よく聞いてよ、スノッブな皆さん。皆が空虚な最新コンセプチュアルインスタレーションを追い求める間に、一本の木の切れ端と彫刻刀、水彩絵の具だけを手にしたオーストラリア人女性が、私たちに親密さの力を示す教訓を与えてくれました。クレシダ・キャンベル、この平凡の錬金術師は、何十年にもわたり家庭のシーンを圧倒的な美しさの絵画へと変貌させ、その一見した単純さを超越してきました。
激しい新奇性への執着が支配する時代において、キャンベルは静かな抵抗の道を選びました。彼女の静物画、港の眺め、室内画は、ほとんど痛ましいほどの細密さで鑑賞者を引きつけ、私たちのデジタル社会が維持することが困難な注意力を要求します。彫刻された板に絵を描くか、唯一の印刷物であるかにかかわらず、どの作品も数週間、時に数ヶ月の制作を要します。この時間の贅沢自体が政治的な行為なのです。
キャンベルの作品は、私たち自身の焦りに挑戦します。木に彫刻した上で水彩絵の具で描き、単一のエディションで印刷される彼女の作品は、彼女が学生時代から磨いてきた技術であり、私たちのスピード重視の文化が疑わしく見る瞑想的な関与を求めます。絵画と版画の中間にある彼女のハイブリッドな技法は、即時満足の社会に対する真逆の姿勢なのです。
キャンベルの独自性は、時間に対するこの逆説的な関係にあります。哲学者アンリ・ベルクソンが教えるように、時計によって計測される時間と、「純粋持続」と呼ばれる主観的な時間経験の間には深い違いがあります[1]。キャンベルの作品はこのベルクソン的持続を体現しています。『Night Interior』（2017年）では、カーテンを通して差し込む光が宙に浮いたような雰囲気を作り出し、日常の物品―テーブル、椅子、本―が親密な時間の劇場の役者となります。
ベルクソンは、この生きられた持続を捉える手段として「直観」の重要性を強調しました。これは分析的知性が把握できる固定された瞬間とは対照的です。キャンベルは創作過程においてこの直感的アプローチを採用しているように見え、私たちに知的な読み解きではなく、直接的な感覚的体験を促します。彼女の静物画は静的な構成物ではなく、その微細な動きの中で捉えられた生の瞬間なのです。
「Poppies」（2005年）を見てみましょう。そこでは花瓶の花が内なる生命を帯びて、ほとんど触れられるほどに生き生きと振動しているように見えます。これは単なる植物の描写ではなく、時間の流れについての視覚的な瞑想です。ベルクソンは「持続とは過去が未来を蝕みながら前進し膨らむ連続的な進行である」と書いています[2]。キャンベルの花々は、その繊細な満ち足りた姿の中にすでに避けられない枯れの兆しを宿しつつ、現在の美しさを祝福しています。
キャンベルを同時代の画家たちと区別するのは、まさにあらゆる対象物に刻まれた時間性への鋭敏な意識です。彼女の家庭的な室内画は決して固定されておらず、静かな命の息吹を感じさせます。「Interior with Red Ginger」（1998年）を包む光は単なる絵画的効果ではなく、流れていく時間の具体的な現れであり、その儚い存在感によって空間を変容させています。
映画監督アンドレイ・タルコフスキーは彼の著書『封じられた時間』で、映画を「時間を彫刻する芸術」と述べています。キャンベルは静止の手段でありながら、逆説的に同様の結果を達成しています。彼女の構図はタルコフスキーが「時間の圧力」と呼んだ、物に特有のオーラを与える不可解な存在感を捉えています[3]。「The Verandah」（1987年）を見れば、海風をほとんど感じ、物のかすかな触れ合う音を聞き、塩と太陽の影響による木のゆっくりとした劣化を知覚するでしょう。
長年にわたり、機関や評論家たちは彼女を「装飾的な」アーティストの位置付けに追いやりました。この侮蔑的な言葉は、大仰な姿勢を拒む女性アーティストに対して体制側がしばしば用いるものです。彼らは彼女の一見穏やかな作品群の下に、穏やかな急進性、絶え間ない気晴らしの世界で注意深く見ることの価値を主張する姿勢が隠されていることを見抜けませんでした。
キャンベルの作品は、社会学者ゲオルク・ジンメルの都市的近代経験に関する考察と特に共鳴しています。彼のエッセイ『大都市と精神生活』では、近代都市における神経刺激の激化が無関心な態度、感受性の麻痺を生み出す防衛機制として分析されています[4]。この感覚麻痺に直面して、キャンベルは視線の再教育を提案します。
彼女の絵画は、ジンメルが「神経生活の激化」と特定する現代の特徴に対する解毒剤のように機能します。貝殻の配置、光に照らされた空の椅子、雨上がりの庭を見つめることによって、彼女は現代都市が私たちから奪うもの、すなわち持続的注意力、微妙なニュアンスの把握、緩やかなリズムの評価を取り戻させてくれます。
ジンメルは「無関心な態度の本質は識別力の鈍化にある」と観察しました。キャンベルはまさにこの傾向に抗い、細やかな観察を強います。彼女の木版画は無限の細部、繊細な色調変化を伴い、識別的な視線を要求し、その努力に報います。これらは意味を持つ違いを知覚する能力を回復させます。
「Eucalypt Forest」では、オーストラリアの森が一般的な印象に還元されることなく、一本一本の幹、葉、陰の移ろいにおける特異性が明らかにされます。この個々の対象への綿密な注意は、ジンメルのいう「質的個人主義」の美的表現であり、近代社会の均一化に抗する姿勢を示しています。
キャンベルは視覚社会学の一形態を実践しており、オーストラリアの現代的な家庭空間だけでなく、私たちがそれらの空間とどのように関わっているかを記録している。彼女のインテリアは決して中立的ではなく、社会的な意味、個人的な物語、居住の痕跡で満ちている。人間の姿がないこと自体が、これらの意味をより実感させる。
“Bedroom Nocturne”（2022）を見てほしい。この円形の作品は、薄暗い中で乱れたベッドを捉えている。これは単なる技術的な技巧の発揮ではなく、親密さ、公的空間と私的空間の境界、私たちの生活を構成する日常の儀式についての瞑想である。ジンメルはこの作品に、彼が『社会化の形態』と呼んだ、私たちの社会的関係を反映し影響を与える空間的構成の探求を認めただろう。
キャンベルの絵画で印象的なのは、ありふれた物を微妙なオーストラリアらしさの象徴に変える手法である。彼女のシドニーハーバーの眺め、先住植物を題材にした花の構成、特有のオーストラリアの光に満ちたインテリアなど、これらすべてが観光のステレオタイプから離れた現代オーストラリアのアイデンティティの詩的な地図を作り上げている。
彼女の作品には、影響を受けた日本の浮世絵との顕著な並行性がある。北斎や広重のような浮世絵の巨匠たちが「浮世の絵」を捉えたのと同様に、キャンベルは儚い瞬間や現実の一時的な構成を捉えている。しかし、日本の芸術家たちが都市の楽しみを祝福したのに対し、キャンベルは家庭の詩情、つまり人生が誇張なく展開される中間的な空間を素材にしている。
“Shelf Still Life”（2012）を注意深く見てほしい。花瓶とナスタチウムが浮世絵の断片の前に配置されている。このメタ的な表現は、キャンベルが自分の芸術的な系譜を鋭く自覚していることを示すと同時に、自己の違いを主張している。日本の芸術家は多色刷りの印刷に複数の版木を使ったが、彼女は一つの版木だけを用いて、その技術に匹敵するほどの精緻さで描いている。
この作品をはじめ他の作品でも、キャンベルは構図の規範、非対称性、遠近法を遊んでいる。彼女は日本人の構図感覚を借用しながらも、それを深くオーストラリア的な視線に適応させている。この創造的な取り込みは、両伝統をゆがめることなく豊かにする魅力的な異文化間対話を構成している。
キャンベルのメディア上の控えめな姿勢は、個人コレクターからの人気とは対照的だ。彼女の作品は現在、2022年の「The Verandah」で50万オーストラリアドルを超える高値に達している。この市場の遅れた認知は彼女のアプローチを変えていない。彼女は年に五、六作品を制作し続け、需要に応じて制作速度を上げることを拒んでいる。
この意図的な遅さは、おそらく生産性と絶え間ない新奇性に取り憑かれた現代美術界における彼女の最大の挑発だ。キャンベルは、忍耐強い観察、技術的研鑽、視覚の成熟は急ぐことができないと私たちに思い出させる。この点で、彼女は支配的な文化的資本主義に対する一つの抵抗形態を体現している。
彼女の最近の作品は、より複雑な構成、光の繊細な遊び、空間処理への自信の増加を示している。近年制作を始めたトンド（円形作品）は、彼女が見事に克服している新たな構成上の挑戦を表している。これらの完璧な円の中で、インテリアの直線が『Book, Chair and Black Bamboo』（2021）のように魅力的な視覚的緊張を生み出している。
もしドクメンタやヴェネツィア・ビエンナーレがまだキャンベルの天才性を認めていないとすれば、それは彼女の作品が簡単にカテゴライズできないからかもしれません。彼女の作品は伝統的でも前衛的でもなく、コンセプチュアルでも純粋に技術的でもありません。それは、現実の厳密な観察と形式的な創造の自由が出会う、その際限なく豊かな中間の領域を占めています。
国立オーストラリア美術館での回顧展（2022年9月24日から2023年2月19日まで）では、140点以上の彼女の作品が展示され、ついに重要な制度的認知が示されました。博物館が私設コレクターたちが長く知っていたことを追いついたのです：クレッシダ・キャンベルはオーストラリア現代美術の中で最も独特で完成度の高い声の一つです。
技術革新に執着する時代にあって、キャンベルは木版画のような古い技法にも未踏の可能性が残っていることを思い出させてくれます。彼女の作品は、真の独創性は必ずしも劇的な断絶ではなく、時には個人的な道を忍耐強く深めることにあると示しています。
彼女の作品で驚嘆すべきは、技術的な正確さと雰囲気の感受性を両立させている点です。例えば「Night Interior」（2017年）のような室内画は、厳密に構成されつつも、測り知れない雰囲気に包まれています。この正確さとほのめかしの間の緊張感が、彼女の作品の最も強力な原動力の一つとなっています。
キャンベルは貴重な教訓を与えてくれます。画像で溢れた世界にあって、真のサブバージョンは衝撃を与えることではなく、再び見ることを学ぶことです。彼女の絵画は注意を引くために叫ぶことはなく、静寂と注意の中で夜明けの風景を発見するように私たちが時間をかけて見つけるのを待っています。
まだキャンベルが単なる「装飾的」なアーティストだと思っているなら、あなたは何も理解していません。彼女の作品は時間、記憶、日常の美についての視覚的瞑想であり、最も伝統的な手法で芸術がまだ成し得ることの見事な証明です。彼女はハイブリッド技法を個人的な言語に変え、現代の経験の最も微細なニュアンスを表現しています。
ポーズや言説が支配する芸術の世界にあって、キャンベルは根本的な真実を思い出させてくれます：芸術はまず見ることに関わる。そして彼女の目はなんと素晴らしいことでしょう！注意深く、忍耐強く、可視の世界の全ての表現を愛している。その視線は魔法ではなく真実の注意の恩恵によって平凡を非凡に変えます。
- ベルクソン、アンリ。Essai sur les données immédiates de la conscience。フランス大学出版、1889年。
- ベルクソン、アンリ。L’Évolution créatrice。フランス大学出版、1907年。
- タルコフスキー、アンドレイ。Le Temps scellé。カイエ・デュ・シネマ、1989年。
- ジオルク・ジンメル著「大都市と精神生活」、『モダニティの哲学』に収録。パヨ、1989年（オリジナルテキストは1902年にドレスデンのゲーゲ財団での講演に由来し、翌年『Jahrbuch der Gehe-Stiftung』誌に掲載）。
