よく聞いてよ、スノッブな皆さん、ジェームズ・ブラウン（1951-2020）について話をさせてください。彼はソウルミュージックの王ではなく、まれな大胆さと知的誠実さで現代アートの境界を超越したアメリカのアーティストであり、現代の多くのアーティストに非常に欠けているものを持っていました。彼は原始的な伝統と西洋のモダニズムから深く着想を得ながら、学問的な慣習に挑戦し、その世界の間をほとんど耐え難いほど正確な優雅さで航行した創造者です。
彼の絵画的物質性との本質的な関係から始めましょう。これは彼の最初の創作時代を特徴づけています。1980年代、ニューヨークのアート市場がネオエクスプレッショニズムに浮かれており、いくつかのアーティストがコレクターの熱狂的な需要を満たすために作品をチェーンのように制作していたとき、ブラウンは当時の流行を超越する半具象絵画の独自のアプローチを発展させました。この時期の彼の作品は、ジェスチャーの粗暴さと構成の洗練との間に顕著な緊張感を示しており、それは伝統的な美術史のカテゴリーを吹き飛ばします。
これはまさにテオドール・アドルノがその『美学理論』で “決然たる否定” と呼んだもので、既成の慣習を拒絶しながらも独自の内部規則を作り出す作品です。ブラウンの絵画表面は、その生成の痕跡を傷跡のように保持していますが、それらの痕跡は決して無意味ではありません。キャンバスの傷跡一つ一つ、塗料の層一つ一つが、浅薄な分析を拒む厳密な構築に寄与しています。
1980年代の彼の黒い絵画をご覧ください。ブラウンはまだ乾いていない塗料に簡略化された模様を刻み、先史時代の岩刻画を連想させる作品を作り出しました。しかし、これらの作品を単なる原始的な参考として片付けるのはその知的複雑性を見逃すことになります。絵画物質の中のこれらの刻みは、モーリス・メルロー＝ポンティの知覚の現象学についての考察を思い起こさせる表面と深さの間の洗練された遊びを生み出しています。表面はもはや単なる支持体ではなく、観る者の視線が絶えず挑まれる触覚的かつ視覚的な探検の場となります。
1970年代のパリ美術学校での彼の教育は彼の芸術的発展を理解する上で重要です。古典的な教育への彼の反抗は、ただの若い怒れるアーティストのポーズではありませんでした。それは現代アートの本質に関する真剣な哲学的立場を表していました。学問的な枠組みを拒絶しつつもパリに留まることを選んだことで、ブラウンはローラン・バルトのいう “作者の死” を高度に理解していることを示しました。これはすべての伝統を拒絶することではなく、コードを取り戻してよりよく転覆することでした。
特にイタリアを含むヨーロッパ各地への旅が彼の実践に深く影響を与えました。中世イタリアの絵画の影響は、彼の絵画空間の使い方や人体の扱い方に見て取れます。しかしブラウンはこれらの歴史的な引用を単に挙げるのではなく、彼の現代的感性のプリズムを通して変容させています。ウォルター・ベンヤミンが言ったように、彼は過去と現在が生産的に衝突する “弁証法的イメージ” を創造しています。
この最初の時期は、1980年代にニューヨークでトニー・シャフラジやレオ・カステリでの展覧会で頂点に達しました。イーストビレッジの活気ある環境の中で、彼の作品は容易なスペクタクルを拒否することで際立っていました。同時代の一部の作家が市場の誘惑に屈する中で、ブラウンは尊敬に値する芸術的誠実さを保っていました。この時期の彼の絵画にはジャン＝ミシェル・バスキアの作品との親和性がありますが、模倣に陥ることは決してありません。ブラウンには容易な比較を超越する知的厳格さがあります。
1995年のメキシコへの移住は彼の制作に新たな転機をもたらしました。オアハカでは、ブラウンは地元の伝統を統合しつつも自身の現代的な言語を維持するアプローチを展開しました。伝統的なタペストリーの制作における地元の職人との協働は単なる文化的享受ではありません。これはジャック・ランシエールが呼ぶところの「感性的共有」、伝統的な芸術の階層を覆す役割と技能の再分配を意味しています。
妻のアレクサンドラと共に創設したカルペ・ディエム・プレスも重要です。この出版社は伝統的な印刷方法を用いた限定版のアーティストブックを制作しており、彼の芸術的実践の自然な延長線上にあります。単に美しい物を生み出すだけでなく、異なる伝統や芸術的実践の間に対話の場を創出しています。
ブラウンの第二の時期は宇宙的抽象と精神的探求の探求から始まります。2004年以降、彼はグスタフ・ホルストの「惑星」から着想を得た壮大なプロジェクト「カオスと光の領域」を開始し、9つずつの星座に編成された81点の抽象画シリーズを制作しました。この取り組みは、音楽と絵画の対応に関するワシリー・カンディンスキーの研究を彷彿とさせる厳密な方法論に支えられていなければ、傲慢に思われたかもしれません。
これらの作品において、ブラウンは独自の技法を発展させました。彼は生のリネンのキャンバスに点や塗料の斑点を配置し、無作為な地図を作成し、それらを鉛筆の細い線で結びます。この手法はポール・クレーのアクティブラインの研究を連想させますが、ブラウンは単純な幾何学を超越する宇宙論的次元を加えています。このプロセスから現れる形態、隕石、ブラックホール、星座は単なる表象ではなく、超越的経験への入り口となっています。
鉛筆で結ばれた点の間の繋がりは不規則なネットワークを生み出し、天の星座と神経構造の両方を思い出させます。ブラウンはこれによってミシェル・フーコーが「絵画のヘテロトピア」と呼んだかもしれない、物理的かつ精神的世界に同時に存在する異空間を創出しています。
「カオスと光の領域」シリーズで魅力的なのは、ブラウンが制御と偶然の間にかろうじてバランスを作り出している点です。各キャンバスは厳密なプロセスの結果ですが、予期せぬ出来事の余地も残されています。このアプローチはジョン・ケージの芸術創造における偶然の役割への考察を想起させますが、独自の精神的次元を持っています。ブラウンはジル・ドゥルーズが「欲望機械」と呼んだかもしれない、超越の欲望を生み出し導く集積体を創造しています。
ブラウンのこのシリーズの作品は、彼の印象的な技術力を明らかにしています。青や茶色の類似色のアーチ状または角張った帯状の筆致は、小惑星やブラックホールを思わせる形態を作り出しています。しかし、これらの形は決して完全に定義されることなく、常に生成の過程にあり、鑑賞者の想像力を積極的に刺激します。
このシリーズ「混沌と光の領域」において、ブラウンは通常の制作を超越した絵画的な昇華の形を達成しています。これらの作品は、特に巨大なフォーマットで、カンディンスキーが「内的必要性」と呼んだ芸術の瞬間を具現化しています。すなわち、物質が精神へと変わる瞬間です。美術館機関やコレクターたちはこれをよく理解しており、混沌と光が宇宙のダンスで融合する正確な瞬間を現代的な神顕のように示すこれらの絵画を熱烈に求めています。
彼のメキシコ滞在年の影響は、後期の色彩パレットに特に顕著です。土臭い色調やオーカーはオアハカの風景を思い起こさせますが、これらの色は風景への直接的な言及を超越する方法で使用されています。ブラウンにはガストン・バシュラールが「物質の心理学」と呼んだものへの深い理解があり、素材や色彩の本質的な特性への感受性が感じられます。
1990年代に強化された彼のコラージュの手法は特別な注目に値します。ピカソやブラックの合成キュビスムを単に引用するのではなく、ブラウンは単なる形式的な遊びを超えた精神的次元を導入してメディアを再発明しています。彼のコラージュはしばしば自然の要素、例えばサンゴ、貝殻、熱帯魚の写真などを組み込み、ミクロコスモスとマクロコスモスの深いつながりを想起させる構成を作り出しています。
ブラウンの紙作品は、際立った手段の節約を示しており、禅の「侘寂」の概念を思い起こさせます。シリーズ「宝物の部屋からの24のドローイング」（1994-95）では、ドローイングが識別可能な物体、船、真珠のネックレス、ボート、顔、図式的な白鳥などを示唆しますが、これらの形態はほんのかすかな輪郭で、絵画の霧の中の儚い出現のように見えます。
ブラウンの本当に注目すべき点は、絵画、彫刻、陶芸、出版という多様な実践を通じて深い一貫性を維持していることです。ブラウンは複雑さと絶え間ない探求の道を選びました。彼の飽くなき好奇心と知的厳密さは、真に現代的な芸術実践のモデルとなっています。ブラウンは抽象と具象、精神性と物質性、伝統と革新の簡単な対立を超越しています。
2020年にメキシコで妻のアレクサンドラとともに自動車事故で悲劇的に亡くなったことは、彼の人生のメタファーのようでもあります。常に動きの中にあり、常に二つの世界の間にあったのです。しかし彼の作品は、可視と不可視、物質と精神、秩序と混沌の境界を探求した生涯の生き生きとした証言として残っています。シニシズムと表面的なものが支配的な芸術界において、彼の誠実さと深みは夜の中の灯台のように輝いています。
