よく聞いてよ、スノッブな皆さん。私たちは現代アートがしばしば華美なナルシシズムに迷い込み、作品が真の探求よりもエゴの誇示に陥る時代に生きています。しかし、ジャスティン・カギアットのようなフィリピン系日本人画家が現れ、キャンバスを別次元への扉に変えます。彼の巨大なテンションのかかっていないキャンバスの絵画は、図像と有機的な形が私たちの知覚の境界で踊っているような万華鏡的な宇宙へ私たちを運びます。
カギアットの作品は色彩の渦を生み出します。油彩や時にはグワッシュの層が重なり合い、まるでオディロン・ルドンが別の人生で向精神薬を摂取しながら絵を描き続けたかのような遠い反響を想起させます。この共鳴は偶然ではありません。カギアットは象徴主義の遺産を公然と汲み取っています。彼のように熱狂的な資本主義の世界の中で魅惑と神秘の源泉に目を向けた19世紀末の芸術家たちです。
カギアットの作品には深く映画的な側面があります。彼のキャンバスはスローモーション映画のように機能し、最近の展示会で用いられた表現を借りると”スローシネマ”です。彼がVHSカメラで撮影した十年ほど前の映像作品”Carnival”などのビデオのように、彼は他のメディアも探求しています。彼の絵画では、顔料がゆっくりと酸化し、時間とともに微妙に変化していき、再現が難しく、じっくりとした鑑賞を要求する視覚体験を生み出します。作品の写真による再現は失敗に終わります。作品を実際に見て、テンションのかかっていないキャンバスの上で溢れ出る色彩の星座を目で追わなければなりません。
カギアットの戦略は非常に巧みです。彼は抽象を解釈の可能性を減らす方法として用いています。芸術家自身は、制作過程において言語、特に記述を分離し、作品が完成する前にそれを説明したり描写したりする義務から自由になることを認めています。この物語性への抵抗は逆説的で、彼の絵画は言語に挑戦しつつも豊かな意味を持っています。チャーリン・フォン・ハイルという芸術家が的確に表現したように、「絵画を考察するということは、何かを知っているのに名前を付けられない愚かさの核心に常に還る」[2]のです。
カギアットが多くの現代画家と異なるのは、極めて多様な影響を消化しつつ、単純な引用に終わらない能力にあります。彼は漫画や日本の浮世絵の平坦化された形態を取り入れ、フィリピンのカトリックのイコンのバロック-フォークロアの混合美学とウィーン分離派の貴重なモダニズムを融合させています。その結果は現代的でありながら時代を超越しており、文化的・歴史的境界を超えて独自の視覚言語を創り出したかのようです。
カギアットの文学との関係は特に興味深いです。出版された詩人として、彼はしばしば自らの展覧会にテキストを添えますが、それらは説明ではなく視覚的宇宙の拡張として機能します。ロンドンのModern Artギャラリーでの展覧会「Permutation City 1999」では、東京、マニラ、カリフォルニア湾地域の断片的で架空の記憶を想起させるテキストを書きました。このタイトルは1994年にグレッグ・イーガンによって発表されたSF小説から借用されたもので、「置換」を「順序付けられたり並べ替えられたりできる物の集合または数」と定義し、各絵画をカギアットのテキストと抽象的に関連づけて読む鍵を提供します。SFを概念的枠組みとして使用することは、芸術家が多重の時間性や代替現実に関心を持っていることを示しています。
「The saint is never busy」や「to the approach of beauty its body is fungible」といった作品では、点のヴェールを通して曖昧に描かれた人物像が、テキストの記憶の断片を想起させます。鮮やかな色彩は詳細な万華鏡的模様に構成され、時折、濃灰色や黒の斑点が光の層のように画面全体に広がります。こうした構成から、視認可能性と不可視性の間を漂いながら姿を現し始める異世界の人物、風景、シーンが生まれ、ゆっくりとその姿を明らかにしていきます。
カギアットのキャンバスは「有毒な崇高」という概念を思い起こさせる特性を持っています。彼の内面の風景は視覚的な魅力と不気味な異物感を兼ね備えています。「Gretel in Pharmakon」(2022)では、ある人物が無垢な子供であるか、あるいは彼女を苦しめる魔女であるかを曖昧にしています。カギアットの不確定性への傾倒は、「pharmakon」という理論的概念の用い方にも見られ、これは毒であり薬であり、自らの破壊を受け入れるものを意味します。
カギアットの興味深い点は、記憶のメカニズムに対する深い理解にあります。彼のキャンバスは表象ではなく、私たちの心の機能を模倣するプロセスです。ソフィー・ルイグロックが書いたように、彼の絵画は「原初のスープ」のように読み取れ、その層は互いに溶け合いながら模様や形態を構築します。絵画への転換、アイデア、情報、人物や装飾の配置は断片化され、まるで記憶の融解のようです。
私がカギアットの作品で魅かれるのは、その時間に対する関係性です。ウェズリアン大学での彼の展覧会「Triple Solitaire」では、作品が制作され、制作環境の化学的組成に応じて酸化する顔料を使った絵画を展示しています。これらはアトリエからギャラリーへと移動する際に変化します。また、彼はペイントとリンシードオイルに銀箔を施し、その銀箔が時間の経過とともに酸化して反射特性を失う鏡面絵画も展示しました。モリー・ザッカーマン＝ハータングが指摘するように、「絵画は日常の時間の中で行われる行為であり、時計の時間を超えて日常から永遠への時間を広げ変容させる能力を持っている」[3]のです。
カギアットの作品は、私たちの時代を特徴付ける機械的な再現性に挑戦します。彼の絵画は物理的な存在と身体的な関与を要求します。これらは、本物の美的体験がスクリーン上の画像に還元されないことを思い出させてくれます。2022年の「ヒステレシスループ」では、熱感応性色素と支えの裏側に取り付けられた赤外線センサーを使用し、作品が温度の上昇と下降によってプログラムされたループ内でゆっくりとだが劇的に色が変化することを可能にしました。
カギアットの作品が非常に魅力的なのは、彼が原始的で未来的にも見える作品を作り出すことに成功しているからです。オカルトのタペストリーや廃墟となった未来のフレスコ画のように、彼の絵画は意味に満ちていますが、物語への引き込みに抵抗し、言語とは異なる即時の感覚体験を促します。
私は、今まさに重要性がこれから数年で増していくアーティストの誕生を目撃していると思います。カギアットは、簡単なカテゴリーや縮小的なラベルを超越する独特な視覚世界を作り出しました。彼の作品は私たちに、立ち止まり、熟考し、見えるものと見えないもの、既知と未知の境界に存在する世界に没入することを誘います。
派手なジェスチャーや挑発的な声明で必死に注目を集めようとする多くのアーティストがいる時代にあって、カギアットは黙想と深みの道を選びました。そして、今日私たちに必要なのはまさにそれです。私たちの分断された世界を映し出すだけでなく、新しい見方や存在の仕方を提示する芸術です。もし彼の作品をまだ知らなければ、ぜひ見に行ってください。後悔しませんよ。
- 展覧会資料: “ジャスティン・カギアット トリプル・ソリテア”、2024年9月17日～12月8日、ウェズリアン大学アートセンター、エズラ＆セシル・ジルカ・ギャラリー。
- シャルリン・フォン・ヘイルによる引用、「トリプル・ソリテア」展、ウェズリアン大学、2024年。
- モリー・ザッカーマン-ハートゥング, “絵画に関する95のテーゼ,” モリー・ザッカーマン-ハートゥングとタイラー・ブラックウェル編集、Molly Zuckerman-Hartung: COMIC RELIEF. インベントリープレス及びヒューストン大学ブラファー美術館、2021年。
