ミカエル・ボレマンス：存在の美と恐怖

公開日： 4 5月 2025

著者：エルヴェ・ランスラン（Hervé Lancelin）

カテゴリー：アート評論

読了時間： 14 分

ミカエル・ボレマンスは、技術的に卓越した具象絵画を通じて人間の状況の曖昧さを探求します。彼の謎めいた構図は、不条理な状況に孤立した人物を描き、形式的な美が常に不穏な異質さと隣り合わせであり、馴染みのあるものが深く不快なものへと変わる絵画の世界を創造します。

A man in a suit stands in front of a textured, wavy-patterned background, with the image tinted in purple tones. Another blurred figure appears in the background. © Illustration by ArtCritic.

よく聞いてよ、スノッブな皆さん。あなたたちは現代アートのすべてを知っていると思っていますが、壁に貼られたバナナを眺めながら、それがリンゴだったらもっと美しいのではないかと考えている間に、ベルギーのゲントにある彼のアトリエで静かに過ごすミカエル・ボレマンスは、私たちの時代の最も不安を掻き立て、魅惑的な絵画の一つを私たちに提供しています。ここで私が言う「私たち」には、あなたたちの中で最も反発的な人々も含まれています。

ボレマンスは芸術界に現れたとき、時代錯誤の幽霊のようであり、不安と美を絶えず交錯させる絵画で私たちを魅了する絵画のスペクトルでした。彼は当初ゲントのシント・ルカス学校で写真家として教育を受け、34歳で絵画に転向しました。これにより、芸術の天職は必ずしも思春期まで待つ必要がないことを証明しました。この晩成は即座の技術的成熟、およびメディアの取り扱いにおける自信を説明しているかもしれません。あたかも観察の年数が彼のスタイルの完璧な熟成を可能にしたかのようです。

彼の絵を眺めると、私たちはヴェラスケス、マネ、ドガを思い浮かべずにはいられません。しかし、ボレマンスをこれらの影響に限定するのは、氷山の一角だけでその全体を説明しようとするようなものです。技法が偉大な巨匠を思い起こさせる一方で、その内容は断固として現代的であり、不安を誘う異質さが私たちの現状を語りかけてきます。彼の人物は地理的または歴史的な文脈から切り離され、定義されない時空間に浮遊しているように見えます。彼らはまるで廃墟となった撮影セットの上で指示を待つ役者のように、物語の空虚に吊り下げられています。

彼の作品で私が魅力を感じるのは、親しみやすくもありながら深く不穏なイメージを創り出すその能力です。たとえば「The Angel」(2013)では、薄いピンク色のドレスを着た女性の顔が完全に黒く覆われています。構図はクラシックで、光の使い方も完璧ですが、モデルの強制的な匿名性が解決できない緊張感を生み出しています。また、彼のシリーズ「Black Mould」では、とがったフードをかぶった人物たちが儀式的でコミカルかつ不安を誘う振付で踊っています。これらの覆面の人物たちは、同時にクー・クラックス・クラン、スペインの聖週間のペニテント、アブグレイブ収容所の囚人、そして中世の修道士を想起させます。ボレマンスはこれらの参照を用いて時代を超えた不快感を創り出し、儀式の永続性、暴力、そして人間の不条理を語っています。

ボレマンスの作品は映画的な考察に深く根ざしており、静止画のように構図が決められているだけでなく、イメージの捉え方自体もそうです。彼は「すべては常に演出されている」と語り、「制限すればするほど、表現が豊かになる」と述べています^[1]。このアプローチは彼の絵画を舞台装置に変え、そこで無言のドラマが展開されますが、その全貌を知ることは決してできません。リンチやベルイマンの映画のように、物語的説明の欠如が、どんな明示的な語りよりも雄弁になるのです。

ボレマンスが現在のほとんどの画家よりもよく理解しているのは、メディアに内在する魅惑の力です。彼は美しさを餌として、われわれの注意を引きつけ、より複雑で曖昧な世界に引き込む戦略的ツールとして用いています。彼は「美しさには誘惑の機能がある」と偽りなく認めます。しかしこの美しさは決して無料でなく、装飾的でもありません。芸術家がトロイの木馬のようにして、私たちの美的防御を突破し、私たち自身の矛盾に向き合わせるためのものなのです。

今日彼の作品が極めて意義深いのは、まさに現代イメージの仕組みを解体しながら、絵画という先祖伝来の言語を用いるその能力にあります。デジタル画像に溢れ、循環の速さが瞑想に勝る時代にあって、ボレマンスの絵画は異なる時間性を押し付けます。私たちに速度を落とし、観察し、その細部と謎に浸らせるのです。

彼のシリーズ「Fire from the Sun」(2017)では、むっちりした幼児たちが裸のまま、まるで切断された人間の手足の間で遊んでいるような不穏なシーンが描かれています。2022年に彼の本「As Sweet as It Gets」がバレンシアガの広告に使われた時、これらの絵は大きな論争を引き起こしました。ボレマンスにとってそれは「最高の出来事」でした^[2]。ついに彼が過激なアーティストと見なされたのです！この論争は私たちの集団的偽善を明らかにします。私たちは日々のニュースや熱心に消費するテレビドラマにおける暴力や恐怖を容認しますが、それが芸術の文脈で自己の怪物性の鏡となるとショックを受けるのです。

ボレマンスの姿勢は、イメージと現実との関係を問う絵画の伝統に位置づけられます。ベルギーの画家マグリットのように、日常の奇妙さに魅了された彼は、表現を用いてその限界と逆説を強調します。彼は「これは真実とは何かという哲学的な問いだ」と説明し、「真実は嘘の中にも、何か直接的かつ正直なものの中にもある」と述べています^[3]。視覚的な確実性への疑念は彼の取り組みの核心であり、すべてのイメージが構築物であり、絶対的な真実ではないという絶え間ない思い出しとなっています。

ボレマンスの世界において、演劇も重要な役割を果たしています。彼の登場人物たちはしばしば奇妙な衣装を着た俳優のように描かれ、その変装は彼らを主題ではなく、むしろ物体へと変容させます。彼はこう認めています。「ある意味で、私は人間を客体化しています。彼らを静物画のように描いているのです」^[4]。この客体化は単なる表現のための表現ではなく、個人がその表層やイメージにますます還元され、その本質や内面性を徐々に失っていく現代の状況に対する深い考察なのです。

彼の作品を通じて流れるブラックユーモアは、あまりにも真剣すぎてそれを察知できない批評家たちによってしばしば見過ごされます。しかし、それは彼の作品の本質的な側面をなしています。「The Badger’s Song」――あの不条理なシーンでは、アナグマ（あるいはクマ？）がフードをかぶった集団に白紙を提示しますが、その状況の不条理さに微笑まずにはいられません。ボレマンス自身も笑いの重要性を強調しています。「ユーモアはすべてのこと、どんな状況でも不可欠です。自分をあまりにも真剣に取るのは傲慢の一形態です」^[5]。このユーモアは取り上げられるテーマの深刻さに対する必要な対位法として機能し、観客の経験を豊かにする弁証法的緊張を生み出しています。

しかし、ボレマンスの作品の中でもっとも魅力的な側面は、絵画の物理性に対する彼の鋭い自覚です。多くの現代アーティストが作品の制作を他者に委ねるのに対し、彼は「背景の層の準備であっても、筆の洗浄であっても」自分で行うことを主張しています^[6]。制作プロセスへのこの完全な関与は、委任による制作では決して到達できない存在感とエネルギーを彼の作品に与えています。彼はこう述べます。「絵を描くことは非常に身体的なものです。小さな作品であっても、体全体で描いています。机で作業している時でも動いています。これは一種のエネルギーであり、そのエネルギーが絵画に流れ込むのです」^[7]。

このエネルギーは彼のすべての作品において感じ取れます。絵具のマチエールは官能的でありながら幽玄であり、同時に引き寄せも拒絶もする表面を作り出します。登場人物の顔はまるで出現物のようにキャンバスから浮かび上がり、その肌は内なる光によって照らされ、暗く曖昧な背景と対照を成しています。この技術的な熟練は決して誇示的ではなく、常に作品の主旨、すなわち作者が創出しようとする物語の曖昧さを支えています。

時間の問題も彼の作品の中心的なテーマです。彼の絵画はすべて恒常的な現在の中に存在しているかのようで、特定できる年代的時間軸からは離れています。登場人物の服装は故意に曖昧であり、正確な年代の特定を可能にしません。彼はこう説明しています。「私は背景をぼかしたかったのです。衣服は少し時代を超えています」「過去ではありませんし、未来でもありません」^[8]。この時間の超越性は郷愁的逃避ではなく、文字通りの表現の限界なしに現在を語るための戦略なのです。

現代美術の中でボレマンスの特異性を生み出しているのは、この逆説的な立場にあるのかもしれません。すなわち、古典的な手法を用いながらも、極めて現代的なテーマを描き出し、伝統的な技術を使って現代的な問いに挑んでいることです。「私は間違いなく現代の画家だと考えています。古い手段を使っていますが、それは単なる（少し忌々しい）手段に過ぎません」^[9]と、彼はその特徴的な率直さで語っています。

彼の芸術は、絵画が死んでいないことを私たちに思い出させてくれます。破滅を予言する者たちが宣言したのとは対照的にです。絵画は単にその伝統的な機能から解放され、より開かれた探求の場となり、またよりリスクのあるものになりました。デジタルの一瞬で消えるイメージが氾濫する世界において、ボレマンスの絵画は抵抗の形を示しますが、それは失われた黄金時代への郷愁ではなく、私たちのイメージとの通常の関係に挑戦する視覚的体験の創造によるものです。

ですから、次にミハエル・ボレマンスの展示を訪れるときは、現代絵画に対する偏見を忘れてください。謎めいた人物たちや、平凡と不思議の狭間にかかる場面に心を奪われてみてください。そして、おそらく、特に心を揺さぶる一枚の絵の前で、その不条理ながらも崇高な提案に対して緊張した笑いを漏らすかもしれません。まさにそこに彼の作品の力が宿っています。私たちに同時に不安と喜び、美と恐怖、笑いと苦悩を感じさせる能力です。完全で矛盾した、そして深く人間的な体験です。