よく聞いてよ、スノッブな皆さん。この抽象現代美術は死んでいると思うなら、あなたはまだミカエラ・イヤーウッド・ダンの豊かな生命力あふれる世界に出会っていません。この30歳の英国人アーティストは、道徳的に臆病な時代へのクロマティックな平手打ちのような絵画を生み出し、アイデンティティが決して固定されることなく常に移ろいゆく空間に私たちを没入させる花の交響曲を描き出します。
彼女の作品は、ジョルジュ・バタイユが「内的体験」と呼んだものを想起させます。それは私たちを日常の知覚の限界を超えるように駆り立てる裂口です。バタイユは「体験とは、狂熱と不安の中で、人間が存在するという事実について知っていることを問い直し（試し）、検証するものだ」と書いています[1]。イヤーウッド・ダンの厚い油彩の層、鮮やかな色の飛沫、半ば隠されたテキストを伴う抽象的な構成はまさにそれを成し遂げます。彼女たちは芸術の慣習のヴェールを引き裂き、私たちに問いかけます：私たちはラベルを超えたところで本当に誰なのか？
Yearwood-Danは形式的な純粋さに対するあなたの盲目的な崇拝や明白な歴史的参照への執着に興味はありません。彼女はこれらの知的な拐杖を必要としていません。彼女の絵画は、まるで日記のページが大衆の目にさらされているかのように率直で正直ですが、その個人的な内容が普遍的に胸を打つものとなるように技術的な熟練によって変容されています。彼女の作品は、黒人クィア女性たちを狭いアイデンティティの箱に閉じ込めようとする伝統に対する陽気な反抗の指差しです。
“Despite all odds”（2022年）や”Love me nots”（2021年）といった彼女の巨大な作品を見てみてください。後者はクリスティーズで73万800ポンド（約87万5千ユーロ）という控えめな価格で落札され、最初の予想価格の14倍以上となりました。しかし誤解しないでください、作品の価値は価格ではありません。むしろ、アーティストが作り出す考察の空間で、私たちが何時間も迷い込むことができるその方法こそが価値なのです。彼女はよく絵画の中に歌詞や詩、自身の著作からの言葉を使いますが、それらはささやかれる告白のように現れ、私たちを近づけ、絵を見るだけでなく時間を共有することを促しています。
Yearwood-Danの作品は、フランスのフェミニスト、エレーヌ・シクスーのフェミニン・ライティングの概念を奇妙なほど思い起こさせます。シクスーは「女性は自らを書くべきである：女性について書き、女性たちを書くことへと導くべきである」と主張しました[2]。Yearwood-Danの絵画はまさにそれです：身体的で官能的な書き方であり、表象の父権的な制約を拒絶しています。彼女の絵画を彩る花や植物のモチーフは単なる装飾ではなく、生命、豊かさ、再生の肯定です。
シクスーが女性に「身体で書く」ことを勧めたように、Yearwood-Danは彼女の体としてのアイデンティティ―女性であり、黒人であり、クィアであることを完全に意識しながらも、それらのアイデンティティが彼女を定義したり創造の自由を制限したりすることを拒否して描いています。彼女の作品は、固定されたアイデンティティではなく多元性と流動性を祝福しています。それらは、すべての人に美しさ、享楽、感情的複雑さの権利を主張することで政治的なのです。
Yearwood-Danは「私は意図的に自分の作品をトラウマ的で重たいものにしないことを選んでいる」と述べました[3]。黒人のトラウマの搾取に対するこの抵抗自体が根本的な政治的行為です。しばしば黒人アーティストに真実性を証明するためにキャンバスに血を流すことを求める芸術界において、喜びを表現することを選ぶことは抵抗の形式となります。シクスーは「笑うことこそ自由の最初の行動である」と言っていませんか？Yearwood-Danの絵画は、鮮やかな色彩とリズミカルな構成を持ち、まさにその解放の笑いなのです。
彼女の作品で特に注目すべきは、物質性へのアプローチです。彼女の絵画は単なる画像ではなく、身体的な存在を要求する官能的なオブジェクトです。テクスチャーは重要で、厚い絵具の層、巧妙に制御されたドリッピング、時には光を捕らえるビーズ、スパンコールや金箔があります。この物質的な豊かさは、バタイユの過剰と無益な浪費に関する考えを思い起こさせます。バタイユにとって「真の主権は有用性を拒否する」[4]。Yearwood-Danの絵画は、その視覚的かつ触覚的な豪華さにおいて、資本主義の実利的価値を拒否し、美しさと官能性をそれ自体の目的として祝福しています。
バタイユが私たちにエクスタシーを達成するために自分たちの条件の限界を超えることを勧めているなら、Yearwood-Danは日常的な驚嘆の実践に根ざした同様の道筋を提案しています。彼女の抽象的な庭園は観客が迷い、自分を見つけ、そして再び迷うことができる空間です。彼女自身が言ったように：「私は観客に作品をただ見るのではなく、時間をかけて作品と共にいてほしい。ちょうど誰かを自宅に招くように、『座って、休んで、しばらくの間過ごしてください』と。」[5]。
この内省への招待は彼女の展示方法にも現れています。Queercircleでの彼女のインスタレーション『Let Me Hold You』（2022年）では、高さ3メートルのカーブした壁画を制作し、座席を組み込むことでギャラリーを休息とコミュニティの空間に変えました。同様に、Tiwani Contemporaryでの彼女の展覧会『The Sweetest Taboo』（2022年）では、来訪者が座って彼女の作品と時間を過ごせるようにベンチやスツールを配置しました。この行為は偶然ではなく、白人中心で清潔感のあるエリート主義的なアートギャラリーの慣習に疑問を投げかけ、迅速に移動し立ち止まることを許さない空間を問い直しています。
Yearwood-Danの実践は、生態学的意識に深く根ざしており、私たちと自然界との関係についてのCixousの懸念に呼応しています。Cixousにとって、フェミニンな書き方とは「新しい愛の物語の最初の歌」であり、「女性たちに彼女たちの財産、その喜び、臓器、そして広大な身体的領域を取り戻す」ことができるのです[6]。同様に、Yearwood-Danの抽象的風景は、支配ではなくつながりを称賛し、階層ではなく調和を祝う感受性で絵画的空間を再獲得しています。
この女性アーティストは単に絵を描くだけでなく、陶器の彫刻、音響インスタレーション、家具作品も制作しています。2020年のパンデミックの間、自宅に閉じこもり、通常の大規模な絵画制作ができなかった彼女は粘土に目を向け、同じ有機的なモチーフや手書きのテキストを用いた花瓶や容器を制作しました。この多様なメディアの使用は、彼女が一つの表現形式に限定されることを拒否していることを反映しています。
彼女の抽象的なキャンバスを探ると、両親のカリブ海文化の痕跡、ノッティングヒルのカーニバルの視覚的要素、英国クイア文化へのリファレンス、さらには現代のポップカルチャーへのオマージュが見られます。彼女はしばしば、アデルからケンドリック・ラマーに至るまでの歌詞を引用し、これらのポップカルチャーの断片を愛、喪失、そしてアイデンティティに関する詩的な瞑想へと変容させています。この「上」と「下」、「個人的」と「政治的」、「詩的」と「日常」の融合こそが、彼女の作品に現代的な共鳴を与えています。
バタイユにとって、本当の美学的経験とは、自分自身の限界に挑み、未知に向かうめまいの感覚を引き起こすことです。彼はこう書いています：「私たちが熱望して求めるもの、それは私たちを燃やすものであり、過剰であり、消費する熱病であり、限りなき支出である。」[7]。Yearwood-Danの作品はまさにその溢れ出る経験を提供し、感覚的・感情的なあまりにも多い状態で、私たちのカテゴライズ欲求に挑戦します。
この色と形の爆発が単なる装飾的なものであると考えないでください！イヤーウッド＝ダンは、自身の作品の政治的な重要性を十分に認識しています。”多くの黒人、特に黒人女性に期待されるクリックベイトの罠に陥らないことを選ぶのは、実際に政治的な行為だ”と彼女は述べています[8]。この集団的アイデンティティの旗手になることを拒む抵抗が、彼女の芸術的アプローチの核心です。
興味深いのは、イヤーウッド＝ダンが長らく白人ヘテロの男性によって支配されてきた抽象絵画の伝統をどのように活用し、根本的に異なる経験を表現しているかということです。彼女は抽象の遺産を否定するのではなく、それを変容させ、新たな意味を付加しています。彼女はこうも言っています：「考えたの、もっと大きなキャンバスにしようって。もっと美しくして、ピンク色にするわ。豊かで女性的で豪華に。誰かがそれについて何か言いたければ、好きにすればいいわ！」[9]。
美しさを抵抗の形として力強く主張するこの表現は、シクスーの哲学にも響きます。シクスーにとってフェミニンな書き方は単なる表現形式ではなく、解放の行為なのです。”フェミニンな書き方（詩人たちはそれを感じ取った）はこう断言する：[…]そして私は構造を超え、それを爆発させ、快楽と開放によってそれを変容させる”[10]。イヤーウッド＝ダンの絵画は同じ解放的な歓びとともに現代美術の制約的なルールを打ち破ります。
イヤーウッド＝ダンの軌跡は、彼女がハウザー＆ワースギャラリー（現代美術市場の巨人）の中でも最も若いアーティストの一人であることを考えると、なおさら際立っています。彼女はブライトン大学で学び、2016年に卒業し、故アレキサンダー・マックイーンが設立したサラバンド財団での初個展で早くも注目を集めました。その後、シンシナティ現代美術センター、スコッツデール現代美術館、マラケシュ現代アフリカ美術館などの名高い施設で展示を行っています。
彼女の作品は現在、ワシントンD.C.のハーシュホーン美術館・彫刻庭園、マイアミ現代美術研究所、ダラス美術館などの常設コレクションに収められています。この急速な機関的認知は彼女の作品の力強さと関連性を示しています。
しかし誤解しないでください。この商業的成功にもかかわらず、イヤーウッド＝ダンは自身の芸術のアクセス可能性に深くこだわっています。彼女はソーシャルメディアを積極的に活用し、彼女の作品を購入できなかったり、展示を見るために旅行できない人々と共有しています。”多くの人は私の作品を買う余裕がないし、直接見ることもできないかもしれない。でもInstagramアカウントなら持てるかもしれないから、私は自分のアートを広めるのが好きなんです”[11]と彼女は説明します。
この芸術へのアクセスの民主化は、シクスーの創造性に対する考え、すなわち制度的・社会的障壁を超越する創造性のビジョンと合致しています。シクスーにとってフェミニンな書き方は「寛大な運動」であり、「ため込まない、ため込まない：通過させる、何を通過させているのか知らずに」[12]。同様に、イヤーウッド＝ダンの芸術は広く流通し、エリートなギャラリーの壁を超えた観客に美しさと考察の瞬間を提供しています。
多くの現代アーティストが厭世的なシニシズムや過剰なコンセプチュアリズムに囚われているように見える中で、Yearwood-Danは変革の力としての美の可能性を堅く信じる稀有な芸術実践を私たちに提供している。彼女がStormzyとMichaela Coelの言葉を引用して言ったように、「私は自分の歴史の一部を嫌うよりも未来を愛している」[13]。この未来志向性、より美しく公平な世界の可能性を信じる姿勢は、彼女の作品に一過性の芸術的流行を超越した予言的な性質を与えている。
ミカエラ・イヤウッド＝ダンの作品は、私たちがなぜそもそも芸術を必要とするのかを思い出させてくれる。財務的な投資や社会的地位のアクセサリーとしてではなく、可能性の空間として、より自由に、より繋がり、より完全な人間である方法を想像できる場所として。カテゴライズと断片化に取り憑かれた世界にあって、彼女は私たちに、全体性、充実、生の複雑で鮮やかな全貌を示してくれる。まさに今、私たちに必要なのはこれだ。
- バタイユ、ジョルジュ。『内的経験』。パリ：ギャリマール、1943年。
- シクスー、エレーヌ。『クラゲの笑い』。L’Arc、61号、1975年。
- イヤウッド＝ダン、ミカエラ、シャーロット・ヤンセン著「ミカエラ・イヤウッド＝ダンの豊かな抽象表現は非常に親密である」に引用、Artsy、2022年4月11日。
- バタイユ、ジョルジュ。『呪われた部分』。パリ：ミニュイ社、1949年。
- イヤウッド＝ダン、ミカエラ、シャーロット・ヤンセン著「ライフドローイング：ミカエラ・イヤウッド＝ダンが抽象芸術の未来を形づくる」に引用、Vogue UK、2025年3月16日。
- シクスー、エレーヌ。『クラゲの笑い』。L’Arc、61号、1975年。
- バタイユ、ジョルジュ。『エロティシズム』。パリ：ミニュイ社、1957年。
- イヤウッド＝ダン、ミカエラ、エロイーズ・ヘンディ著「アーティスト ミカエラ・イヤウッド＝ダンがアートを通じて喜びを見つけ、美を取り戻す」に引用、The Glossary Magazine、2023年3月9日。
- イヤウッド＝ダン、ミカエラ、前掲。
- シクスー、エレーヌ。『クラゲの笑い』。L’Arc、61号、1975年。
- イヤウッド＝ダン、ミカエラ、ローラ・フランチェッティとフレッド・シャン著「インタビュー // ミカエラ・イヤウッド＝ダンとの対話」に引用、Immediations、2021年。
- シクスー、エレーヌ。『クラゲの笑い』。L’Arc、61号、1975年。
- イヤウッド＝ダン、ミカエラ、エロイーズ・ヘンディ著「アーティスト ミカエラ・イヤウッド＝ダンがアートを通じて喜びを見つけ、美を取り戻す」に引用、The Glossary Magazine、2023年3月9日。
