よく聞いてよ、スノッブな皆さん。この話はセシリー・ブラウン（1969年生まれ）についてです。彼女は英国から吹き荒れる竜巻のように現代美術の世界に飛び込み、陶磁器の博物館に嵐が吹き込んだかのようです。絵画は死んでしまった、ミニマリズム的なインスタレーションや催眠的な映像の下に埋もれてしまったと思っていたら、大間違いです。ブラウンは、檻に閉じ込められた猛獣のように凶暴に吠えることができることを証明してくれました。おそらくあなた方の中には、絵画を自分の銀行口座のように滑らかに保ちたい人もいるでしょうけど。
ロンドンを離れて1994年にニューヨークに移ったこの女性アーティストは、まるで過去から逃れるハードボイルド小説のヒロインのように、コンセプチュアル・アートの支持者たちを赤面させるほどの大胆さで現代絵画を再考することを強いています。彼女の巨大なキャンバスは、肉と色彩の花火のように私たちの目の前で爆発し、抽象表現主義者たちを日曜日の水彩画家のような控えめな存在にしてしまいます。
彼女の技術を少し見てみましょう。それはベルクソンの純粋持続の哲学を鮮やかに想起させます。アンリ・ベルクソンは、意識を、状態が明確な境界なく互いに溶け合う連続的な流れとして語りました。ブラウンの絵画は、この時間と意識の概念を完璧に体現しています。『Carnival and Lent』（2006-2008）では、人物が絡み合い、固まることを拒む記憶のように溶解し、静的な読み取りを拒む永続的な動きを作り出しています。
絵画を連続的な流れとして捉えるこのアプローチは、『The Triumph of Death』（2019）などの作品で特に響きます。ブラウンは伝統的なメメント・モリをめまいのするほどの色彩爆発に変貌させています。死はもはや終わりではなく、ベルクソンが筆を握ったかのように、現実はモノではなく運動であることを示す連続的な変容の過程です。
彼女の制作方法はこの流れの哲学を反映しています。ブラウンは同時に複数のキャンバス、時には20枚もの作品を同時進行で描きます。それはボールを落とさない狂ったジャグラーのようです。この方法は偶然の産物ではなく、芸術創造そのものを絶え間ない進化の過程として深く理解していることを表しています。
彼女の作品を単なるクーニング、ベーコン、ルーベンスの影響の巧妙な統合だとしか見ない近視眼的な批評家たちは、本質を完全に見誤っています。ブラウンは美術史を引用するのではなく、それを丸呑みし、消化し、新しい形に吐き出して私たちの期待を粉砕しています。彼女のキャンバスは、古の巨匠たちの亡霊が容赦のない絵画の乱闘で戦う戦場です。
『Suddenly Last Summer』（1999）を見てください。6.8百万ドルという手頃な価格でオークションにかけられ、おそらく彼女の銀行家を喜びの涙に暮れさせたでしょう。この絵は単なるスタイルの練習ではなく、美術史の賢明な階層に対する宣戦布告です。ブラウンは高尚文化と大衆文化を、クラシックバレエのレッスンを受けたボクサーの優雅さで踊らせています。
彼女の絵画的なジェスチャーの激しさは無意味なものではなく、表現そのものの性質についての深い思考の一環です。モーリス・メルロー＝ポンティが『目と精神』で書いたように、絵画は世界への窓ではなく、世界が私たちにどのように触れてくるかを見せる方法なのです。ブラウンはこの考えを極限まで押し進め、すべてのキャンバスを絵画そのものが躍動する肉体となる闘技場へと変えています。
この絵画的物質性への哲学的アプローチは、「Black Paintings」シリーズにおいて最も強烈に表現されています。これらの作品は単なる形式的な練習ではなく、知覚と表現の本質についての深い瞑想です。ブラウンは視認性の限界を探求し、私たちに闇の中を見つめさせ、欲望によって形成される形が幽霊のように浮かび上がるまでじっと見させるのです。
彼女の2018年の「Triumph of the Vanities」によるメトロポリタン・オペラハウスでのインスタレーションは、彼女が最も偉大な芸術家たちと肩を並べることができることを証明しています。これらの巨大な作品は単に空間を占めるだけでなく、生きたまま空間を飲み込み、オペラを現代絵画が壮麗な傲慢さとともにその力を主張する劇場へと変貌させています。まるでマルク・シャガールが金の粉を吸い込んだような作品です。
ブラウンの強みは、秩序と混沌、具象と抽象、伝統と破壊という間に常に張り詰めた緊張感を保っていることです。彼女はこれらの矛盾を解決しようとはせず、めまいのするようなワルツの中でともに踊らせ、私たちを疲れ果てさせながらも電気が走ったような感覚にさせます。各キャンバスはニーチェが愛したディオニソス的とアポロ的な力が激突する戦場です。
彼女の最近の難破をテーマにした絵画は、彼女の作品の新たな側面を明らかにしています。2017年の「Where, When, How Often and with Whom」は、単なる難民危機への言及ではなく、人間の脆弱さに関する visceral な瞑想です。ブラウンはキャンバスの表面を荒れ狂う海に変え、身体が生存のために戦う様を描き、アリストテレスの芸術をカタルシスとする概念を思い起こさせます。
誤解しないでください。彼女の動作の見かけの自発性の裏には、サディスティックな外科医の精密さで絵画的物質を操る計算高い精神が隠れています。飛び散った一滴一滴、滴り落ちる一筋一筋が複雑な振付で演出され、キャンバスの表面を歴史の幽霊が最後の公演を行う影の劇場へと変えるのです。
彼女の人体へのアプローチは注目に値します。無菌的で概念的な芸術に浸る同時代の芸術家とは異なり、ブラウンは肉屋の詩人のように絵具の中に手を突っ込みます。彼女の裸体は欲望の対象ではなく、肉体自体が絶え間なく変容する戦場のように見えます。身体を絶え間ない変容の場として見るこのビジョンは、ジル・ドゥルーズの身体の理論に呼応しています。
ブラウンの現代的なヴァニタスは、特にメトロポリタン美術館で展示された「Death and the Maid」シリーズにおいて、伝統的なジャンルを驚くべき大胆さで再発明しています。彼女は芸術の儚い永続性と存在の儚さの間の緊張を探求し、古典的なメメント・モリをその複雑で混沌とした生命の熱狂的な祝祭へと変えています。
彼女の絵画技法は、感情や感覚の地質層のように絵の具の層を重ねることで、時間の深さの効果を生み出し、ドゥルーズ的な時間の純粋な多様性の概念を想起させます。各キャンバスは過去と現在が壮大に衝突する領域となっています。
フランシス・ベーコンの彼女の作品への影響は否定できませんが、ブラウンはベーコン的な暴力性をより曖昧で、おそらくより不穏なものへと変換しています。ベーコンが “事実の残酷さ” を捉えようとしたのに対し、ブラウンは事実そのものが絶えず溶解していることを私たちに示しています。彼女はまるでベーコンの拷問を受けた姿を取り上げ、それらを死のワルツで踊らせたかのようです。
商業的成功、数百万で売れる彼女の絵画を非難する批評家たちは、おそらく前衛的だと思い込んでNFTを収集しているのと同じ人たちでしょう。ブラウンは不可能を成し遂げました：パスティーシュや従順な敬意に陥ることなく、芸術の歴史と対話する、決然と現代的な絵画を創造したのです。
「The Last Shipwreck」（2018）のような作品で、彼女の光と色への取り組みは卓越しています。彼女は色を武器として使い、不協和音の調和を生み出し、それが目を攻撃しながらも魅了します。まるでロスコがターナーとレスリングを始めたかのようです。
伝統的に男性が支配してきた領域を征服した女性画家としてのブラウンの独自の地位は、その芸術的ビジョンの急進性を覆い隠してはなりません。彼女が重要なのは、男性のように描く女性だからではなく（そのような愚かな概念ではなく）、他の誰とも違う描き方をするからです。
彼女の最新作はより抑制的に見えるかもしれませんが、それに騙されてはいけません。この見かけの知恵の裏には、21世紀の絵画が達成できる限界を押し広げ続ける飽くなき野心があります。ブラウンは絵画が死んでいないことを示しており、それはただより野生的に、より自由に、そして無限に危険になったのです。
