よく聞いてよ、スノッブな皆さん。もし抽象芸術は死んだと思うなら、それはマルチェロ・ロ・ジュディチェの絵画を真剣に眺めたことがないからです。このシチリア出身で1957年にタオルミーナで生まれた彼は、私たちに、現代のギャラリーに溢れる過度に知的化された無味乾燥な抽象とは全く異なる絵画を提供します。ロ・ジュディチェは物質の起源に近い、ほとんど原始的な感覚の旅を提案しています。
彼の作品はローマのMAXXIやミラノ王宮、その他の著名な芸術拠点に展示されており、大きな画布で平行世界への窓を創り出します。彼が名付けた「エデン」は、純粋な顔料から成る砂漠のような風景の遠い惑星へ私たちを運び、宇宙の見えない音に触発されています。それぞれの色は個として扱われ、これらの個の組み合わせがまばゆいばかりの光の爆発を創り出し、ビッグバンの日のようです。
ロ・ジュディチェは、単に美しい絵を描くだけの画家ではありません。彼の仕事にはほぼ地質学的な深みがあり、その理由として、彼はヴェネツィア美術アカデミーに通う前にボローニャ大学で地質学を学んでいます。この科学的な教育は無駄ではありません。彼にとって、物質は単に塗られるのではなく、変換され、変容されるのです。
彼の絵画を注意深く観察すると、複雑な層、小堆積物、重ねられた顔料が現れ、それらは削り取られ、侵食され、研磨されて下層が姿を現している世界が明らかになる。この作業はまさに地質学的なプロセス、浸食、堆積、地殻変動を思い起こさせる。しかし、彼の作品を科学的知識の美学的応用だけと見るのは単純化しすぎている。
なぜなら、ロ・ジュディチェは何よりも身体的な意味での画家だからだ。彼は素材とほとんど官能的な関係を持っている。「私の素材との関係は、漁師と魚との深く強い関係に例えられる」[1]と彼は告白する。この言葉は彼の作品を知らなければ不条理に思えるかもしれないが、彼の絵を前にすれば理解できる。これらのテクスチャーのある表面には有機的で、生きている何かがある。
ウルトラマリンブルーは海嶺と広大な海を語り、黄色は太陽に焼かれた大地となり、赤や黒の燃えるような色合いは溶岩流や火山の噴火口を想起させる。芸術家の生まれ故郷であるシチリア島、火山と対比の国を思わずにいられない。しかし再度、彼の絵画を風景の喚起に限定するのは単純すぎる。
彼の抽象作品では、ロ・ジュディチェはほぼ瞑想的な体験へと誘う。色彩は単なる媒介ではなく、それ自体が一つの存在となり、ほとんど宇宙的な力の現れのようである。このアプローチには一種の精神性を見出せるかもしれないが、それは物質的、触知可能なものに根ざした精神性である。
また彼の作品の環境的な側面にも注目すべきだ。ロ・ジュディチェは環境保護に力を入れており、特にモナコのアルベール2世大公と共に進める「Save Mediterranean Sea」プロジェクトに参加している。彼の絵画は私たちの惑星の美しさをただ称えるだけでなく、その保護を呼びかけている。この取り組みには深い感動があり、我々の環境の壮大さと脆さに対する一種の謙虚さが感じられる。
だが誤解してはならない。ロ・ジュディチェは単純な芸術家ではない。彼は第二次世界大戦後に生まれたヨーロッパ・アンフォルメルの伝統に位置付けられる。この運動は芸術の形式的側面に焦点を当て、顔料の扱いに特別な重要性を置いた。デュビュッフェやクラインのような大物の影響が見られるが、彼には独自の声がある。
私がロ・ジュディチェに惹かれるのは、彼の作品が強烈に身体的でありながら深く瞑想的であるところだ。彼の作品には、画家が素材を塗り、削り、変化させる動作と、それらの抽象的な風景を前に現実の根源を思わせる観客の瞑想との間に緊張感がある。
「エデン」シリーズを例に取ろう。そこでは多くの場合青が支配的である。これらの作品は単に美しいだけでなく、表現力がある。無限の空間、深海、果てしない天空について語りかけてくる。これらの絵画にはカントの崇高の領域に属する何かがあり、理解を超えた美しさが私たちに自分の小ささを見つめさせる。
彼の作品に初めて接した時、懐疑的になるかもしれない。また抽象画家が素材や色彩と戯れているのかと。しかしロ・ジュディチェには流行や流派を超えた誠実さ、真実味がある。彼は時代の空気に乗ろうとはせず、自己の道を着実かつ一貫して進んでいる。
彼の作品を巡る議論は象徴的です。ある批評家は彼の絵画に過ぎ去った抽象表現主義への退行の形を見ます。他方で、色彩と物質の探究の必要な継続と見る者もいます。これら二つの見解は本質を見逃しています。ロ・ジュディチェは郷愁を抱く者でも革命家でもありません。彼は単に自らの言語を見つけ、それを情熱と厳格さをもって探求する芸術家です。
彼の経歴で興味深いのは、概念的なものから物質的なものへの移行です。1970年代にロ・ジュディチェは蝋、イチゴ、煙などの混合材料を用いた概念的なスタイルで制作していました。その後、自らの地質学の知識を活かし、有機的な大規模な土地の風景を創り出す独自のスタイルを発展させました。この変遷は、絶えず制作の深掘りを目指す本物の探求者としての芸術家の姿を示しています。
地質学を芸術のインスピレーションにすることは新しいことではありません。ロバート・スミッソンやマイケル・ハイザーのようなアーティストはランドアートの探求で土地と芸術の関係を探りました。しかしロ・ジュディチェはこの探求に別の次元をもたらします。彼は直接土地を扱うのではなく、その本質、過程、変容を捉えているのです。
このアプローチは、クロード・レヴィ＝ストロースの自然と文化の関係に関する考察を想起させます[2]。フランスの人類学者は『野生の思考』で、人間社会が自然の要素を解釈し意味を創り出す過程を探りました。ロ・ジュディチェはこれに似たことをしています。彼は浸食、堆積、岩石の変成などの自然過程を芸術的な行為、文化的創造へと変換しているのです。
レヴィ＝ストロースは神話が自然界を理解し秩序付けようとする試みであることを示しました。同様にロ・ジュディチェの絵画は視覚的神話として、我々を超える自然の力に形を与えようとする試みと見なせます。彼の作品には抽象的概念を介さず物質や感覚を通じて表現される野生の思考の一形態があります。
この人類学的な次元は彼の『トーテム』シリーズで特に明らかです。1989年以降、ロ・ジュディチェは異様なこれらの彫刻に取り組んでいます。焼かれ、裂かれ、空洞化されたマットレスに幾層にも及ぶ厚い色（顔料とエナメル）が塗られています。これらのトーテムは湾岸戦争のテレビ映像に触発されたもので、誤ってロケット弾が命中した民家、瓦礫、バラバラになった遺体やマットレスなど日常的な破壊された物品を象徴しています。
これらのトーテムはレヴィ＝ストロースが研究した伝統社会の儀式用具を思い起こさせます。暴力を祓い、死者を追悼し、生者の世界と死者の世界を結びつける同様の機能を持っています。ロ・ジュディチェはこうして暴力と死に意味を与える芸術の原始的機能を再活性化しています。
この儀式的次元は『ダッラ・プリマヴェーラ・デル・ボッティチェリ』シリーズにも見られます（ボッティチェリの『春』に由来）。マットレスは完全に空洞化され、その基本構造の中にアルビゾラの陶器の多数の蝶が配置されています。これは「暴力と戦争の上に置かれた美」を表現しています。蝶は春、再生、進化を象徴する普遍的なシンボルであり、人類が若い世代と彼らの新しい意識に託す希望を意味しています。
ここでは、ロ・ジュディーチェが芸術の伝統にどう位置づけられつつ、それを刷新しているかが見て取れます。彼はイタリア・ルネサンスの偉大な巨匠ボッティチェリを参照していますが、そのイメージを現代の時代とその暴力について語るインスタレーションへと変えています。過去と現在、自然と文化の間に橋をかけるこの能力こそが、彼の作品の豊かさを成しています。
ロ・ジュディーチェの作品は、特にメラニー・クラインの攻撃と修復に関する精神分析の理論を通して分析することもできます[3]。クラインは、破壊的な衝動が精神発達の中で修復的な衝動とバランスを取ることを明らかにしました。ロ・ジュディーチェの創作過程、つまり表面を破壊して再構築し、物質を攻撃してより高めるこの方法は、破壊と修復の弁証法の表出と見ることができます。
裂け目のあるトーテムが鮮やかな色彩で覆われている様子は、この動態を完璧に示しています。最初の暴力（裂け目、焼け焦げ）は創造的な行為（顔料の塗布）に変換されます。同様に、彼の絵画で層の上部を擦り取って下層を明らかにする行為は、制御された攻撃の一形態として、続いての顕現と修復と見ることができます。
この精神分析的な読みは、ロ・ジュディーチェの作品の感情的な強さを理解する助けとなります。これらの作品は、私たちが皆経験する根本的な心理過程、すなわち破壊と創造、暴力と美、混沌と秩序の間の緊張を舞台化しているため、私たちの心に響きます。
クラインはまた、抑うつ的位置についても語っています。これは子どもが、自身の空想の中で攻撃する対象が同時に愛している対象でもあると気づく瞬間です。この気づきは罪悪感と不安を生みますが、修復への欲求も伴います。これはロ・ジュディーチェの環境的作品に見られることではないでしょうか？破壊する地球が養いの源でもあるという気づき、そしてそれを修復し保護したいという欲求？
これらは常に彼のシリーズ「Eden（エデン）」に立ち返ります。彼自身の言葉によれば、これは”今日私たちが多くの戦争と破壊の中で生きていて、人生に深く傷ついているが、私たちは必要な勇気を持って反応していない。現代社会は激しい快楽主義の結果であり、理想や道徳的価値がほとんどない。私は絵画を通じて平和、幸福、美をもたらしたいので、エデンを描いている”[4]。
彼のこの宣言は、それほどの強度を持つ作品がなければ単純に素朴と見なされるかもしれません。ロ・ジュディーチェは安易な楽園、粗末なエデンを提供していません。彼の楽園は複雑で曖昧な空間であり、その中で美は激しい過程から生まれ、光は闇から現れます。これは悪と破壊の現実を無視せず、変容と錬金術を提案する理想郷の展望です。
マルチェッロ・ロ・ジュディーチェの仕事の価値は、最も基本的な自然の過程に根ざしつつ、最も現代的な問いかけにも開かれた作品を生み出す能力にあります。彼の絵画は物質、土、色について語るだけでなく、環境との関係、破壊と創造の能力、混沌とした世界で意味を見出す必要性をも語っています。
そして、おそらくLo Giudiceの真の成功はここにあります。つまり、芸術、たとえ最も抽象的なものであっても、現実世界から完全に切り離されているわけではないということを私たちに思い出させることです。彼の絵画は、アクセスできない別の世界への窓ではなく、私たち自身が物質、自然、生命に対する関係を見つめることができる鏡なのです。
だから、次に彼の巨大な絵画の前に立ったときは、本当に見る時間を取る必要があります。これらの抽象的な風景、想像上の地質学に没頭しましょう。そして、おそらくそこに単なる技術的な技巧のデモンストレーションではなく、私たちの世界における位置とその責任についての深い瞑想を見出すことができるでしょう。
結局のところ、それが問題なのです。単に美しさの問題ではなく、意識の問題です。私たちの環境の脆弱さと力強さへの意識、破壊し創造する私たちの能力への意識、そして将来の世代に対する私たちの責任への意識です。そして、結局のところ、それが芸術が私たちにもたらすべきものではないでしょうか？
- マルチェロ・ロ・ジュディチェ、ブロードウェイワールドニュースデスクとのインタビュー、2015年5月、ニューヨークのUNIXギャラリーでの展覧会 “EDEN: Pianeti Lontani” において。
- クロード・レヴィ＝ストロース、”La Pensée Sauvage”, プロン社、パリ、1962年。
- メラニー・クライン、”Love, Guilt and Reparation and Other Works 1921-1945″, フリープレス、ニューヨーク、1975年。
- マルチェロ・ロ・ジュディチェ、ジュリア・ルッソによるインタビュー、ジュリエットアートマガジン、2017年6月、ローマのMAXXI美術館での展覧会 “Eden: Distant Planets” において。
