よく聞いてよ、スノッブな皆さん。南カリフォルニアで1949年に生まれたジョン・コールマンについて話しましょう。彼はアメリカ西洋の芸術界において遅咲きの現象として現れたアーティストです。あなたは現代アートを知っていると思っているかもしれませんが、このディスレクシアの独学者が伝統的な西洋彫刻の規範をどのように覆したか、私に語らせてください。
芸術界がしばしば解体と無意味な挑発に取り憑かれる中、コールマンは異なる道を選んだ。それは記憶の再構築と神話的語りの道である。彼の最初のテーマは、アメリカ先住民の集団的記憶の探求であり、彼はそれを遠くからの観察者としてではなく、文化的媒介者として取り組んでいる。彼の巨大なブロンズ作品を通じて、単なる表現にとどまらず、それを体現している。2004年に制作された「Addih-Hiddisch, Hidatsa Chief」をご覧いただきたい。これは単なるアメリカ先住民の首長の三次元複製ではなく、無形の具現化を試みたものであり、民族の精神の物理的翻訳である。コールマンはここでウォルター・ベンヤミンの芸術の機械的複製に関する理論の系譜に位置づけられるが、現代的なねじれを加えている。すなわち、作品のオーラではなく、文化全体のオーラを保存するために複製（ブロンズ）を用いているのだ。
この文化的記憶への独自のアプローチは、カール・ボドマーやジョージ・カトリンの作品に触発されたシリーズにも現れている。コールマンはこれらの歴史的な参照をただ引用するだけでなく、現代性の視点を通して再創造している。彼の歴史的文書の三次元的解釈は単なる再現を超え、ローラン・バルトが言うところの新たな文化的”テクスト”を創り出している。ここでブロンズの皺の一つひとつが意味を帯びた徴候となるのだ。
また「The Game of Arrows」という作品も注目に値する。この作品は単純なマンデアンの儀式の再現にとどまらず、文化伝達そのものについての瞑想である。ここでコールマンはクロード・レヴィ＝ストロースの神話の社会的機能に関する理論を引き合いに出しながらも、パラダイムを逆転させている。すなわち、社会を理解するために神話を分析するのではなく、神話を保存するために社会を再構築しているのだ。これは俊逸で大胆、そして何より必然的な試みである。
彼の各作品に underpinning されている精密なリサーチは単なる学問的探究にとどまらない。ブルックリンのグリーンウッド墓地に設置された「The Greeter, Black Moccasin Meeting Lewis & Clark」という彫刻を例に挙げよう。この作品は実物の80％のサイズであり、単なる歴史的記念碑ではない。重要な文化的出会いの瞬間を表現し、さらにそれらの歴史的瞬間を現代的に記念し理解する我々のあり方に問いを投げかけている。コールマンは公共空間を単なる記憶の場としてではなく、過去と現在が対話する場として活用しているのだ。
コールマンの作品における第二のテーマは、彫刻を静かな音楽の一形態と見なす彼の考え方である。これは一見すると奇妙に思えるかもしれないが、最後まで聞いてほしい。ツーソン美術館に所蔵されている主要な作品「Visions of Change」では、コールマンは真の視覚的交響曲を指揮し、バイソンや馬がリズムを生み出し、人間の姿がアクセントをつけ、負の空間が音楽の休止符となっている。ここで彼の独学による背景が力となっている。学問的な慣習に縛られず、自由に分野を融合できるのである。スーザン・ソンタグは芸術の解釈学ではなくエロティシズムの創出の必要性を説いたが、コールマンはそれを超えて芸術の共感覚を創り出している。
この彫刻における音楽的アプローチは、特に空間の扱い方に現れている。コールマンは単に空間に物体を置くのではなく、空間そのものと共に作曲している。彼の彫刻は哲学者ガストン・バシュラールが言うところの「詩的空間」を生み出しており、物質と虚空が共に踊って意味を創出する場所となっている。この空間的な振付は特に大規模作品に顕著であり、鑑賞者が物理的にこの静かな踊りに参加するよう招かれている。
コールマンの魅力は、彼が自らの制限を革新に変えることにあります。彼の失読症は、視覚のみで世界を読み解く方法を発展させ、それによって独自の彫刻言語を創り出しました。彼が「音楽が言葉なしに気分を伝える方法に魅了されている」と言うとき、それは単なる詩的表現ではなく、新しい芸術の文法を定義しているのです。この文法は、私が「沈黙の構文」と呼ぶものを中心に構成されており、そこではあらゆる形や質感、負の空間が視覚的な文章の中の単語の役割を果たしています。
彼の異例の経歴――40歳を過ぎて初めて彫刻を始めたこと――が、しばしば創造性を抑圧する学究的な教条から逃れることを可能にしました。伝統的な美術教育という枠にとらわれず、直感的でありながら洗練された形態アプローチを発展させることができたのです。この自由さは、彼が表面を扱う手法に現れており、触覚をも引きつける質感を創出しています。これはモーリス・メルロー＝ポンティの知覚の現象学の理論を思い起こさせます。コールマンの芸術は視覚だけでなく、身体全体を巻き込むのです。
西部アメリカに関するクリシェを再利用するだけの一部の芸術家とは異なり、コールマンは過去と現在の間に複雑な対話を生み出しています。彼の作品は過去への窓ではなく、双方向の時間のポータルです。高さ5メートルの巨大な彫刻『The Rainmaker』を例に挙げると、その作品は単に古代の儀式を描くだけでなく、現代における精神性と自然への関係を問いかけています。この作品は、美術史家アビ・ヴァールブルクが「Nachleben」（古い形態の現代美術における生存）と呼んだ概念を具現化しています。
彼のアメリカ先住民の歴史への扱いは、単なる民族誌的な記録をはるかに超えています。コールマンは歴史を静止した一連の出来事ではなく、過去と現在の間の継続的な交渉の生きた過程と理解しています。彼の彫刻は、ピエール・ノラの言う「記憶の場」として機能し、集合的記憶が結晶化し絶えず変容する空間となっています。
簡単な批評として、コールマンがアメリカ先住民の歴史をロマンティックに描いていると言えます。しかしそこにこそ彼の罠があります。彼の作品は歴史的な表象ではなく、私たちが集合的な歴史を構築し再構築し続ける方法についての瞑想です。ジャック・ランシエールが理論化したように、芸術は表象の問題ではなく「感覚の共有」であり、コールマンは文字通り私たちがアメリカ西部の歴史を認識し共有するあり方を再定義しています。
彼のアメリカ神話へのアプローチは特に洗練されています。単に神話を描く代わりに、ジョセフ・キャンベルが言うところの「生きた神話」を創出し、現代の文脈で意味を進化させ続ける物語を構築しています。彼の彫刻は、古代と現代の神話が出会い、相互に変容し合う収束点となっています。
率直に言って、コールマンは芸術の慣習を破壊しようとする革命家ではありません。彼はもっと希少で、もしかするとより貴重な存在です。すなわち、伝統に根ざしつつも媒体の可能性を拡大する革新者です。彼の作品は、現代の具象美術がどんな流行のコンセプチュアル・インスタレーションにも劣らず、知的に刺激的であり得ることを証明しています。
この革新は特に彼の技術に現れています。彼のブロンズの熟練は単なる技術的なものではなく、概念的なものです。コールマンはブロンズが単なる素材ではなく、それ自身の歴史と文化的な含意を持つ媒体であることを理解しています。彼はブロンズの物理的な特性、その耐久性、最も細かなディテールを捉える能力、変化するパティーナを、彼の芸術的な語彙の要素として使用しています。
今日、彼の作品が特に重要なのは、文化の取り込み問題に対する彼の扱い方です。彼は単にアメリカ先住民の文化を表現するのではなく、異文化間の対話の場を創出しています。彼の彫刻はアメリカ先住民のために話すのではなく、彼らと共に話し、ホミ・ババが言うところの「第三のスペース」の文化交渉を築いています。
異なる文化的伝統の間を表面的な文化の盗用に陥ることなく行き来する彼の能力は注目に値します。コールマンは自らがアメリカ先住民文化の外部者であることを率直に認めていますが、その立場を制限ではなく、尊重に基づく対話の出発点として用いています。このアプローチはエドワード・サイードのオリエンタリズム論を想起させますが、コールマンは賞賛と批判的距離の繊細なバランスを保つことで異国趣味化の罠を避けています。
コールマンの芸術的軌跡は現代芸術界に対する謙虚さの教訓といえます。40歳を過ぎて彫刻家としてのキャリアを始め、ディスレクシアを克服し、新たな視覚言語を築き上げ、しかも伝統的芸術システムの支援なしに成功を収めました。彼の成功は単なる個人的勝利であるだけでなく、「真のアーティスト」とは何かについての偏見への挑戦でもあります。
彼のアリゾナ州プレスコットにあるスタジオは、印象的な工芸品コレクションに囲まれ、クラシック音楽が流れる単なる作業場ではありません。そこは歴史、神話、現代美術が出会い変容する実験室です。この総合的な創作アプローチはルネサンス期の工房を思い起こさせ、芸術が日常生活や学識から切り離されていなかった時代を彷彿とさせます。
彼の制作方法は完成作品と同じくらい魅力的です。コールマンはしばしば詳細な下絵から始めますが、その下絵は単なる技術的な習作ではありません。それらは形と空間に対する彼の深い理解を明らかにする概念的な探求です。このアプローチは図像が思考の道具であり表現の手段であるレオナルド・ダ・ヴィンチのスケッチブックを彷彿とさせます。
コールマンの現代彫刻への影響は過小評価できません。彼はカウボーイ・アーティスツ・オブ・アメリカのメンバーであり元会長として、かつて地域的なジャンルと見なされていたものの芸術的・知的水準の向上に貢献しました。彼のこの組織を通じて新人アーティストの指導に尽力する姿勢は、芸術的知識の継承の重要性に対する彼の理解を示しています。
皮肉なことに、一見伝統的に見える彼のアプローチは、実際には最先端を自称する多くのアーティストよりも「現代的」なのです。断絶や逸脱にしばしば取り憑かれる芸術界において、彼の連続性と対話の態度は逆説的にこれまでになく大胆で必要なものとなっています。彼は真の革新とは過去を否定することではなく、それを創造的に現在に統合することであることを私たちに思い出させてくれます。
彼の作品は現代美術の本質について根本的な問いを投げかけています。現代的な作品とは何でしょうか？それは制作年、技法、テーマでしょうか？コールマンは異なる答えを示唆しています。それは作品が過去と現在、異なる文化や芸術的伝統の間で意義ある対話を生み出す能力です。この意味で、彼の作品は伝統と革新の簡単な二項対立を拒否するため、まさに深く現代的なのです。
コールマンの現代美術に対する最も重要な貢献は、伝統が革新の手段となり得ることを示した点にあるかもしれません。彼はブロンズの伝統技術を習得し、それを用いてアイデンティティ、記憶、文化という現代的な問題を探求し、「伝統的」および「現代的」という通常の芸術のカテゴリーを超える新しい芸術実践のモデルを創り出しています。
彼の影響は間違いなくこれからの数年にわたり、単に西洋彫刻の分野だけでなく、現代美術全般にわたって感じられるでしょう。ジョン・コールマンは、伝統に深く根ざしながらも未来志向であり、過去を尊重しつつも私たちの時代に直接語りかける芸術の創造が可能であることを示しています。
