よく聞いてよ、スノッブな皆さん。クリスティーナ・クァールズ（1985年生まれ）は、エゴン・シーレとフランシス・ベーコンがアドビ・イラストレーターのアルゴリズムに育てられ、デイヴィッド・ホックニーの鮮やかな色彩で栄養を取り、オードリー・ロードの詩に包まれた子供を持ったかのように描きます。カリフォルニアのアルタデナにある彼女のアトリエで、この女性アーティストは身体とアイデンティティに関する私たちの確信を打ち破る絵画革命を指揮しています。彼女の巨大な作品は、曖昧さが絶対的な支配者として君臨し、肉体が変容し、アイデンティティが溶解して再創造される世界へと私たちを引き込みます。
クアールの作品は、彼女が描く身体の絡み合いのように交差する二つの主要な軸を中心に展開している。一つは私が「身体の過剰の美学」と呼ぶ根源的な探求であり、もう一つは絵画的断片化を通じたアイデンティティ表現の大胆な再発明である。この二つの次元は相互に豊かに作用し、現代アートにおいて稀有なビジュアル言語を生み出している。
“Held Fast and Let Go Likewise”（2020）は、この過剰の美学を完璧に体現したキャンバスである。構図の中央では、身体が官能的で苦悩に満ちた踊りのように絡み合い、その四肢はキャンバスの限界まで伸び、まるで枠組み自体の制約を挑戦するかのようだ。透けるようなラベンダー色から黄昏のオレンジ色へと揺れ動く肌は、生きているかのように変化し、身体の可能性の万華鏡へと目の前で変貌していく。
この身体へのアプローチは、哲学者モーリス・メルロー＝ポンティがその著書『知覚の現象学』（1945年）で述べた現象学的な認識を鮮明に反響させる。彼は「身体は私たちが世界を持つための一般的手段である」と書いた。クアールはこれをさらに推し進め、私たちの身体は世界に根を下ろすだけでなく、社会が押し付けようとする厳格なカテゴライズに抵抗する場でもあると示唆している。彼女の絵画では、身体は規範的な力と固定的な定義から逃れようとする欲望との間で絶え間ない戦いが繰り広げられる戦場となる。
彼女の構図を細分化する幾何学模様、鋭角なグリッド、幻覚的な花模様、光の刃のように空間を分断する色面は、単なる装飾要素ではない。これらは私たちのアイデンティティを封じ込め、定義し、制限しようとする社会構造を視覚的に比喩している。三連パネルで構成されたモニュメンタルな作品「Never Believe It’s Not So (Never Believe/ It’s Not So)」（2019）では、これらのモチーフが複雑な視覚的拘束の網を形成し、身体がそこをすり抜け、ねじれ、再発明する様子を描き出している。
クアールの技法自体が、制約と自由の緊張を体現している。彼女は直感的なキャンバスとのダンスの中で身体を使ってジェスチャー的に描き始める。そして自身の作業を撮影し、Adobe Illustratorでデジタル的に加工し、パターンを作成する。これをビニール製のステンシルを通じて再び絵画に取り入れる。この触覚とデジタル、有機的と幾何学的のハイブリッドが視覚的な緊張を生み、視線を常に覚醒状態に保つ。
作品「When It’ll Dawn on Us, Then Will It Dawn on Us」（2018）では、この緊張が極限に達している。身体は色彩の霞から浮かび上がり、重力を超えた抱擁の中で絡み合っているように見える。ラベンダーと桃色の肌は互いに溶け合い、どこからどの身体が始まり終わるのかを識別できない曖昧な領域を形成している。この意図的な混乱は単なるスタイル上の技巧ではなく、身体とアイデンティティの境界に関する先入観を問い直す哲学的戦略である。
この問題提起は、ジル・ドゥルーズの”身体なき身体”（corps sans organes）という思想と深く共鳴しています。これは身体が固定された存在というよりも、絶えず進化する可能性の場であることを示唆する概念です。クアールズの姿形は、その手足が増え、肉体が変容することで、この固定的かつ階層的な組織を拒む身体の考えを完璧に具現化しています。各画布は伝統的な解剖学的制約から解放された新たな身体観念を実験する実験室となります。
『Tha Nite Could Last Ferever』（2020）において、クアールズはこの探求をさらに推し進めています。彼女が創造する夜の空間はフーコーが語る意味でのヘテロトピアとなり、通常の身体性のルールが停止される場所です。深い青と黄昏のオレンジの色調で描かれた肉体は、周囲の闇に溶け込む一方で、強烈な身体的存在感を保っています。身体は時間の停止状態に浮遊し、重力や社会規範の束縛から解放されています。
クアールズの色使いは特に興味深いものです。彼女はリアルな肌色をあえて排除し、霧のようなパステル調と、ほとんど電気的とも感じられる彩度の高い色調を揺れ動くパレットとして選択しています。この選択は単なる美的趣向ではなく、深く政治的なものです。従来の人種のカテゴリーを超越する色調で身体を描くことで、外見ではなく感覚の問題としてのアイデンティティの視覚的空間を作り出しているのです。
この色彩へのアプローチは、アーティスト自身の経験に根ざす人種的アイデンティティについてのより広範な考察に位置づけられます。父親が黒人、母親が白人の彼女は、伝統的な人種カテゴリーの制約を身に染みて体験してきました。彼女の絵画は、この二元論的な分類に対する根本的な代替案を示唆し、アイデンティティは常に複雑で流動的であり、押し込められる箱よりもはるかに多面的であることを示しています。
『Bad Air/Yer Grievances』（2018）では、このアイデンティティの流動性が特に印象的な形をとっています。身体は同時に溶解し再構築されているかのように、構図を貫く幾何学的模様によって描かれています。この溶解と再構築の緊張関係は、我々のアイデンティティが生きた経験と、それを定義しようとする社会構造との間で絶えず交渉されている様を想起させます。
彼女の作品におけるエロティックな側面を無視することはできませんが、それは単なる官能の表現をはるかに超えています。『Feel’d』（2018）では、絡み合う身体が解剖学的なものや伝統的な親密さの概念を超える構成を生み出しています。これらの絡まり合いは、物理的な枠を超え、人間経験のより根源的な何かに触れるつながりの形態を示唆しています。
作品タイトル自体も、しばしば言語の慣習を遊ぶ口語的な発音表記で書かれており、さらなる意味の層を加えています。標準的な綴りを意図的に歪めることによって、クアールズは彼女のフィギュアが解剖学的な慣習を歪める方法と並行して言語的なパラレルを作り出し、言語も身体も再創造しうる社会的構築物であることを示唆しています。
この絶え間ない再発明は、彼女の絵画技術にも表れています。伝統的なジェスチャー・ペインティングとデジタル介入を組み合わせることで、超接続された現代を反映しつつも絵画の触覚性と深い結びつきを保つ視覚言語を創り出しています。彼女がステンシルを使って取り入れる幾何学的模様は、絵画表面に断絶を生み出し、現代の経験の断片化についてのコメントとして機能しています。
たとえば「Casually Cruel」（2018年）では、これらの断絶が特に劇的な次元を持ちます。身体はまるで幾何学的な平面で切り取られたかのように、構図を突き抜ける刃のように見えます。しかし、視覚的な暴力の犠牲者として現れるのではなく、むしろその図像は変容の機会としてそれを利用しているようで、肉体は解剖学的な論理を超える新たな構成に再編成されています。
彼女の創作過程におけるデジタル技術の影響は特筆に値します。伝統的な絵画にとって脅威と感じる多くのアーティストとは異なり、クオールズはそれを有機的に自身の実践に取り入れています。Adobe Illustratorの利用は単なる技術的な道具以上のものであり、自己の構築的かつ操作可能な性質についての彼女の思考に完全に寄与しています。この技術的側面は、特に「Don’t They Know? It’s the End of tha World」（2020年）において際立っています。そこで身体は肉体とデジタルコードの間に位置するハイブリッドな存在のように見え、通り抜ける幾何学模様はコンピューターのグリッチや建築の断片を想起させ、仮想と物理が混ざり合う絵画空間を創出しています。
クオールズの作品は、ピカソやド・クーニング、ベーコンといった身体表現の限界を押し広げようとした画家たちの長い伝統の中に位置づけられます。しかし彼女の男性先達がしばしば女性の身体を支配や異質性の視点から歪めていたのに対し、クオールズは視線による所有や分類を拒む像を創造しています。この分類への抵抗は、絵画空間の扱い方にも見られます。彼女のキャンバスの背景は錯視的な奥行きとモダニスト的な平坦さの間を絶えず揺れ動き、身体が同時に浮遊し圧縮されているかのような曖昧な環境を作り出しています。この空間的緊張は、彼女の作品の特徴である不安定さと絶え間ない変容の感覚を強化しています。
「Peer Amid (Peered Amidst)」（2019年）では、この空間の曖昧さが目まぐるしい複雑さに達しています。身体は複数の次元に同時に存在しているかのようで、その四肢はまるで並行宇宙を行き来するように異なる現実の平面を貫いています。この空間の多重性はライプニッツの可能世界論を想起させ、あらゆるアイデンティティには無限の可能性が内包されていることを示唆しています。
彼女の作品に繰り返し現れるモチーフ、窓や格子、模様のある布は、我々のアイデンティティを制限し定義しようとする社会構造のメタファーとして機能しています。しかし彼女が描く身体はこれらの枠組みに体系的に服従することを拒みます。身体ははみ出し、ねじれ、逃げ道を見つけ、私はこれを「抵抗の振付」と呼びたいと思います。
この抵抗は彼女のインスタレーションにおいて特に力強い次元を持ち、彼女は絵画的探究を三次元空間へと拡張しています。これらの作品では、鑑賞者が物理的に限界や境界の問いに巻き込まれ、その身体自体が芸術体験の不可欠な一部となります。
彼女の作品の政治的な側面は過小評価できません。アイデンティティの問題が多くの社会的議論の中心となっている世界で、クオールズの作品は二元的なカテゴライズに対する根本的な代替案を提案しています。彼女は、私たちの本当の本質は、おそらく厳格な定義を超越し、絶えず流動する状態で存在する能力にあるのだと示唆しています。この政治的提案は、制約と自由の緊張が新たな高みに達する彼女の最も最近の作品において特に強く表現されています。『”Gone on Too Long” (2021)』では、身体が文字通りキャンバスの限界に抗うように見え、その手足は制約から逃れようと必死に不可能なほどに伸びています。
しかし、クオールズの作品を真に注目すべきものにしているのは、この闘いを可能性の祝福へと変えている点です。身体の一部が変形している暴力性にもかかわらず、彼女の絵画は激しい喜びと、自身の複雑さをまるごと受け入れる自由の生命力の肯定に満ちています。クリスティーナ・クオールズの作品は、単なるアイデンティティの探求や絵画技術の革新にとどまりません。それは存在そのものの根本的な提案であり、おそらく私たちの真の本質は、私たちを定義しようとするカテゴリーを超える能力にあるのだと示唆しています。彼女の作品は曖昧さを混乱の原因ではなく無限の可能性の源として受け入れる自由の空間を提供しています。
