よく聞いてよ、スノッブな皆さん。私は1977年にボストンで生まれたジョナス・ウッドについて話します。彼は単にカリフォルニアのインテリアで鉢植えの植物を描く以上のことをしているアーティストです。
彼の絵画の世界に入りましょう。そこでは平面性が絶対的な支配者であり、西洋美術を何世紀にもわたって支配してきたアルベルティの遠近法に対する静かな宣言のようです。ウッドはモーリス・メルロー＝ポンティの哲学的伝統に属しており、彼は『目と精神』（1964年）で、知覚は単なる世界への窓ではなく、具現化され、主観的で断片的な経験であるという革命的な考えを展開しました。彼の断片化された構成、不可能な遠近法、重ね合わされたモチーフは単なる形式的な遊びではなく、世界の見方が常に部分的で断片化され、私たちの脳によって再構築されるというこの現象学を完璧に表しています。
ウッドのキャンバスは心のコラージュのようで、経験した空間の記憶の再構築です。彼は見たものではなく、見た・感じた・体験したことを覚えているものを描いています。壊れた遠近法のあるインテリア、曖昧な空間に浮かぶ物体、まるでカリフォルニアのステロイドで育てられたかのような巨大な植物、これらはすべて彼の日常生活の親密な地図を形作っています。しかし、誤解しないでください。彼の作品の一見シンプルでポップな外観の背後には、現実の知覚そのものの本質に関する深い思考があります。
彼の鉢植えの植物の静物画をご覧ください。一見すると、単なるステロイドを打った植物図鑑のイラストに見えるかもしれません。しかしウッドは室内植物のコレクションを記録するだけでなく、日常の空間を共有する生き物たちの心理的肖像を作り出しています。葉や枝の一本一本が独立したグラフィック要素となり、植物自体が私たちの目の前で分解され再構成されているかのようです。このアプローチは、哲学者アンリ・ベルクソンの持続と記憶に関する理論と呼応しており、現在は常に過去に染み込んでいて、瞬間の中に私たちの経験全体が含まれているのです。
ウッドは写真の資料を体系的に彼の記憶と想像力のフィルターにかけて変換します。色はより鮮やかに、模様はより強調され、遠近法は不安定になります。まるで彼のキャンバスが制御された幻覚であり、覚醒した夢であり、客観的な現実が主観的な印象の海に溶け込んでいるかのようです。彼のインテリアは物理的な空間であると同時に精神的な空間でもあり、ユークリッド幾何学が感情的幾何学に取って代わられる場所です。
彼の日用品, 花瓶、家具、植物, の扱い方はジョルジョ・モランディのアプローチを思わせますが、デヴィッド・ホックニーとアレックス・カッツのフィルターを通したポップなエネルギーが加わっています。モランディが物の静かな本質を求めていたのに対し、ウッドはその派手な存在感を祝福し、物語や記憶や感情を携える能力を称賛しています。彼の物は決して中立ではなく、ほとんど電気的な強度を帯び、まるで動き出して私たちにその物語を語りかけるかのようです。
彼の作品で興味深いのは、自伝的なドキュメントとしても、形式的な探求としても同時に機能するイメージを作り出す能力です。例えば、彼の家族の肖像は単なる近親者の表現ではなく、感情的な記憶が愛する人々の認識をどのように歪め、再構成するかについての研究です。顔は平面化され、身体は幾何学化され、周囲の空間は抽象的な模様に分解されています。しかし、逆説的に、これらの歪みはこれらの関係の感情的真実に私たちを近づけるように見えます。
Woodは色を記述的というより心理的な道具として使います。彼の緑色は自然のものではなく、自然の記憶の色です。青は電気的で、赤は鮮やかで、黄色はほとんど蛍光色のようです。この人工的なパレットは現実からの批判的な距離を生み出しながらも、イメージの感情的な体験を強めます。距離と親密さの微妙なバランスが彼の作品の力の源です。
彼の芸術史との関係は魅力的です。Woodは敬意を持って典拠を引用するタイプではありません。彼はそれらを消化し、変容させ、あえて無頓着に自分のものにします。彼の作品には、モチーフの扱いにマティスの響き、家庭空間へのアプローチにホックニーの影響、グラフィックなエネルギーにスチュアート・デイビスの影響が感じられます。しかし、それらすべては彼の現代的な感受性、21世紀の視覚文化の経験を通して磨かれています。
批評家たちはよく彼をホックニーと比較しますが、それは彼のアプローチの特異性を正当に評価していない怠惰な比較です。ホックニーが空間と光の物理的感覚を捉えようとする一方で、Woodは記憶と想像力が日常の経験をどのように再構成するかにより関心があります。彼の空間は実際の場所ではなく、精神的な構築物であり、記憶の神秘的な法則に従って時間と空間が圧縮されたり拡張されたりする心理的なコラージュです。
彼の作品の特に興味深い側面は、陶芸家の妻Shio Kusakaとのコラボレーションです。彼女が作る花瓶は彼の絵画の中で繰り返し登場するキャラクターとなり、立体感と平面性、実物と表現の間の魅力的な対話を生み出します。まるでこれらの花瓶が家庭劇の役者のようで、その単なる実用機能を超えた物語や意味を運んでいるかのようです。
Woodは珍しい能力を持っていて、平凡なものを壮大や派手さに陥らせることなく非凡に変えます。彼の絵画は私たちに日常の世界を初めて発見するかのように見せ、馴染み深さと奇妙さが入り混じった既視感を呼び起こします。まさにこれが彼の作品を現代において非常に関連性のあるものにしている理由です。それは私たちの生活の最も平凡な隅々に隠された魔法を再発見させてくれます。
彼の構図は視覚的なパズルのようで、各要素は自立しつつも相互依存しています。モチーフが応答し、形が組み合わさり、色がリズムと対位法を作り出します。それはいつ崩れそうで奇跡的に持ちこたえているかのような複雑なバランスであり、重力の法則に逆らうカードの城のようです。
彼の芸術をコレクションしていた祖父の影響は、彼が絵画を芸術史との絶え間ない対話として捉える方法によく現れています。フランシス・ベーコン、アレクサンダー・カルダー、ジム・ダイン、アンディ・ウォーホルの作品に囲まれて育ったことで、彼はモダニティを直感的に理解し、それが彼の各キャンバスに表れています。しかし注目すべきは、これらの影響を深く個人的で現代的なものへと変容させる能力です。
彼の商業的成功は否定できず、彼の作品はアート市場で驚異的な価格を記録しています。2019年5月には、”Japanese Garden 3″ がクリスティーズで490万ドルで売れました。しかし、成功に腐敗する一部のアーティストとは異なり、ウッドは誠実さと変わらぬ好奇心をもって自身の領域を探求し続けています。彼は市場のために絵を描くのではなく、自分自身の世界体験を理解するために描いています。
ジョナス・ウッドは、アクセスしやすく複雑で、個人的でありながら普遍的なイメージを創造します。彼は現代絵画がポップでありながら知的で、装飾的でありながら概念的で、親密でありながら壮観であり得ることを示しています。デジタル画像で溢れる世界において、彼のキャンバスは現実の認識を変える絵画の唯一無二の力を思い起こさせてくれます。
