よく聞いてよ、スノッブな皆さん。フランシス・オショーネシーは、あなたたちが思っているような人物ではありません。彼は28か国を巡った単なるヴィジュアルラブレターのパフォーマーでもなく、湿版コロジオンに取り憑かれた写真家だけでもありません。彼は我々の超デジタル化時代に対する詩的抵抗の実体であり、過去と現在、物質性と儚さの間の不明瞭な水域を航海する者です。2002年以来、このケベック出身のアーティストは、自身が「パフォーマティブ俳句」と呼ぶ、媒体の境界を超越する視覚言語を築いてきました。
オショーネシーにまず印象づけられるのは、古代の写真技術を蘇らせようとするその愛おしいまでの執念です。2019年、彼は1851年に遡る湿版コロジオン法の習得に乗り出しました。これは金属板を光感受性面に変える技法です。なぜ毒性のあるエーテルの蒸気や、繊細な銀塩の操作を自らに課すのでしょうか？今日ではどんな若者も親指一つの動きで高精細な映像を記録できるのに。まさにそこに彼のアプローチの破壊的な美学があるのです。完璧で交換可能なイメージの社会において、オショーネシーは偶発性、不完全さ、そしてゆっくりした速度を育んでいます。
彼は言います。「感覚を刺激する芸術に没頭する必要がある」と。「非物質性や機械よりも人間を重視している」[1]。もし彼の仕事が稀有な一貫性を伴わなければ、この声明は単純に見えるかもしれません。彼が蛇腹カメラをコンピュータ画面の前に置いてデジタル画像を湿版コロジオンに変換するとき、オショーネシーは単なる懐古的な動作をしているのではありません。彼は真の時間的変容、二つの時代の衝突を実行し、二つの世界の間に宙吊りにされたような幽霊的な画像を生み出しています。
コロナ禍に制作された彼のシリーズは、この緊張を完璧に表現しています。連続したロックダウンにより人間モデルを失ったアーティストは、コロジオンの錬金術的フィルターを通じて自身の過去のデジタル写真を撮影する装置を考案しました。その結果は？幽霊のような風景、1世紀半もの時間を超えて届いたかのような非物質的な肖像です。これらの画像は単なる複製ではなく、新しい意味の層の下に原作を垣間見ることができる再解釈、視覚的証言なのです。
オシャフネシーの作品の中心には時間性があり、それは彼の写真やパフォーマンスの実践の両方において顕著です。この芸術家が博士論文をパフォーマティブなラブレター、つまり「言い表せないものについての言説」に捧げたのは偶然ではありません。真実の愛情を経験したことのある者なら誰でも知っている根本的な不可能性があります：言葉や映像、ジェスチャーで、常にその枠を越えて溢れ出すものをどう表現するか？オシャフネシーの芸術はまさに、この言い表せないものと言語化された感覚表現の間の緊張にあります。
俳句という超凝縮された日本の詩形は、彼にとってこの不可能な課題を解決する手本となっています。「パフォーマティブな俳句は、内面的な共鳴を表現する詩的イメージを顕現させるものであり、それは他でもない愛の信仰行為です：恋愛の言説の想像力を喚起する幻想です」[2]。この定義には、この芸術家の独自性が表れています：知性と感性、理論と直接体験を結びつける能力です。
2013年にバンクーバーで発表された彼のパフォーマンス《シルクの風景》は、このアプローチを完璧に示しています。極めてシンプルな仕草で、オシャフネシーは絹の布を広げ、それが徐々に想像上の風景へと変わっていきます。物語性も展開もなく、ただ私たちに普通の物が瞬間的に無限の心象投影の受け皿になる魔法を感じさせます。三行詩の俳句が三つの句で季節全体を呼び起こすように、オシャフネシーはほとんど何もないもので宇宙を創造します。
この手段の節約は文学、特に詩に連なります。オシャフネシーは視覚芸術家として自認しますが、その仕事は語源的な意味で非常に詩的です：poiêsis、創造、制作です。長時間露光や複雑な化学処理を伴うコロジオン写真は、画像の製作そのものであり、写真（光の記録を意味する語源）の単なる機械的記録からはほど遠いものです。
オシャフネシーが光とともに書くものは、単なる再現を超えた視覚的な詩です。2023年にメゾン・ド・ラ・キュルチュール・メゾヌーヴで発表された《風景に入って恋に落ちる》シリーズでは、彼は風景写真の古典的ルールを躊躇なく破ります。122×170cmの大判作品は忠実に場所を記録しようとはせず、環境との感情的な関係や体験を翻訳しようとします。コロジオンの偶発的効果である滴り、ぼやけ、欠陥などが、個人的な視覚言語の文法となり、主観的な現実の書き方における句読点や感嘆符となります。
彼の作品の詩的な次元は時間感覚との関わりにも現れています。「コロジオンの実践においては決定的瞬間はなく、ただ時間が存在する。これは”スロー写真”に入ることであり、瞬間ではなく持続時間を記録しているのです」[3]。この言葉はアンリ・カルティエ＝ブレッソンの有名な「決定的瞬間」へのほとんど露骨な言及であり、シーンのすべての要素が完璧に揃ってバランスの取れたイメージを作る瞬間のことです。オシャフネシーは根本的な代替案を提示しています：瞬間を捉えるのではなく、持続時間や時間の流れを記録するのです。
このアプローチは、フランシス・ポンジュの詩とその最も質素な物への注意深さ、そして物の儚い外観ではなく永続的な本質を捉えようとする欲求を奇妙に思い起こさせます。ポンジュが小石やオレンジを記述の積み重ねで表現しようとしたように、オシャーネシーは、露光中に流れ乾燥するコロジオンが時間の経過の可視な痕跡となり、ベルクソンの時間の持続の具現化として、風景の本質を文字通りイメージに時間の経過を刻み込む技法を通じて捉えようとしています。
湿式コロジオンの過程に内在する遅さは欠点ではなく美徳です。それは、アーティストを完全な存在、持続的な注意へと強制し、現代の恒常的な気晴らしの習慣に根本的に反します。オシャーネシーが蛇腹カメラを設置し、プレートを準備し、露光を調整するとき、それ自体がすでに儀式であり、パフォーマンスそのものです。写真はもはや技術ではなく、光と物質との舞踏、振付となります。
このパフォーマティブな側面は、彼の作品のもう一つの根本的な側面、ダンスや身体との関係を自然に考えさせます。オシャーネシーが履歴書にスウィング（リンドホップやブルース）の10年の経験を記載していることは、単なる逸話的な詳細ではありません。彼のリズム、動き、空間の占有に関する理解は、彼のパフォーマンスも写真も通じて明らかです。
パンデミック期間中に制作された彼のシリーズ「Grimaces」で、アーティストはビデオ会議中に捉えた顔の表情を収集しました。誇張された顔が変形し、コロジオンの工程で変換され、現代の奇妙な死の舞踏の役者となります。オシャーネシーはこれらの顔の境界を壊すために意図的にトリミングし、コロジオンが流れて被写体を奇怪な生き物に変えるのを許します。「私にとって、しかめ面は唯一残された自由だった」と彼は説明します。「新たな衛生措置が発令されるたびに、私たちはしかめ面を作ったのです」 [4]。
束縛された身体、封鎖期間中の自由の最後の領域としての顔の探究は、感情状態の身体表現に関する振付師ピナ・バウシュの研究を否が応でも連想させます。バウシュが醜さの中の美、ぎこちなさの中の優雅さを抽出したように、オシャーネシーはこれらのデジタルしかめ面を、健康危機時の私たちの共有する人間の状況を強烈に想起させる表現へと変換します。
振付的な側面は彼の風景への接し方にも見られます。彼が「風景に入り込み、恋に落ちる」と述べるとき、オシャーネシーは単なる写真の過程を記述しているのではなく、環境との真の舞踏を表しています。彼自身がパフォーマーとなり、自然の中での動きは即興の振付であり、視点、樹木、水面の反射などに”恋に落ちる”という欲望に導かれています。
風景へのこの愛情の関係は、身体と環境との境界を曖昧にしようとする現代舞踊のいくつかを思い起こさせます。舞踏のダンサーのように周囲の元素と共鳴し溶け合うまで、オシャーネシーは風景と親密な対話を確立し、それを溶解してよりよく捉えようとします。
最近の赤外線写真の使用はこの振付的な次元をさらに強化します。葉が白く空が暗くなるピンクや赤に染まったこれらのイメージは、通常の表現法則が停止した並行宇宙を創造します。風景は舞台となり、自然が未曾有の色彩法則に従って踊る象徴的な公演の劇場となります。
この多様な技術の使用（湿式コロディオン、赤外線、デジタル写真）は、異なる伝統が同じ振付の中で共存できる現代ダンスのアプローチを示しています。オショーネシーは純粋主義者や古来からの技術を硬直的に守る者ではありません。彼は時代を対話させ、断絶した時間をつなぐ橋を創造する実験者です。
彼自身の経歴もこの開放的な姿勢を示しています。最初に美術を学び、その後パフォーマンスアートを経て、代替写真を探求し、またハイブリッドな表現に戻りました。この非線形の軌跡は、さまざまな技術を学び最終的に自身の身体表現の言語を築くダンサーのようです。
フランシス・オショーネシーが2021年にルクセンブルグ・アート・プライズの3人の受賞者の一人であったことは、国際的な現代美術の権威ある賞であり、彼の方法論が国際的な舞台で妥当であることを裏付けています。パフォーマンスと写真、古来の技術と現代的感性を対話させる彼の能力は、現代の芸術的風景の中で独特な地位を占めています。
オショーネシーを根本的に特徴づけるのは、制約を創造的な機会に変える能力です。パンデミックでモデルを撮影できなくなったとき、彼は画面上での画像撮影の装置を再発明しました。コロディオンの技術的制約が事故を生むとき、それらを表現の要素として取り込みました。社会的孤立が常態になると、彼は小さな視覚的反乱として顔をゆがめた表情を集めました。
この適応力は機会主義ではなく創造的知性によります。世界観に一貫性があり、人間とその感覚的能力を芸術体験の中心に置くヒューマニスト的な哲学に基づいています。彼は皮肉な自覚を込めて「私は古代の芸術の最先端に参加していると思いたい。現代の写真家が現在の技術的手法や方法に抵抗する運動だ」と述べています。
この抵抗は反動的ではなく深く現代的です。人工知能が数秒で完璧な画像を生成し、視覚過剰生産が極限に達している時代に、意図的に遅さ、不完全さ、物質性を選ぶことは政治的な行為です。オショーネシーは理想化された過去を懐かしむのではなく、生産と知覚の方法が押し付けられることを拒絶する現在のアクターです。
2021年以降、彼が意図的に画家的な事故を探求し続けていることは、制御に取り憑かれた世界に予測不能を再導入しようとする意思の表れです。彼が塩をプレートに撒いて霧の効果を作り、指紋や化学薬品の垂れ跡を見せるとき、オショーネシーは誤りの権利、予期せぬ美しさ、不完全の豊かさを主張しています。
フランシス・オショーネシーの作品が今日これほどに意義深いのは、それが世界の加速に対する詩的な抵抗の形を体現しているからです。彼の湿式コロディオンの技術は単なる写真技術ではなく、具現化された哲学であり、瞬間よりも持続を、捕捉よりも関係を、表象よりも体験を重視する世界とのあり方です。
画像が瞬時にして置き換え可能な世界にあって、速度が深さを犠牲にして評価される時代に、オショーネシーは別の時間性や、別の見方と見られ方があることを私たちに思い出させてくれます。彼のコロディオン写真、俳句パフォーマンス、赤外線実験は、ゆっくりと本当に見ること、触れられることを自分自身に許すよう促す招待状のようなものです。
おそらくこれこそがオショーネシーの本当のパフォーマティブな俳句でしょう。彼の不鮮明で美しい画像の前で、私たちが猛スピードのレースをやめ、消費よりも瞑想に近い別の時間との関係に入るほんの数瞬です。「無数の幸福な人生」――彼の展覧会のタイトルが示すように。取り戻した注意力の隙間に潜む、可能性のある幸福の約束です。
- Francis O’Shaughnessy、芸術的な試み、個人ウェブサイト、2025年閲覧。
- 同上。
- 同上。
- Desloges, Josianne。「フランシス・オショーネシー：魅惑の錬金術」、2022年12月2日、ル・ソレイユ。
