れてください。アルトホフは、私たちの時代が盲目的かつ哀れにも崇拝する芸術家起業家の完全な対極にあります。
小さな2部屋のアパートで仕事をすることを好み、ギャラリストたちが週毎の買い物に来るような派手なアトリエではなく、彼自身のキャンバスにおしっこをしてからそれを売り、そのギャラリーをアンダーグラウンドのバーに変え、果ては拒否の手紙を芸術作品としてドクメンタに出品した芸術家を想像してください。もしあなたがすでに激怒で髪を引き抜いていないなら、引き続きお読みください。
この第一部では、アルトホフの特異性を成すもの、つまり展示空間に対する彼独自の関係と芸術的プレゼンテーションの根本的な考え方へと潜ります。2016年のMoMAでの回顧展では、彼は考えられないことをしました。作品のいくつかを梱包箱のままにし、厳粛な近代美術の神殿を詩的な倉庫に変えたのです。この決定は、単なる機関へのあざけりではなく、現代の私たちが芸術を消費する方法についての深い考察でした。
アルトホフの指揮のもと、ミュージアムの空間は、慣習が体系的に迂回される不条理の劇場となります。彼は天井に白い布を張り巡らせ、即興のテントを作り出し、それは東洋のスークと子供の小屋を同時に想起させます。この変貌は、クロード・レヴィ＝ストロースの創造的思考の方法としてのブリコラージュの理論を想起させます。そこでは要素が本来の機能から逸脱し、新しい意味体系を創造します。
アルトホフの舞台美術は、私たちの消毒された近現代美術の概念への挑戦です。2020年のホワイトチャペル・ギャラリーでは、彼は陶芸家バーナード・リーチの作品と自身の作品を不可能な対話に掛け合わせ、伝統工芸と現代美術を並置し、純粋主義者たちを絶叫させるであろう死の舞踏を演じました。彼がデザインしたショーケースは人工的な錆で色づけられ、トラヴィス・ジョセフ・マイノルフが織った布で覆われており、不遜な聖遺物の箱のように不完全さの美しさを称えています。
この破壊的な展示アプローチは、ヴァルター・ベンヤミンと彼の芸術作品の「アウラ」の概念に遡る哲学的伝統に位置付けられます。アルトホフは伝統的な芸術のアウラを保存しようとはせず、それを意識的に解体し、新しい、より曖昧で、より不安をもたらすアウラを創り出しています。彼のインスタレーションは時間の迷宮であり、時代が衝突し、過去と現在が目眩くワルツを踊ります。
彼の展覧会では、作品が地層のように積み重なり、集合的記憶の架空の考古学を創り出しています。絵画はさまざまな高さに掛けられており、時には床に非常に近くて屈んで見なければならないこともあれば、時には非常に高くて空間に浮かんでいるかのように見えます。この無秩序な配置は観客に積極的な探検者となることを強いるものであり、伝統的な芸術鑑賞の受動性に疑問を投げかけます。
アルトホフの作品の第二の特徴は、人間の表現および共同体の力学に対する彼の独自のアプローチにあります。彼の絵画には熱狂的な夢から出てきたかのような人物たちが住みます：中世の修道士がパンクと並び、制服を着た学生がハシディック・ユダヤ人と混ざり合います。これらのありえない人物の融合は、ミハイル・バフチンのカーニバル的理論および複数声部性を想起させる物語的緊張を生み出します。
例として、2009年から彼が住んでいるクラウンハイツのハシディック共同体に捧げられたシリーズがあります。これらの作品は単なる民族誌的資料ではなく、異質性と帰属に関する複雑な瞑想です。彼が描く人物たちはさまざまな意識状態の間に浮遊しているようで、同時に存在し、欠如し、馴染み深くも異質であるかのように見えます。
アルトホフの絵画技法はその主題と同様に独特です。彼は時間に色あせたようなパレットを使います：くすんだオーカー、苔緑、色あせた青色。これらの色はローラン・バルトの写真に関する理論と「かつてあったもの」の概念を思い起こさせる憂鬱な雰囲気を生み出します。しかし時に、鮮やかな色が沈黙の中の叫びのように構図の中に爆発し、全体に電撃的な劇的緊張を作り出します。
彼の人物はしばしば激しくも曖昧な交流の瞬間に描かれます。2018年の無題作品では、二人の若者が黄色の黙示録的な空の下、花畑の中で親密な瞬間を共有しています。このシーンは、優しくも不気味な両面を持ち、アルトホフが異なる感情の領域の間を揺れ動くイメージを創出する能力を完璧に示しています。
アーティストはコミュニティを描くだけでなく、自身の芸術的実践を通じてそれらを積極的に創造します。彼の他の芸術家やミュージシャン、職人とのコラボレーションは、現代美術の支配的な個人主義を超越しようとする深い願望を示しています。音楽グループWorkshopへの参加や多数の集団パフォーマンスは、彼にとって芸術とは何よりも共有された体験であることを示しています。
彼の作品のこの集合的な側面は、観客の役割の概念にも広がっています。彼のインスタレーションでは、聴衆は単なる観察者ではなく、作品の不可欠な一部となります。迷路のような空間を移動する訪問者は、現実とフィクションの境界がぼやける記憶の劇場における無意識の役者になります。
アルトホフが使う素材はまた、この曖昧さの美学に寄与しています。彼は非伝統的な支持体に描きます：使い古された布、経年変化した紙、回収された段ボール。これらの表面は既にそれ自体の歴史を持ち、絵画の層の下に過去が透けて見える視覚的な証言を創り出します。この物質的アプローチは、ジョルジュ・ディディ＝ユベルマンのイメージの生存と時間の記憶を担う能力についての考察を想起させます。
アーティストは、作品に見つけたオブジェクトを取り入れることで、素材の探求をさらに深めています。ヴィンテージのマネキン、使い古された家具、古い布が時代のカプセルのような環境を作り出し、不具合のある小箱として歴史の断片が現在に漏れ出しています。このオブジェクトの蓄積は、ウォルター・ベンヤミンのコレクターをモダニティのメランコリックな象徴とする理論を思い起こさせます。
アルトホフの実践は時間性に関する深い思索に根ざしています。彼の作品は過去にも完全に属さず、現在にも完全に存在していない、宙に浮いた時間の中にあるように見えます。この時間的アプローチは、モーリス・メルロー＝ポンティの知覚と時間性に関する考察を反映しており、時間は連続した瞬間の線形ではなく、私たちの世界存在の根本的な次元であると考えます。
彼の芸術界の慣習への頑固な拒否は単なる反抗的な態度ではありません。それは私たちの芸術の生産と受容の方法を根本的に問い直す倫理的立場です。彼が拒否の手紙を芸術作品として提示することを選ぶとき、それは単なる挑発ではなく、芸術とその提示への私たちの関係を再考させる強制なのです。
アルトホフのインスタレーションは、過去の時間に戻る機械のように機能し、さまざまな時代が衝突する時間の短絡を生み出します。これらの空間で、観客は現在の考古学者となり、意味の層を掘り下げて自分自身の物語を構築します。このアプローチは、異なる画像や時代を並置して新たな意味の星座を作り出すアビ・ヴァルブルクの「モンタージュ」の概念を思い起こさせます。
彼の作品の物語性は特に魅力的です。彼の作品は完全には語られない物語を示し、観客にその空白を埋める役割を任せます。この断片的な物語のアプローチは、歴史を線形の進行ではなく瞬間の星座として捉えるウォルター・ベンヤミンの理論を想起させます。
彼の作品におけるドイツ表現主義の影響は明白ですが、アルトホフは単なる歴史的スタイルの再利用にとどまりません。むしろ中世美術、児童向けイラスト、民衆芸術の要素も取り込み、独自の合成を生み出しています。このスタイルの融合は、伝統的な美術史のカテゴリーを超越する独特の視覚言語を創出します。
彼の作品に繰り返し登場する宗教的な人物、修道士、ラビ、神秘主義者たちは、単なるエピソードではありません。それは彼の仕事全体を貫く精神的探求の証であり、失われた世界での超越性の追求です。この精神的次元は、ジョルジョ・アガンベンの現代社会における冒涜を抵抗の行為とみなす考察を想起させます。
アルトホフの芸術は、記憶が単なる映像や経験の蓄積ではなく、積極的な再構築と再解釈のプロセスであることを思い出させます。彼の作品は、時間、共同体、そして芸術そのものとの関わりを再考するよう私たちを招待します。新奇性や断絶に取り憑かれた世界において、過去は決して過ぎ去ったものではなく、善意の幽霊として現在に影響を与え続けていることを思い出させます。
彼の作品に直面するとき、私たちは彼が描く人物のように、異なる時間性の間に宙吊りになり、固定されることを拒む歴史の中で自分の居場所を探しています。彼の芸術は、真の現代性とは未来への激しい競争ではなく、過去との豊かな対話を維持し、時間を越えて響き合う反響や共鳴を認識する能力にあるのかもしれないことを思い出させます。
そして、もし私がこの芸術家に対して過度に寛容だと思うなら、彼が慣習に逆らうことを楽しんでいるように見えるとしても、これこそが私たちの芸術界に必要なものだと知ってください。つまり、私たちの確信に疑問を投げかけ、表面的なものを超えて見させ、生き生きと不安定な体験として芸術との関係を変えることができる創造者たちです。
アルトフの芸術は、現代美術の世界における増大する標準化に対する必要な解毒剤です。作品がますますSNSやアートフェア向けに作られる背景の中で、彼の妥協しない個人的なアプローチは、芸術がまだ深く変容をもたらす体験であり得ることを思い出させるありがたいリマインダーです。彼の作品は、夢や郷愁を経由しなければならなくても、真の体験の可能性を生き生きと保ち続けています。
