よく聞いてよ、スノッブな皆さん。デイヴィッド・サルは、現代の視線の断片化について、私たちの意識がどのように異質なイメージを同時に吸収し、それらを階層なく並置し、それでも意味を見出すことができるのかに関する見事なレッスンを提供しています。1952年にオクラホマ州ノーマンで生まれたこのアーティストは、40年以上にわたり、大胆に私たちの知覚を操作し再構成し続け、最も辛辣な批評家たちをも挑戦し続けています。
サルは1980年代にニューヨークが新しい芸術運動の熱狂と混沌の時代との間で揺れる中、不可欠な存在として登場しました。彼は後に「Pictures Generation」と呼ばれることになる、メディアの取り込みと大量メディアの探求を通じてイメージの立場を問い直すアーティストたちの重要な一員となりました。カリフォルニア芸術大学でジョン・バルデッサリの指導を受けたばかりの若者は、その大胆さで際立っていました。
サルのアプローチで印象的なのは、多様なイメージを組み合わせるその一見軽率な様子です。古典的な絵画の断片が1950年代の広告と隣り合い、エロティックな写真が図式的な描画の上に重ねられています。単なる無秩序なコラージュの遊びと思われがちですが、その混沌の裏には鋭い視覚的知性と絵画の文法への深い理解が隠されています。
彼の2000年代初頭の「Pastorales」では、古典的な牧歌的風景を鮮やかな色彩と現代的なイメージの埋め込みで再訪しています。サルは単に異質な要素を並置するのではなく、新しい視覚文法＝私たちの断片化された世界の経験を反映する言語を創り出していました。「あるイメージは世界の働きについて深い何かを明かしているように見えます。それらは意識の構造自体にアクセスできるかのようです」と彼は述べています[1]。この言葉は彼の芸術的志向を完璧に表しています。
意識はサルが彼の作品を通じて特に興味深く探求した概念です。彼の絵画を注意深く観察すると、ペルソナリズム的な現象学というよりは、意識の流れの中でイメージをどのように統合するのかという実証的探求という形で、知覚の哲学的考察が感じ取れます。サルの絵画は統一された世界への窓ではなく、異なる現実や時間性が衝突する多数のスクリーンなのです。
サルのアプローチで特に印象的なのは、彼が絵画の伝統的な限界を超え、驚くべき弾性をもつ絵画空間を創造していることです。単にイメージを並置するだけでなく、それらの間に緊張や対話、時には対決を生み出しています。具象的な要素は仮想空間に浮かび、遠近法や重力の法則に挑戦しています。このアプローチは編集や重ね合わせのような映画技法を思わせ、サル自身が1995年に監督した映画『Search and Destroy』で直接探求したものでもあります。
映画撮影技術は、まさにサルの作品を理解する上で重要な参考資料となっています。彼は「絵を描き始めて以来、絵画の中で画像の流動性や驚き、映画編集の同時性を得ようと努めてきました」と説明しています[2]。この映画の影響は彼の作品の形式的な構造にとどまらず、その内容自体にも及んでいます。ダグラス・サーク、ライナー・ヴェルナー・ファスビンダー、プレストン・スタージェスなどの監督への言及が頻繁に見られ、サルは彼らの視覚的に豊かで感情的に複雑な世界を創造する能力を称賛していました。
サルの作品におけるこの映画的側面は、彼の仕事のもう一つの基本的な特徴である演劇性を考察することへと導きます。サルは振付家カロル・アーミテージと協力して多数のバレエの舞台装置や衣装を制作しただけでなく、彼の絵画自体にも否定できない舞台的な質があります。そこに登場する人物たちはしばしば役を演じ、意図的にドラマチックまたは人工的なポーズを取っているように見えます。これらの構成には生きた絵という何かがあり、私たちに現実ではなく表象に直面していることを思い出させる演出がなされています。
サルの作品の中心にはこの表象への鋭い意識があります。彼は一枚のキャンバス内で抽象画からハイパーリアリズム、線描画から写真再現まで様々な絵画スタイルを組み合わせることで、私たちの画像知覚を支配する慣習に気づかせます。サルに統一されたスタイルはなく、むしろ各表現形態の可能性と限界を絶えず探求しています。
このアプローチで特に興味深いのは、それが私たちの現代の画像体験を映し出している点です。デジタル時代の私たちは広告、映画、写真、芸術作品といった異質な視覚情報に絶えず晒され、これらは瞬時にアクセスされしばしば同時に消費されます。サルの絵画は、一見無関係に見える画像の連結によって、インターネットやソーシャルメディアの出現以前からこの断片化された経験を先取りしていました。
しかし、サルの作品を単なるメディア文化へのコメントに還元するのは誤りです。彼の作品は理論的な宣言ではなく、視覚言語の感性的かつ個人的な探求です。画像間に予期せぬ結びつきを作り出し、形式的対比を通じて感情的な共鳴を確立する彼の方法には深く詩的な側面があります。
この詩的な側面は、2020〜2021年のCOVID-19パンデミックの間に制作された彼のシリーズ『生命の木』で特に明らかです。これらの作品はアダムとイヴ、エデンの園、そしてニューヨーカーの風刺画家ピーター・アルノへの言及を含み、サルの作品の新しい方向性を示しています。絵画はモノクロと多色のパレットを交互に用い、音楽の構成の変奏を想起させる視覚的リズムを生み出しています。天空と大地を結ぶ神話的な木である『生命の木』への言及は、彼の以前の作品の断片化と対照的に、統一とつながりへの憧れを示唆しています。
サルの最近のこの進化は、彼が芸術の道具として人工知能を探求していることと一致しているため、非常に興味深いものです。2023年には、彼のスタイルを反映した画像を生成するプログラムを作成するために、情報技術者と協力しました[3]。このアプローチは、常に画像の厳選と意図的な並置に重点を置いてきたアーティストにとっては逆説的に思えるかもしれません。しかし、それはまた、絶えず知的な好奇心を持ち、自身の実践の境界を押し広げようとする意志の表れでもあります。
サルの人工知能との経験は、創造性の本質と芸術の独自性に関する魅力的な疑問を提起します。彼自身が述べているように、彼は「機械を美術学校に通わせ」、基礎的と考えるアーティストの画像、例えばアーサー・ドーヴ（線のため）、エドワード・ホッパー（ボリュームのため）、デ・キリコ（空間のため）、アンディ・ウォーホル（色のため）、および自身の「Pastorales」を機械に学ばせました[4]。このアプローチは、芸術的スタイルがどのように構築され伝達されるか、形式的な要素に分解され、新たな何かを創り出すために再結合され得るかについての深い理解を示しています。
この取り組みには深い皮肉が含まれています。既存の画像の盗用でしばしば批判されてきたサルは、今、自分自身のスタイルが機械によって盗用され再結合されるのを目の当たりにしています。しかし、この皮肉は彼を困らせていないようです。むしろ、彼は自分の視覚言語が人工知能によって変容し拡張される可能性に魅了されているようです。
変革に対するこの開放性、この絶え間ない探求心こそがサルのキャリアを最もよく定義しているのかもしれません。1980年代の挑発的な初期作品から人工知能を用いた最近の実験、映画や舞台美術への進出に至るまで、彼は常に慣習に疑問を投げかけ、可能性の幅を広げてきました。
注目すべきは、この多様なアプローチにもかかわらず、彼の作品が即座に認識できることでしょう。サルの署名と呼べるものは、均一なスタイルではなく、特有の感性、視覚的世界の見方や考え方にあります。彼自身も「もし強いアイデンティティを持つ強いアーティストであれば、自ずと道を見いだす」と述べています[5]。
この強いアイデンティティは、彼の芸術的伝統との関係に顕著に現れています。サルは美術史を拒絶する偶像破壊者ではありません。むしろ、彼はその歴史を積極的に自身の作品に取り入れ、カラヴァッジョ、ジョルジョーネ、ワトー、ピカソなど多様なアーティストとの対話を築いています。しかし、これらの引用は単なる模倣ではなく、変容され、文脈を外され、大衆文化のイメージやアーティストの独自の創作物と関連付けられています。
異なる伝統間を行き来し、「高尚な」文化と「大衆的な」文化との橋渡しを行うこの能力が、サルを現代の象徴的なアーティストにしているのです。伝統的な芸術分野間の境界やエリートと大衆文化の垣根がますますぼやける世界において、彼の作品はこの複雑さを逃げずに受け入れる創造のモデルを提供しています。
そして、おそらくそこにサールの作品の本当の意味が現代において存在しているのでしょう。視覚的情報が絶え間なく断片化され、再構成され、文脈から切り離されたイメージで溢れる世界において、彼の絵画は単なる逃避ではなく、この経験に意味を与える方法を示しています。それらはこの複雑な視覚の風景をどう航行するか、混沌の中でどのように予期しないつながりや感情の共鳴を見つけるかを教えてくれます。
批評家たちはしばしばサールを冷たさや感情の乏しさで非難してきました。しかし、その読み方は彼の作品の基盤にある深い感受性を見落としています。彼の絵画が時に距離を置いたり皮肉めいているように見えるのは、現代社会におけるイメージとの関係のアンビバレンスを正直に反映しているからです。私たちはイメージに飽和しながらも渇望し、その力に対して懐疑的でありながらも純真なのです。
おそらく、この誠実さこそがサールの作品の強さです。彼は簡単な答えや普遍的な真実を提供しようとはしません。むしろイメージの星座や意味の潜在的なネットワークを提示し、私たちに自分自身の道を見つけるよう促します。大きな物語が力を失い、確信が揺らぐ世界で、この開かれた探求的なアプローチは特に意義深いものに思えます。
デヴィッド・サールは、デジタル時代において絵画が時代遅れの媒体ではなく、世界の視覚体験を探求し理解するための強力な道具であり続けることを思い出させてくれます。彼の作品は意図的な複雑さと簡単な解釈を拒む姿勢で、私たちに立ち止まって丁寧に観察し、自分のつながりを見出すことを強います。瞬時の消費が文化となっている中で、この積極的な思索への招待はこれまで以上に貴重です。
ですから、次にサールの絵画の前に立ったときは、そこで迷い込み、彼の視覚的連想の糸を辿り、その意外な並置に驚かされてください。なぜならイメージの間、その共鳴と対比の遊びの中にこそ、彼の芸術の真の力が示されるからです。この芸術は世界の経験を簡素化しようとするのではなく、その複雑さ、矛盾、美しい混沌を受け入れようとするものです。
- Thaddaeus Ropacギャラリーのウェブサイト、『David Salle』。
- Artnetウェブサイト、アーティスト紹介ページ「David Salle」。
- “How to Train an Artistic AI”、David Salle、ArtReview、2025年4月9日。
- The Guardian、『「私はAIを美術学校に送った！」ポストモダンのマスターが機械に彼の古い作品を強化させた』、2025年4月15日。
- Interview Magazine、『David Salleはこのインタビューのための見出しを考えている』、2023年11月6日。
