よく聞いてよ、スノッブな皆さん。私はあなた方の中にはまだ滑らかなリンゴの静物画やレースの祖母の肖像画を好む人がいることを知っていますが、もう目を覚ます時です。ラシッド・ジョンソン（1977年生まれ）は現代で最も衝撃的なアーティストの一人です。現代芸術に対する先入観や、あなたの庭園の並木道のように整頓された小さな確信は忘れてください。ジョンソンはあなたのアカデミックな英雄たちを青ざめさせるような技巧でそれらすべてを打ち破ります。
まずは彼の集団的な不安という、我々の時代の病を扱う方法について話しましょう。彼の「Anxious Men」や「Anxious Audiences」は、あなたの5歳の甥が描けるような単なる落書きではありません。黒い蝋とアフリカの石鹸の混合物で刻まれたこれらの顔は、私たちの動揺した意識に響く無言の叫びです。刑務所の囚人のように整列したこれらの苦悶の姿は、Franz Xaver Messerschmidtの「性格の頭部」の直接の継承者であり、ただしジョンソンは個々の感情を分類しようとはせず、我々の社会的不安の本質そのものを捉えようとしています。まるでフランツ・ファノンが故障したエレベーターでフランシス・ベーコンに出会ったかのようです。
これらの不安げな顔を、ジョンソンは我々の時代の真のトーテムに変えています。そこにはコートジボワールのダン族の仮面を思わせるものがありますが、私たちの分断された現代性のプリズムを通して再考されています。ピカソがアフリカの仮面を取り入れたとき、それはまだ植民地主義的な視点でした。ジョンソンは、現代のアイデンティティ問題に鋭敏に意識を向けつつ、この形式言語を再創造しています。彼の顔の格子は、我々の偏執的な大都市の監視カメラのスクリーンを連想させ、それぞれの観客をこの集団的不安の無意識の覗き見に変容させます。
そして彼の素材の巧みな転用の仕方はどうでしょう？黒い石鹸、シアバター、割れた鏡は単なる媒体ではなく、歴史的かつ象徴的な負荷を帯びており、我々の「高貴な」芸術についての確信を覆します。ジョンソンはこれらの日常的な素材を、アイデンティティ、記憶、権力に関する深い思索の手段に変えます。彼がシアバターを使うとき、それはただ美しくしたりエキゾチックに見せたりするためではなく、芸術的に正統とみなされる素材に関する我々の偏見に直面させるためです。まるでマルセル・デュシャンがアフリカの化粧品店でジェームズ・ボールドウィンに出会ったかのようです。
しかしジョンソンが真に卓越しているのは、聖域でありながら対立の場でもある空間を創出する能力にあります。彼のインスタレーション「Antoine’s Organ」を見てください。この壮大な構造は、生きた植物、本、ビデオモニター、割れたスクリーンが混ざり合ったポストモダンの大聖堂であり、自然が我々の無菌化された文明に立ち戻ります。これは19世紀の植民地時代の温室を反響させますが、力関係を完全に逆転させています。植物はもはや分類するべき異国の標本ではなく、空白のギャラリー空間を支配する生きた存在なのです。
ジョンソンが「黒人芸術」に関する我々の期待を操る方法は特に鮮やかです。彼はステレオタイプを拒否しながら、それらを原料として使い、根本的に新しいものを生み出しています。彼の「Escape Collages」は単なる装飾的なコラージュではなく、常に構築され続けるアイデンティティの精神的地図です。彼がヤシの木や熱帯の模様を取り入れるとき、それは「本物」や「異国的」というためではなく、これらの期待自体の不条理さを強調するためです。
彼の最新作、とりわけ「Soul Paintings」や「God Paintings」では、ジョンソンは現代の精神性の探求をさらに深めています。ヴェシカ・ピスキス、このアーモンド形のモチーフは彼の最近の作品に貫かれていますが、単なる装飾的な模様ではありません。聖なるものと俗なるものが交錯する次元への入り口なのです。これらの絵画は魂への窓ではなく、伝統的な道標を失った世界で我々自身の精神的探求を映す鏡です。
ジョンソンで最も魅力的なのは、彼が強力な美的オブジェクトとして、そして鋭い社会的コメントとして同時に機能する作品を制作していることです。彼の「Broken Men」、つまりタイルと割れた鏡でできた断片的な姿は、私たちの断片化した人間性の肖像画です。彼が示すのは犠牲者ではなく、傷を勲章のように身に着ける生存者たちです。まるでルイーズ・ブルジョワが鏡の店でラルフ・エリソンに出会ったかのようです。
彼のモザイクとセラミックタイルを用いた作品は特に興味深いです。これらの素材は伝統的に家庭装飾に結び付けられますが、彼の手にかかると存在のドラマが繰り広げられる表面となります。ひび割れ、破片、不完全さは偶然ではなく、視覚的な語彙の不可欠な要素です。ジョンソンは、美しさはまさにこれらの裂け目や断続にあり、それこそが私たちを人間たらしめているのだと言っているかのようです。
彼の作品のパフォーマティブな側面は軽視してはなりません。一見静的な作品にも、常に動きや変容の感覚があります。彼のインスタレーションは、現代のドラマが演じられる劇場です。倒れた椅子、育つ植物、空間を映し出し断片化する鏡――すべてが複雑な振付に参加し、観客はいやおうなく俳優となります。
彼が2019年に制作した映画「Native Son」は、リチャード・ライトの小説の単なる翻案ではなく、現代における人種的アーキタイプの関連性を問い直す抜本的な再解釈です。物語を現代に置き換えることで、彼は物語を単に現代化するのではなく、私たち自身の社会的な不安と深く響き合うものとして明らかにしています。
ジョンソンの作品が今日これほど重要であるのは、簡単なカテゴリーを超越する力にあります。彼は「黒人」のアーティストとして「黒人」のための「黒人」アートを作るわけではありません。彼は個人的な経験を出発点として普遍的な問題を探求するアーティストです。彼の作品は、私たちの動乱した時代に響く形で、不安、アイデンティティ、スピリチュアリティ、権力について語ります。
簡単なラベルやマーケティングのカテゴリーにとらわれがちなアート界で、ジョンソンはとらえどころがなく、安全な枠に収まることを拒みます。彼の作品は現代美術が何であるべきかという私たちの先入観への絶え間ない挑戦です。それこそが彼を現代で最も重要なアーティストの一人たらしめています。
そして、もしまだ納得できず、日曜の小さな水彩画を好むなら、それはあなたの勝手です。限定版の夕焼けに夢中になっている間も、ジョンソンは私たちの時代の矛盾や不安に真正面から向き合わざるを得ないアートを創り続けています。単に壁を飾るだけでなく、その基盤を揺るがすアートです。
