よく聞いてよ、スノッブな皆さん。今こそ、サリー（英国）出身の1996年生まれのパム・イヴリンについて語る時です。この台風のような画家は、現代アート界を大きく揺るがしています。わずか28歳で、21世紀に絵を描くことの意味についての見事な教訓を私たちに提示してくれます。若いアーティストへの偏見は忘れてください。彼女は違います。
彼女の作品で最も印象的なのは、ほとんど超自然的な能力で絵画を生きた力に変える点です。彼女のキャンバスは単なる顔料で覆われた平らな面ではなく、息づき、汗をかき、ウォルター・ベンヤミンが芸術作品のオーラについて描写した強度で震えています。しかし、誤解しないでください。彼女は単なるアメリカの抽象表現主義の継承者ではありません。いいえ、イヴリンははるかに急進的で現代的で緊急性の高いことをしています。
彼女の作品から浮かび上がる最初のテーマは、絵画の物質性との本能的な関係です。2022年の大作三部作 “Hidden Scene” では、イヴリンは単に描くだけでなく、表面と深みの間の壮絶な戦いを演出しています。黒い跡が散らばった荒いキャンバスの帯は単に表面に貼られているのではなく、その下の万華鏡のような構図と明確な緊張感を生み出しています。まるでモーリス・メルロー=ポンティが絵画の授業を受けたかのように、知覚の現象学がここに具体的かつほとんど暴力的な形を取っています。
この物質性へのアプローチは、ローラン・バルトが “現実のテクスチャー” について書いたことを思い起こさせますが、イヴリンはその概念をさらに推し進めています。彼女はテクスチャーを示唆するだけでなく、文字通り、一層一層重ねて創り出し、一本のキャンバスに最大六ヶ月かかる制作プロセスです。これはジル・ドゥルーズの折り畳みと展開の理論を思わせますが、断固現代的な絵画言語で表現されています。
彼女の作品を貫く二つ目の主題は、時間と動きに対する彼女の関係性です。例えば「Deluge」(2023)では、絵画の表面が原色の筆跡の嵐の舞台となり、暗く傷ついた背景の上にまるで紙吹雪のように降り注ぎます。この作品は、計測された時間ではなく、生きられた時間である純粋持続についてのアンリ・ベルクソンの考察を思い起こさせます。しかしベルクソンが理論化したのに対し、エヴリンはそれを具現化しています。
彼女の魅力は、絵を描く行為を一種の実存的パフォーマンスに変える能力にあります。各キャンバスは、コントロールと混沌、意図と偶然の間での戦いが繰り広げられる戦場となります。そして、戦後の抽象表現のジェスチャーをリサイクルするだけの一部の現代画家とは異なり、エヴリンは独自の絵画言語を創造しています。
「Traced Train Windows」(2023)では、彼女は列車の旅の体験を捉えていますが、それは文字通りではありません。いいえ、彼女は動きそのものの感覚を翻訳しています。脂ぎった窓ガラス越しに風景が歪み、ぼやける様子を通して。それはまさにアンリ・ルフェーヴルの空間生産論で、単なる表象にとどまらず、新たな空間的現実を創造しています。
特に私が気に入っているのは、彼女のフォーマットの使い方です。彼女のキャンバスは単に大きいだけでなく、野心的です。彼女が幅約5メートルの二連作を制作するとき、それは単に見せ場を意図したものではありません。彼女の絵画言語が完全に展開するためにはこの空間が必要だからです。まるでロバート・モリスがその「Notes on Sculpture」で理論化した、芸術の物理的体験におけるスケールの重要性を本能的に理解しているかのようです。
彼女のパレットについても語りましょう。暖かみのある青がカエルの緑と衝突し、黄色が嵐の空に稲妻のように現れます。まるでターナーからハワード・ホジキンまでのモダンアートにおける色彩の歴史を彼女が吸収し、完全に個人的な何かを生み出したかのようです。彼女は人に媚びるために描くのではなく、今日の絵画とは何かという私たちの確信を揺さぶるために描いています。
2022年のコーンウォールのポースモア・スタジオでのレジデンスは彼女の決定的な転機を示します。荒れ狂う海と激しい風に直面し、彼女はさらに身体的な絵画アプローチを発展させました。自然の要素は単なるインスピレーションの源だけでなく、創作過程におけるほとんど共同制作者となりました。彼女がこの体験を深く個人的なものに変えつつも、作品が安易なロマンティシズムの罠にはまらないように批判的距離を保っているのを見るのは魅力的です。
「Mirage, A Glaze of Mischief」(2023)では、彼女は本当に卓越したことを成し遂げています。それは一時的な現象、儚い光の遊びを絵具の厚みを通じて永続的かつ具体的なものに変えることです。キャンバス上部から展開し、絡まり、折れ曲がり、断片化する発光する筆致は、固定された動きのめまいを感じさせます。彼女はまさにモーリス・ブランショが「瞬間」と呼んだものの本質を捉えたかのようです。
エヴリンを同時代の作家たちと本当に区別するのは、彼女の妥協を許さない頑なさです。他の若いアーティストたちが既成のフォーミュラの模倣で満足する中で、彼女は絵画が何でありうるかの限界を常に押し広げています。彼女のプロセスにはしばしば作品の部分的破壊も含まれており、それはジョルジュ・バタイユの浪費と過剰に関する理論を思い起こさせる意図的な「破壊」という行為です。
しかし、誤解しないでください。彼女の制作過程に見られるこの明らかな暴力性は無意味なものではありません。最も破壊的な動作でさえ、現代絵画の可能性に関するより広範な探求の一部なのです。まるで彼女がジャック・デリダの脱構築の理論を実践しているかのようですが、言葉ではなく筆と油絵具で行っているのです。
彼女が時間を扱う方法は特に魅力的です。彼女のキャンバスは単なる線形のプロセスの結果ではなく、瞬間の蓄積、決断、後悔の積み重ねです。まるで彼女が層状に作品を創り出し、それぞれの絵具の層が前の動作の記憶を内包しているようです。このアプローチは、ポール・リクールの時間性と物語性に関する考察に呼応しており、極めて力強い視覚言語に翻訳されています。
注目すべきは、わずか28歳にして驚くべき成熟した芸術的声を既に発展させていることです。彼女の作品は単に美しいとか印象的といったものではなく、必要なものです。彼女が最近ペース・ギャラリーに登場したのは驚くべきことではなく、芸術の制度的世界が彼女の才能を認める時が来たということです。しかし、パム・エヴリンは容易に市場に馴致されるアーティストではありません。彼女の作品には粗さと強烈さが保たれており、それは安易な商品化に挑戦します。
エヴリンの真の力は、同時に複数のレベルで機能する作品を創造するところにあります。彼女の絵画は深く知的でありながら本能的に肉体的であり、歴史的な意識を持ちつつ断固として現代的です。彼女は稀有な偉業を成し遂げています。感覚と精神の両方に語りかける芸術を創造しているのです。パム・エヴリンはまれな存在を表しています。絵画を探求と発見の手段としての可能性に揺るぎない信念を持っているのです。彼女の作品は芸術が死んでいないことを思い出させてくれます。限界を押し広げる勇気さえあれば、それはかつてないほど生き生きとしているのです。
