よく聞いてよ、スノッブな皆さん。Scott Kahn（1946年生まれ）は、長い間影に隠れていた才能が、遅咲きの超新星のように突然輝きを放つという、不思議な化学反応の完璧な具現化です。想像してみてください：数十年にわたり、このアメリカ人アーティストは比較的暗闇の中で絵を描き、いとこの屋根裏部屋に住み、5,000ユーロ以上で絵を売ることができませんでした。そして、まるで現代のおとぎ話のように、Instagramが彼の魔法の杖となり、この控えめな70代の男性を現代アート市場のセンセーションへと変えました。
しかし誤解しないでください、これは単なるソーシャルメディアの話ではありません。Kahnの作品には、流行や時代を超越する地殻的な力が宿っており、ニーチェの永劫回帰の理論を奇妙に思い起こさせます。ドイツの哲学者が、すべての瞬間が無限に繰り返される運命にある循環する宇宙について語ったように、Kahnの風景は時間そのものが停止した次元に存在しているかのようで、すべての木、雲、月光の一筋が同時に唯一無二であり永遠であるように感じられます。
「The Gate」（2021-2022）を見てください。この作品はこの特別な時間性を完璧に捉えています。片側はターコイズブルー、もう片側はマゼンタピンクの非現実的な色調の木々が並ぶ小道は、何も守らない不条理な門扉へと続いています。まるでKahnが、カントの純粋理性の反対命題の概念について考えるように私たちを誘っているかのようで、現実の客観性が私たちの認識の限界と衝突する様を表しています。象徴的に役に立たない門扉は、あるがままの世界と私たちが知覚する世界との間に築かれた人工的な障壁の隠喩となっています。
彼の作品のこの最初の部分は、自然が単なる表現以上のものであり、ほとんど神秘的なビジョンによって変容されている世界に私たちを引き込みます。Kahnは中世の写本装飾を彷彿とさせる狂気的な精密さで一枚一枚の葉や一本一本の草を描写します。しかし、神の創造を讃えようとした写字僧とは異なり、Kahnはむしろメルロー＝ポンティが「世界の肉」と呼んだ、可視と不可視が出会い混じり合う繊細な接点を探求しているように思えます。
「Big House: Homage to America」（2012）を見てください。オークションで140万ユーロで落札されたこの作品は、単なるアメリカの家屋の表現ではなく、ハイデッガーの「在り方の居住」の概念に関する深い瞑想です。超自然的な光に包まれた家は建物というよりも、天空と大地、神聖と死すべきものが交わる場所なのです。場面を覆う雲は単なる大気の形成物ではなく、オリンポスの上のギリシャ神のように風景の上で踊っているかのようなほとんど神話的な存在です。
Kahnの作品を貫く第二のテーマは時間と記憶との関係です。特に夜の風景は、ベルクソンが「純粋持続」と呼んだ、時計の機械的な計測を逃れる主観的な時間への扉のように見えます。「The Walled City」（1988）では、Kahnはハドソン川の対岸からマンハッタンを眺めさせてくれますが、印象的なのは都市そのものではなく、シーンの奇妙な劇場性です。火のカーテンに囲まれた照らされた舞台上の空席は、スカイラインを形而上学的な劇場のセットに変容させています。
Kahnの注目すべき点は、彼が非常に個人的でありながら普遍的にアクセス可能な作品を作り出していることです。彼が「視覚的日記」と呼ぶ作品は単なる自伝的な年代記ではなく、ユングの言う集合的無意識の探求です。それぞれの絵画は個々の経験と普遍的な元型との出会いの場となっています。
カーンの技法は彼のテーマと同様に興味深いものです。特に彼の夜のシーンにおける光の扱い方は、ジョルジュ・ド・ラ・トゥールの絵画を思わせますが、決然と現代的な色彩パレットで表現されています。色彩は内側から照らされているかのように、ほとんど幻覚的な強度で輝いています。この特別な光沢は、ゲーテの色彩理論を彷彿とさせます。彼は各色相を単なる光学現象ではなく、根源的な力の顕現と捉えていました。
アーティストは修道士のような忍耐強さで仕事をし、時には一つのキャンバスに数ヶ月を費やすこともあります。この意図的な遅さは、単なる技術的選択ではなく、フッサールの現象学を反映した哲学的態度です。筆の一筆一筆がエポケーであり、日常の世界を一時的に脇に置いて物事の本質を明らかにします。彼の絵画に描かれる木々、家々、雲は単に表されるのではなく、その本質的存在において明らかにされます。
カーンがその独特な歩みを通じて、哲学者ウォルター・ベンヤミンが呼んだ美術作品の「アウラ」を完璧に体現しているのを見るのは魅力的です。新奇性と速度に取り憑かれた現代アートの世界において、彼の絵画は機械的な複製を超越する存在感を放っています。各作品は長期間の瞑想の産物であり、可視と不可視との親密な対話から生まれています。
カーンの遅咲きの認識への道は、本当の芸術が年齢や流行の問題ではなく、内的な必要性の問題であることを思い起こさせます。彼自身が言うように、「もし私が絵を描かなければならないと感じなければ、私は観客が私が伝えるものに感動することをどう期待できるのか？」この深い本物らしさはハイデガーの本物らしさの概念と共鳴し、人間は社会的期待への順応ではなく、もっとも深い天職への忠実さにおいて真実を見出すのです。
カーンの肖像画は風景画ほど多くはありませんが、レヴィナスが呼んだ「他者の顔」への深い理解を明らかにしています。例えば1982年の彼の自画像では、単なる物理的表現ではなく、アイデンティティの核心にある根源的な他性との対峙を私たちは目にします。
カーンの晩年のキャリアに対するマシュー・ウォンの影響は、彼の物語に特に痛切な次元を加えています。ソーシャルネットワーク上で生まれ、2019年のウォンの自殺によって悲劇的に断たれたこの世代を超えた友情は、哲学者モーリス・ブランショが呼んだ「告白されない共同体」、すなわち時間的・空間的制約を超えて人間を結びつける神秘的な連結を完璧に示しています。
スコット・カーンの作品は、本当の芸術はタイミングやマーケティングの問題ではなく内面的な真実の問題であることを思い起こさせます。彼の夢のような風景、瞑想的な肖像、形而上学的な構成は、単純なカテゴリーや商業的なレッテルを超越する作品群を構成しています。しばしば壮観さや儚さが支配する芸術の世界において、カーンは私たちに瞑想と深い思索を促す作品を提供し、本当の美しさは真実のように、時として明らかになるまでに時間を要することを思い出させてくれます。
彼の遅咲きの成功は、時間に対する復讐というよりも、忍耐と芸術的本物らしさの検証です。最高級のワインのように、ある芸術家は完全な成熟に数十年を必要とします。スコット・カーンはその一人であり、彼の作品は芸術が哲学と同様に年齢の限界を知らない真実の探求であることを私たちに思い起こさせます。
