よく聞いてよ、スノッブな皆さん：セレステ・ラポーネはチェスを指すように絵を描く。ただし彼女の場合、失敗した手が形式的な勝利になる違いがある。1985年にニュージャージーで生まれ、シカゴを拠点に活動するこの女性アーティストは、身体がねじれ、物体が増殖し、絵画空間が頑なに呼吸を拒む飽和した構図を通じて現代の女性の状況を問いかける作品を15年間築いてきた。
2024年にCorbett vs. Dempseyで開催された最近の展覧会「Big Chess」は彼女のアプローチを結晶化している。11点の作品は「出演者」と「観客」に分かれ、女性たちは演劇的な場面で過剰にパフォーマンスを示し、一方で肖像の縮小された女性たちは諦観と後悔を示している。この二分法はラポーネの作品で新しいものではないが、ここでは特に鋭敏に現れている。人物は公園で巨大チェスを指し、ハイキングをし、カヌーからサメ釣りをする。これらは日常的な活動であるが、彼女が空間を圧縮し解剖学を歪める方法により存在の試練に変容している。
ラポーネの作品を貫くのはオランダ黄金時代への言及で、それは生産的な執着のようなものである。彼女自身が17世紀オランダ絵画に特有の「この単純な出発のアイデア」に興味を示している[1]。しかし、静謐な光で彼女の日常室内を包んだフェルメールとは対照的に、ラポーネは不安を生み出す現代的な物体の氾濫で絵画構図を満たしている。Nightshade（2022）では女性が指で作った枠を通して場面を見ている。この入れ子構造は17世紀のオランダ画家が用いた視覚装置を想起させる。フェルメールの外部の場面を囲む窓やファン・エイクの隠れた空間を示す鏡といったが、それに毒の効いた皮肉が加わっている点は原作には無い。
フランドルの静物画は精密に制御された貴重な物の積み重ねを通じて商業的豊かさとこの世の虚栄を称賛していた。ラポーネはその語彙を取り込みながら反転させる。リコラの包装紙、シリカゲルの袋、チェリー7UPの缶、イエロー・テイル・シラーズのボトルといった彼女の集積物は21世紀の虚栄であり、富を示すのではなく、強迫的消費主義と過負荷な家庭生活を証言している。このオランダ絵画のジャンルの社会学的批評への変容は説教臭くない。彼女が含める特定の物体、Klean Kanteenの水筒、カラヴァッジオの複製が印刷されたジャケット、TikTokで知られるDavid Burryの「Shoe」チェアは、時間的・文化的な指標として機能し、これらの構図を私たちの現代性にしっかりと根差しつつ、絵画伝統との対話を維持している。
光はオランダの遺産と繋がるもう一つのポイントであるが、根本的に再解釈されている。フェルメールが瞑想的な空間を作り出すために自然光の演出を用いたのに対し、ラポーネは人工的で劇的な光の舞台装置を構築している。例えば「Blue Basement」（2023年）では、三人の人物が椅子型の靴の上に座ってポーカーをしている夜の室内で、水が地下室を浸している。この作品は圧迫感ある雰囲気を生み出している。上昇する水は不穏な物語のディテールであり、地理的に不安定なオランダの画家たちの関心を思い起こさせるが、ここでは無視された家庭内の災害の隠喩として変容している。
空間性はラポーネと彼女のオランダの先駆者たちとの間で最も顕著な差異かもしれない。ピーター・デ・ホーホの室内画は安心感のある幾何学に沿って遠近法と奥行きを構成していた。ラポーネは一方で、奥行きを意図的に潰し、人物や物体を前景に押し出し、圧迫感と閉塞感を生み出している。この承知の平坦さは17世紀よりもキュビズムやモダニズムにより多く由来し、家庭の場面に対する視線を変えている。もはや調和のとれた空間を眺めることはなく、枠をはみ出しそうな要素の目眩く積み重なりに直面しているのだ。
歴史的な言及を超えて、ラポーネの作品は現代の女性の身体に対する社会学的な研究であり、我々の時代の相反する命令の中に捕らえられている。彼女の人物は解剖学的に不可能なポーズをとり、手足が引き伸ばされ、身体が圧縮され、関節が信じがたいほどねじれている。こうした体系的な歪みは無意味でも単なる形式的なものでもない。それは女性が同時にすべての役割を果たすように求められるプレッシャーを視覚的に具現化しているのだ：野心的なプロフェッショナル、魅力的なパートナー、潜在的な母親、そして完成したアーティストとして。
「Muscle for Hire」（2022年）はこのテーマを印象的に示している。ピンクのベルベットのジャージを着た女性がサッカーグラウンドの中央で虚無に向かって黒い穴を掘っており、汚れたかかとにハトが止まっている。彼女の周りには郊外の出産に関わるゴミが積もっている：駐車券、水のボトル、リコラののど飴、シリカゲルの袋。ラポーネは40代に近づく頃、自身の母性との関係を問いかけていた。この自伝的な側面は彼女の全制作を貫くが、直接的な告白にはならない。人物像は十分に一般化されており、教育を受け、野心的で、決断の迷いに直面している一世代の女性たちの条件を表すアバターとして機能している。
シリーズ「House Sounds」（2023年）は現代女性の日常の社会学を展開している。「Drawing Corner」では、女性が同時に抵抗バンドを使った運動とバロックな静物画のデッサンを試みている：光る頭蓋骨、紫のアスパラガス、蛇の皮のブーツ、アイロン台の上に配されたパルメザンチーズ。この馬鹿げたマルチタスクの試みは、女性にすべてを同時に成し遂げるよう求める強制を示しており、住宅空間さえも恒常的なパフォーマンスの舞台に変えてしまっている。床には空の公式封筒が落ちており、この創造的な狂騒を駆り立てる経済的な緊急性を示唆しているかもしれない。
ユーモアは、Raponeにとってこれらの圧力に抵抗する戦略となっている。”Trymaker”（2023年）は、ピンクのバケットハットと色あせた白いランジェリーを身に着け、金網のフェンスの後ろの長椅子にだらりと座る女性を描き、ロボット芝刈り機が小さな庭の手入れをしている。観客に向かって飛び立つように見える揺れたボールの遊びは、逃避願望と自由の不可能性の両方を物質化している。紐で繋がれているため、そのボールは必然的に落ちてしまう。この家庭の閉じ込めのイメージは解放として提示されており、作品が持つ社会学的批評を要約している。
Raponeが注意深く作品に含める特定の物品は、民族誌的なデータとして機能している。ネックレス、タトゥー、シャネルのデカール、トートバッグ、ブラジリアンワックス、レースのブラジャー：これらの要素は特定の社会階級と世代の身体的および消費習慣を記録している。ニュージャージー出身のイタリア系アメリカ人カトリックの家庭に育った彼女は、自身の過去から個人的な逸話を遥かに超えた視覚的語彙を構築している。思春期に欲しかったが両親が買い与えなかったスニーカーや、学校のパーティーで輝かせるために点灯させたネックレスなど、これらの細部は中流階級の文化の症状となっており、キッチュに囚われながらも身分向上を望んでいる。
世代的な側面は「Nightshade」(2022年)の展示で明確に現れている。葬送の色調、ボッティチェリの「ヴィーナスの誕生」の複製が飾られた携帯電話で撮影されたニュージャージー・トランジット内のセルフィー、午前3時14分にカミソリで切ったニンニク：これらの場面は、過ぎ去った青春への二面性ある郷愁と、不満足な現在への不安を呼び起こす。彼女は自身の芸術的キャリアが失敗し、故郷の郊外に残り、ニューヨークの美術館を時折訪れるに留まり、最終的に達成した職業的成功に恵まれなかったらどうなったかを明確に問いかけている。
この社会学的探求は、絵画制作自体の実践をも免れていない。Raponeは下絵なしでalla primaで描き、直感的に層を重ねて構図を構築する。彼女は自身の方法をチェスのゲームに明示的に例えている。「チェスとの比較で興味深かったのは、絵画において選択の連続をしても、それらがどう展開し合い応答するか確信できないことだ。色々な角度から入り込み、何かが開けるまで続ける。そしてしばしば負ける。しかし、何度も何度も試みることができる」[2]。この声明は、彼女の作品における形式的関心と存在的関心との交差点を完璧に要約している：絵画の失敗は人生の失敗の隠喩となり、その逆もまた然り。
Celeste Raponeの作品は、絵画の伝統と現代の緊急性、卓越した技術と絶え間ない疑念、ユーモアと絶望の不快な交差点に位置している。彼女が全身を構図に無理やり収め、魅力的なトリミングを拒否する決断は、美的であると同時に政治的なジェスチャーであり、これらの女性たちの脆弱性、不器用さ、不可能なポーズを完全にさらけ出す行為となっている。
アーティストは夫に、制作途中の作品に笑いが起こるとき、その絵画はうまく進んでいることを知っていると打ち明けています[3]。この告白は、彼女の制作におけるユーモアの解放的な機能を明らかにします。矛盾する命令、広がる不安、圧倒的な期待に直面して、笑いは抵抗の行為となります。Raponeの人物像は、姿勢を保つこと、任務を果たすこと、理想を体現することに壮絶に失敗しますが、その失敗そのものが完璧さの専制から彼女たちを解放します。
この不完全さの祝福は、女性の状況を美化せずに率直に矛盾を示すPaula RegoやNicole Eisenmanのようなアーティストの仕事を引き継いでいます。しかしRaponeは、郊外のイタリア系アメリカ人としての出自、厳格な学術訓練、そして何よりも不快感を絵画的な力に変える能力という自身の声を加えています。
彼女が「Swan」(2019)でキャンバスを引き伸ばす女性を描くとき、この労働的な動作の欠けた優雅さを皮肉るタイトルとともに、Raponeはおそらく最も示唆的なジェスチャーを行っています。それは、絵画を肉体的な労働、不遇な努力、素材や自己との闘いとして見せることです。絵画はキャンバスの裏面となり、その内部構造を明らかにし、幻想を拒絶し構築を露呈します。この形式的な誠実さは、作品全体に貫かれる感情的な誠実さを反映しています。
Raponeは何の解決策も容易な慰めも提供しません。彼女の人物たちは圧迫された空間に閉じ込められ、所有物に押しつぶされ、野心にねじ曲げられています。しかし今日女性であることの困難さを容赦なく描き、従来の絵画的魅力を拒否し、恥ずかしい詳細を積み重ねる中で、奇妙なことにある種の尊厳が現れます。これらの女性たちは確かに失敗しますが、試み続けます。何度も何度も。アーティストがキャンバスの前でそうであるように、彼女たちは続け、さまざまな角度から入り、やがて何かが開くことを期待します。
- Art Verge、『遊び心のある体積と色の相互作用がCeleste Raponeの絵画を彩る』、Yannis Kostarias、2019年3月8日
- Meer Art、『Big Chess』、2024年11月25日
- Femme Art Review、『フィギュアは毎回勝つわけではない：Celeste Raponeとの対話』、Elaine Tam、2020年7月30日
