よく聞いてよ、スノッブな皆さん。マシュー・ウォン（1984-2019）は決して従来型のアーティストではありませんでした。芸術界が凡庸さと詐称で溢れかえる中で、彼はほんの6年間私たちの陰鬱な芸術界の空を照らす彗星のように現れ、悲劇的に消えてしまいました。一つ言っておきますが、一部のコレクターが高価で売られるデジタルのガラクタに夢中になっている間に、ウォンはエドモントンのアトリエで静かに、私たちの美的確信を骨の髄まで揺るがす作品を創り出していました。
彼の作品の最初に目を引くのは、孤独をほとんど超自然的な力で圧倒的な美しさの精神的風景に変換する能力です。彼の絵画は単純な自然の表現ではなく、憂鬱が光へと変わる並行宇宙へのポータルです。『The Kingdom』（2017）はその傑作で、極小の王が色彩爆発する白樺の森を見つめています。この絵画はキェルケゴールが「不安」と呼んだもの、つまり虚無に直面する際の私たちの自由の恐怖を視覚的に表現したものと言えます。ウォンは、存在の恐怖が美的啓示に変わる瞬間を完全に結晶化させています。
ある善意の批評家は彼の芸術を単なるゴッホやクリムトの引用に矮小化しようとしました。なんという途方もない愚かさでしょう！ウォンは引用するのではなく、伝統を解体し、消化し、再発明しています。彼は西洋絵画の伝統を、中国の水墨画の遺産と正面衝突させます。その結果は？野獣派を内気な子猫に見せるほどの色彩爆発です。特に『Blue Night』（2018）に見られる深淵のような深い青は、ガストン・バシュラールが詩的幻想について書いたことを彷彿とさせます。すなわち、物質が精神に変わる空間を開くのです。
彼の作品の第二の特徴は、絵画空間を秩序と混沌の闘いの場として独自に捉える方法です。『The Realm of Appearances』（2018年）では、ウォンはまさに視覚的ゲリラ戦を展開しています。筆の一撃一撃が平坦さへの攻撃であり、色の斑点ひとつひとつが私たちの知覚習慣にかけられた待ち伏せのようです。このアプローチは、ジャック・デリダの「離延」の概念を思わせます。そこでは意味が常に逃げ続ける、存在と不在の絶え間ない遊びが行われています。
特に彼の夜景は、空間の曖昧さの傑作です。『See You on the Other Side』（2019年）はまさに遺作とも言える作品です。孤独な人物が雪か虚無かもしれない白い空間を見つめています。これはモーリス・メルロー＝ポンティが『目と精神』で描写したまさにその瞬間です。視覚が触覚的な思考の形となり、見ることが遠くから触れることになるという瞬間です。ウォンは私たちに文字通り空間のめまいを感じさせます。
彼の色彩の使い方には深く反骨的なものがあります。多くの現代アーティストが表面的なミニマリズムに甘んじている中、ウォンは過剰さ、彩度の飽和、色彩の突き抜けを大胆に試みます。『Unknown Pleasures』（2019年）はその点で典型的な作品です。純色の帯が空を横切り、鑑賞者の網膜にナイフを突き立てるかのようです。ジル・ドゥルーズがフランシス・ベーコンについて書いたことを思い出します。色彩は純粋な力、私たちの感覚への暴力として。
彼の作品を非常に魅力的にしているのは、親密さと広大さの持続的な緊張感です。『The Bright Winding Path』（2017年）では、青いシャツを着た小さな人物が、ピンクの点在する風景を蛇行する小道を歩いています。これはカスパー・ダーヴィト・フリードリッヒをアシッドに酔ったシャーマンが再解釈したかのようです。この微細と宇宙的なものの弁証法は、ガストン・バシュラールが「親密な広大さ」と呼んだものを思い起こさせます。無限を個人的な経験に変える想像力の能力です。
しかしウォンは単なる夢想家ではありませんでした。彼の作品は現代絵画の課題を深く理解して根ざしています。『Blue Night』（2018年）で異なる視点を並置し、内面と外面の不可能な一致を創り出す時、彼は私たちの知覚で遊ぶだけでなく、現実との関係の根本を問い直しています。これはマルティン・ハイデッガーが芸術における「真理の実現」と呼んだものです。単なる表現ではなく、新しい存在可能性への開口部なのです。
彼の光の扱いは特に示唆的です。『River at Dusk』（2019年）のような作品では、光は外部の源から来るのではなく、絵画の物質自体から発せられているように見えます。これはエマニュエル・レヴィナスが「出現の条件としての光」について語ったことと正に一致します。単なる物理現象ではなく、あらゆる現れの根本条件なのです。
わずか6年の集中的な制作期間でウォンは驚異的な軌跡を描き、重要な問いを投げかけています。芸術における熟達とは何か？多くのアーティストが何十年も「スタイル」を磨く一方で、彼は数年で完全に整合的で深く独創的な絵画世界を創り上げました。これはウォルター・ベンヤミンが「知覚可能性の今」を呼んだものです。芸術的実践がその表現力の頂点に達するまさにその瞬間です。
彼の伝統に対する態度はまったくもって敬意に満ちたものではありません。彼が西洋または東洋の芸術のモチーフを取り入れるとき、それは内部から爆発させるためのものです。彼の木々はゴッホのものに何も依存しておらず、未知の周波数を受信する宇宙アンテナのようです。この態度はローラン・バルトが現代のテクストについて言ったことを思い起こさせます：単なる伝統の継続ではなく、根本的な再発明であると。
彼の作品の自伝的な側面は否定できませんが、ウォンは個人的な逸話を絶えず超越して普遍性に達しています。自閉症、ギレ・ドゥラ・トゥレット症候群、うつ病との闘いは直接的に描かれることはなく、宇宙的なヴィジョンに昇華されています。これはフリードリヒ・ニーチェが “価値の変換” と呼んだもので、苦しみを美に、孤独を宇宙との交感に変えることを意味します。
ウォンの最新作、「See You on the Other Side」(2019)のような作品は、まれな視覚的・感情的強度の段階に達しています。キャンバスの大部分を占める白い空白は単なる欠如ではなく、耳をつんざくような沈黙、我々の知覚を揺るがす否定的な存在です。これはテオドール・アドルノが芸術の否定性について書いたことを思わせます：それは単なる欠如ではなく、逆説的な肯定、欠如の存在なのです。
彼の技術自体が我々の美学的カテゴリーへの挑戦です。繊細なタッチと粗暴な盛り上げを交互に用い、自由自在に媒介を混ぜ合わせ、ウォンは感覚のすべてのゆらぎを記録する敏感な皮膚のような絵画面を創造します。これはモーリス・メルロー＝ポンティが “世界の肉” と呼んだもので、見る者と見られるものに共通する質感です。
マシュー・ウォンは現代絵画の可能性を再定義する作品を創り出しました。多くの芸術家が過去のフォーミュラをリサイクルするだけなのに対し、彼は深く個人的でありながら普遍的にアクセス可能な絵画言語を発明しました。現代美術はこのような根源的な誠実さと媒介を限界まで押し広げる意志を必要としています。
彼の早すぎる死は彼の世代で最も有望な芸術家の一人を奪いました。しかし彼の作品はそこに残り、我々の絵画、色彩、空間への関わりを再考する招待状として存在しています。彼は早すぎて去った偉大な芸術家の一人でした。
