よく聞いてよ、スノッブな皆さん。最後の流行のコンセプチュアルな話題をやめて、本物の色の建築家の作品をじっくり見てください。スタンリー・ホイットニー、このアーティストは、誰もが絵画の死を宣告する中で絵画を信じる大胆さを持ち、抽象表現はまだ私たちを驚かせ続けることを力強く思い出させてくれます。
私は長年彼を観察してきました。この特異な画家は、ビジュアルサインを見つけるのに50歳になるのを待ちました。50歳です！若さと即時の成功に取り憑かれたこの時代に、ホイットニーは忍耐と持続の見事な教訓を私たちに提供します。彼がこの特徴的な格子、聖堂の石のように積み重ねられた色の長方形に辿り着くまでにこれほどの時間がかかったのです。
誤解しないでください、彼の方法は単なる機械的な反復ではありません。各キャンバスは闘いであり、色が提供する無限の可能性を探求するものです。ホイットニーはルネサンスの石工のように、顔料のブロックを一つずつ、左から右、上から下に置いていきます。しかし石工が安定を求めるところで、ホイットニーは微妙な不均衡、震え、制御された不安定さを育て、それが彼の作品に命を吹き込みます。
彼の実践はエドムント・フッサールとその現象学を思わせます。ドイツの哲学者のように「事物そのものへ」戻ろうとする彼と同様に、ホイットニーは色の本質に向かい、すべての物語性をそぎ落として純粋な存在、そこにあることだけを残します。各色の長方形はそれ自体が現象となり、視覚経験の直接的な表出となります。
彼が絵画空間を構成する方法には深い民主性が感じられます。どの色も本当に支配的ではなく、各色は隣接する色と平等な関係の中に存在します。まるでホイットニーが階層も抑圧もない、誰もが居場所を持つ理想的な社会を創り出したかのようです。ある種の色彩のユートピアと言えるでしょう。
彼の創造のプロセスは魅力的です。彼はいつもマイルス・デイヴィスの 「Bitches Brew」 を聴きながら描いています。この複雑な実験的ジャズロックの融合は、色がぶつかり合い対話する彼の作品でも反響します。構造は存在しますが、柔軟で有機的、生き生きとしています。
2013年の「Dance the Orange」をよく見てください。鮮やかなオレンジが深い青とぶつかり合い、キャンバス全体に電気的な緊張感を生み出しています。列を分ける横線は決して完全に真っ直ぐではなく、まるで呼吸しているかのようにわずかに波打っています。ホイットニーは幾何学的な完璧さを求めるのではなく、物質を振動させる不完全さを好みます。
フッサールの現象学は、私たちの世界の知覚が常に意図的であり、意識の対象に向けられていることを教えています。ホイットニーの絵画はまさにそのように機能します。彼らは私たちの視線を導きますが、決して捕らえません。目は自由に色のブロックから別のブロックへと移動し、常に新しい関係や新しい色彩の対話を発見します。
ホイットニーはアートの世界の期待に決して縛られることはありませんでした。1960年代に黒人アーティストに明確に政治的な芸術を求められた時、彼は抽象を選びました。1970年代に絵画が死んだと宣言された時も、彼は描き続けました。この頑固さは頑なさではなく、この千年を超える媒体にまだ探索すべき領域があるという深い確信から来ています。
彼の作品は時間についての瞑想です。自分の道を見つけるまでの時間、色を手なずけるのに必要な時間、そして作品を本当に見るために必要な瞑想の時間。私たちが瞬時性とアートの速い消費の時代に生きる中、ホイットニーは私たちに減速し、本当に見る時間をとることを促しています。
イタリア建築の影響は彼の作品に明白で、特に90年代のローマ滞在以降顕著です。積み重ねられた色のブロックはコロッセオの石やルネサンス宮殿のファサードを想起させます。しかし、ホイットニーは文字通りの引用をしません。彼はこれらの影響を吸収し、深く現代的で個人的な何かに変えています。
彼の空間処理の方法にはほとんど形而上学的な次元があります。フッサールが意識の根本構造を理解しようとしたように、ホイットニーは色と絵画空間の根本構造を探求しています。彼のキャンバスは想像上の世界への窓ではなく、私たちの世界に完全に存在し、空間の知覚を変えるオブジェクトです。
ホイットニーはモンドリアンを大きな影響として引用するのが好きですが、オランダの巨匠が純粋な幾何学を通じて精神的な超越性を追求したのに対し、ホイットニーは物質的な世界にしっかり根ざしています。彼の色は官能的で物理的で、ほとんど触覚的です。絵具を置いた手の存在、ためらい、後悔、決断が感じられます。
ホイットニーに興味があるのは、彼が厳密に構築されながらも深く直感的な作品を生み出すことです。各キャンバスは意識的な決断の結果であり、特定の色のブロックをどこに配置するかという決定だけでなく、ジャズのインプロヴィゼーションのように色同士が次々と呼応し合う創造性の流れの中で成り立っています。
彼のパレットは非常に多様です。鮮やかな原色も使えば、より微妙な色合い、色づいたグレー、言葉で説明し難いニュアンスも用います。どの色も同じ尊敬と注意をもって扱われています。彼の色彩の宇宙には階層がなく、高貴な色もありふれた色もありません。
彼の最近の作品のタイトルには鋭い政治的意識が表れています。”Always Running from the Police, NYC 2020″や「No to Prison Life」のシリーズは、抽象がメッセージを持ちながらも図解的や教育的にならないことを示しています。それは静かながらも力強い抵抗の形態です。
ホイットニーは、絵画が死んでいないどころか、かつてないほど生き生きとしていることを思い出させてくれます。デジタル画像で溢れかえる世界で、彼のキャンバスは芸術の直接的で身体的な体験の必要性を主張しています。それらは私たちの存在、注意、時間を要求します。現象学は、私たちの世界の知覚が常に身体に根ざしていることを教えています。ホイットニーの絵画も深く身体的です。それらはそれを生み出した身体の痕跡や、命を吹き込んだ動作の痕跡を宿しています。視覚的なだけでなく、完全に感覚的な体験へと私たちを誘います。
彼の遅い成功、60歳を過ぎて初めて認められ始めたということは、アート界にとって謙虚さの教訓です。真のアーティストは成功のために働くのではなく、内なる必要によって働くということ、そして本物の創造には時間、忍耐、持久力が必要であることを思い出させてくれます。
これは常に進化しながらも自分のビジョンに忠実であったアーティストです。新しいキャンバスのひとつひとつが、色彩の無限の領域への探検であり冒険です。ホイットニーは、格子や長方形という厳しい制約の中で働きながらも、完全な発明の自由を保ち続けることが可能であることを示しています。
私は彼の作品を見ると、フッサールが「エポケー」と呼んだ世界を括弧に入れてその本質をよりよくとらえるという考えを思い出します。ホイットニーは絵画にとって本質的でないものを括弧に入れて置き、基本的なもの、つまり色彩と空間の純粋な関係に到達しようとします。
彼のキャンバスは色が何か他のものを表現したり象徴したりすることなく、完全に色そのものとして存在できる自由の空間です。これがおそらく最終的にはホイットニーの大きな教訓です。自由は制約の欠如からではなく、その制約をどのように受け入れ、自分のものにするかによってもたらされるのです。
そうです、スノッブな皆さん、これらの絵画をよく見てください。本当に見る時間を取り、それらがあなたに作用するのを感じてください。ホイットニーは希少なものを提供してくれます。私たちを感心させるのではなく、世界を別の見方で見させ、色彩と空間の純粋な存在を感じさせる芸術です。それは美しさが私たちの見ているものではなく、私たちの見る方法にあることを思い出させてくれる芸術です。
