ヘルナン・バスの優雅な瞑想

公開日： 28 2月 2025

著者：エルヴェ・ランスラン（Hervé Lancelin）

カテゴリー：アート評論

読了時間： 12 分

ヘルナン・バスは若い両性具有の男性たちで満ちたキャンバスに、存在の脆弱さ、二つの世界の間の境界的な状態を捉えます。彼の謎めいたキャラクターは思春期と成人の間にぶら下がり、観客に彼らの物語解釈への積極的な参加を促します。

A person in a cap sits at a table with a drink, facing the camera and smiling. The image has a purple color filter and wavy line patterns across it, with large windows visible in the background. © Illustration by ArtCritic.

よく聞いてよ、スノッブな皆さん。この現代美術の世界は、明白なものの向こう側を見る方法、静かな瞑想の価値を理解する方法を忘れてしまいました。私たちのギャラリーは、その大きさやスキャンダルによって偉大さを主張する作品であふれていますが、ヘルナン・バスのように一時的な瞬間の詩情を捉えることができる作品は稀です。

マイアミ出身で表面と人工の土地であるこの地で、バスは即時的で表面的なものを超える感受性を発展させました。彼のキャンバスに現れるアンドロジナスな若い男性たちは存在の脆弱さに対面させ、アーティスト自身が「fag limbo」と表現した境界状態を示しています。このあえて荒削りな表現は、二つの世界、二つのアイデンティティ、二つの存在状態の間に宙吊りにされているという感覚を伝えています。しかし誤解しないでください：この表面的に単純なテーマの裏には、驚くほど豊かな文学的・哲学的深みがあります。

19世紀のデカダンス文学は、バスがキャンバスに塗るあらゆる層の絵の具に浸透しています。彼がヨリス＝カール・ユイスマンスやオスカー・ワイルドのような作家を絶えず参照するのは、知的な気取りではなく、共有された感性の有機的な統合です。『The Aesthete’s Toy』（2004年）は、ユイスマンスの『反逆者』（À rebours）を再解釈し、その主人公デ・エッサンタを現代的な文脈に移した作品です。バスはユイスマンスが提唱した「自然はその時代を終えた」という概念を深く理解しています[1]。彼は、人工物が美と真実において自然を凌駕するという魅惑的な逆説を把握しています。彼の絵画では、ビクトリア朝建築やアール・デコの装飾、メンフィス・デザインの環境など、人為的に構築された世界が自然そのものよりも本物として描かれています。

文学的なデカダンスのもう一人の柱であるシャルル・ボードレールも、バスの作品に響いています。フランスの詩人はこう書いています。「悪趣味の中に酔わせるものがあるのは、不快にさせるという貴族的な喜びだ」[2]。バスはこの貴族的な反逆を体現しています。彼の登場人物たちは、周囲の俗悪な世界に完全に参加することを意識的に拒否し、常に軽蔑的な瞑想の状態にあります。彼らは夢想や内省の空間を好みます。まさにボードレールが詩で讃えたことではありませんか？平凡なものを想像力と変容した知覚の力だけで非凡に変える能力を。

2022年11月18日から2023年1月21日までロンドンのヴィクトリア・ミロ・ギャラリーで開催された最近の展覧会で、バスは「The Conceptualists」シリーズを発表しました。ここで彼のいつもの主人公たちは架空のコンセプチュアル・アーティストとなり、それぞれが滑稽な創造的探求に没頭しています。一人はナイアガラの滝の水だけを使って絵を描き、もう一人は花火を体にくくりつけて飛ぶか落ちるかを試しています。これらの絵画はコンセプチュアル・アートへの痛烈な批評として機能しつつ、その根本的な自由を祝福しています。ワイルドが「真面目な男は滑稽であり得るが、滑稽な男が真面目であることは決してない」と書いた通り[3]。バスのキャラクターはこの二極を絶妙に行き来します。

文学的デカダンスの影響はバスにとっては単なる美学ではなく、彼の世界観の構造を成しています。批評家ジョナサン・グリフィンは、「バスの絵画はホモセクシュアルの成長小説の個別の章のようだ」と指摘しました[4]。この見解は、彼が観る者が補完すべきより大きな物語の断片として機能する作品を創出する能力を浮き彫りにします。まさにユイスマンスが『反逆者』で、行動ではなく観察と思覚が主軸となる文学的な絵画を創り出したように、バスも純粋な熟考の瞬間を描いています。

実存主義哲学もまた、批評ではあまり言及されないものの、バスの作品に深い共鳴をもたらしています。彼の登場人物はサルトルが『嘔吐』で描写したような存在の「吐き気」を完璧に具現化しており、これは個人が周囲の世界から奇妙に切り離されていると感じる鋭い意識状態です。『Conceptual Artist #1』（2022年）では、ナイアガラの滝の水だけで絵の具を混ぜる主人公が、我々が存在の意味を見出そうとして作り出す儀式の不条理さを象徴しています。まさにカミュが『シジフォスの神話』で探求したことではありませんか？根本的に無関心な宇宙の中で意味を求める絶望的な試みを。

バーズの絵画は、ハイデガー哲学における真実性と非真実性についての視覚的瞑想として解釈できる。彼の登場人物たちは、自身のパフォーマンスや人工性を絶えず意識しているように見える。ハイデガーが表現したように、「ダザインの本来的存在は、可能性としてのそれが存在する姿である」^[5]。バーズの若者たちは、この可能性の空間の中にあって、完全に定義されることもなく、完全に未定義でもない存在として描かれている。

ヴィクトリア・ミロ・ギャラリーで発表された『詩人たちの幻覚』(2010年)というシリーズでは、バーズは孤独な人物たちが幻想的な幻視にとらわれる様子を描いている。これらの作品は、サルトルが意識を虚無化とし、即時の世界から離れて存在しないものを想像する能力として記述したことを想起させる。サルトルは「意識とはそれでないものであり、それであるものではない」^[6]と書いている。この逆説的表現は、バーズの登場人物の中に視覚的に表現されており、現実と幻覚、存在と不在の間に吊り下げられている。

哲学者モーリス・メルロー＝ポンティは、私たちの世界の知覚は常に身体を通して体現され、経験によってフィルターされていると主張した。彼は「身体は私たちが世界を持つための一般的手段である」^[7]と述べている。バーズが描く両性的な身体、すなわち完全に男性的でも女性的でもない身体は、この曖昧な知覚、二元的カテゴリーを拒否する世界体験の概念を体現している。彼の登場人物たちは、自分の身体を意識的でありながら疎外された形で生きているように見え、身体であることと身体を持つことの現象学的緊張を反映している。

バーズの強みは、実存的探求としても美的快楽としても同時に機能する作品を創造する能力にある。彼は、キルケゴールが言うように「真剣さと遊びの双方を兼ね備えた」絵画を私たちに提供している^[8]。この二重性が彼の芸術活動の核心であり、その絵画を哲学的瞑想の場へと変えながらも、視覚的な美しさを決して犠牲にしない。

マイアミのアトリエでは、混沌とした創造空間を想像するのとは対照的に、バーズはほぼ臨床的に整理された環境を維持している。彼はアシスタントなしで一人で作業し、これは彼のようなレベルのアーティストとしては稀有である。インタビューで彼はこう述べている。「私の絵に誰かが手を加えたり触れたりしたことは一度もない。しばらくすると、誰かにやり方を説明するより自分でやった方が早いと気付いた」^[9]。

この孤独な作業方法は、彼の創作過程に大きな影響を与えている。彼はしばしば、布に触れる前に書籍や映画に没頭する徹底したリサーチから始める。インスピレーションの自発的イメージを育む現代の多くの作家とは異なり、バーズは自らの知的で計画的な実践を完全に受け入れている。彼が説明するように、「私はリサーチをする。つまり、多くの本を読み、多くの映画を見ることだ。そして、その結果、新しい物語や話に強迫的に興味を持つようになる」^[10]。

この文学と哲学の交差こそが、バーズを現代の芸術風景において極めて独特なアーティストたらしめている。彼は、知的に刺激的でありながらも傲慢ではなく、美的に魅力的でありながらも浅薄ではない作品を創造する。スペクタクルや瞬間的な表現が支配的な芸術界において、バーズはゆっくりさ、曖昧さ、内省の力を擁護している。

彼の最近のシリーズ「The Conceptualists」は、このアプローチを完璧に表しています。架空のコンセプチュアルアーティストの肖像を描き、それぞれが不条理な芸術の探求に没頭する中で、Basはコンセプチュアルアートの限界だけでなく、芸術的な真正性の本質そのものにも疑問を投げかけています。リンダ・ヤブロンスキーが指摘するように、これらの絵画は単なる風刺ではなく、「それぞれの作品にわたって想像力豊かです」^[11]。これらのキャラクターと彼らの芸術プロジェクトを創出することで、Bas自身が一種のコンセプチュアルアーティストとなり、フィクションと現実の境界を曖昧にしています。

Basが多くの現代具象画家と異なるのは、明確な解釈に抵抗するイメージを創造している点です。彼自身も次のように説明しています。「私が制作した最高の絵画は過剰成長しており、何とかして刻み出さなければならない現象が起きています」^[12]。この謎めいた特質は欠点ではなく、観客に作品と積極的に関わることを促す意図的な戦略であり、受動的に消費することを避けさせています。

ジャン＝ポール・サルトルは「存在は本質に先行する」^[13]と書き、私たちがまず存在し、その後に選択と行動によって本質を定義することを意味しました。Basのキャラクターはまさにこの存在の瞬間に固定されているように見え、その本質はまだ形成中です。おそらくそれが彼らが非常に脆弱で定まっていないように見える理由であり、流動的で形成過程にあるアイデンティティの境界領域に存在しています。

同様に、カミュの不条理の概念はBasが構築する奇妙なシナリオに表されています。2022年の「Conceptual Artist #10」では、環境主義的な砂の彫刻家が大量座礁のシーンだけを彫刻し、作品は潮に消されることを十分理解しています。これはカミュが言った「不条理な存在を喜んで受け入れる」という概念の完璧な具現化ではないでしょうか。彼は「シーシュポスは幸せだと想像しなければならない」と書きました^[14]。

哲学者エマニュエル・レヴィナスは、他者の顔との出会いこそが倫理の基盤だと主張しました。Basの肖像画では被写体の顔がしばしばそらされたり部分的に隠されたりしており、存在と不在、認識と疎外の間の緊張を生み出しています。この曖昧さは、他者がアクセス可能でありながら不可解で神秘的であるというレヴィナスの考えを反映しています。

マルティン・ハイデッガーは芸術を「真理の実現」と呼びました^[15]。Basの絵画は、私たちの現代的条件、疎外、真正性の探求、人工物への魅力についての真実を明らかにし、解釈の終結を拒否する根本的な曖昧さを維持することで、この役割を果たしています。

政治的緊急性とメッセージの明確さが支配的な現代芸術の風景の中で、Basは曖昧さと複雑さの重要性を勇敢に擁護しています。彼の絵画は宣言ではなく熟考への招待であり、答えではなく問いです。この開放性こそが彼の作品を持続可能で深く満足のいくものにしています。

インタビューで彼がダンディーという人物に惹かれる理由を問われた際の答えは示唆的でした：「最近、私はダンディーをある意味で鳥のような外来種の生き物だと思っています」^[16]。この比喩は、人生を芸術作品に変え、個人的美学を世界の平凡さに対する抵抗の形として育む辺境の人物に対する彼の魅力を明らかにします。

ボードレールは「ダンディは絶え間なく崇高であろうと願わなければならず、鏡の前で生きて眠らなければならない」と書いています^[17]。バスのキャラクターはこの絶え間ない自己意識、この慎重に構築されたアイデンティティの永続的なパフォーマンスを具現化しています。しかし、歴史的なダンディたちとは異なり、彼らは自らのポーズの人工性を自覚しているようで、根本的に現代的なアイロニーの次元を導入しています。

バスの作品は、未確定性を祝う視覚詩であり、アイデンティティが流動的で絶えず交渉される空間です。彼自身が説明するように：「私は『一生をかけて存在しないものを探し続ける準備ができているキャラクター』というアイデアが好きだ」^[18]。手の届かない対象の追求、絶えず遠ざかる地平線の追跡こそが、人間の本質ではないでしょうか？

バスの真の成功は、決して自己複製することなく、即座に認識可能な視覚的宇宙を創造したことです。彼の絵画はテーマの変奏曲であり、思春期が成人期と出会う境界空間、現実が幻想と戯れる場所、アイデンティティが常に形成途上にあるその空間の終わりなき探求です。定義と分類に執着する世界において、彼の物語的閉鎖の拒否は、刷新的であるだけでなく、根本的に必要なものです。

次に混雑したギャラリーで彼の絵画の前に立ったときは、少し立ち止まって彼の世界に本当に入り込んでみてください。魅力的な表面の向こう側に目を向け、その作品を動かす哲学的および文学的な深みを探求してください。なぜなら、ヘルナン・バスは単に美しい絵を描く画家ではなく、現代の曖昧な存在領域の地図作成者であり、存在と生成の曖昧な境界の探検者だからです。

そして、もしまだ理解できないなら、まあ、単にあなたが十分にスノッブではないのかもしれません。