よく聞いてよ、スノッブな皆さん。今から、1993年にロンドンで生まれ、現代絵画の規範を大胆に再定義し、現代アートの小さな世界を震撼させているルイーズ・ジョヴァネリについて話すよ。この英国人アーティストは、マンチェスター・スクール・オブ・アートと、エイミー・シルマンのもとで学んだフランクフルトの名門シュテーデルシューレで教育を受けた。彼女は単に絵を描いているだけではない。そうじゃない、彼女は伝統的なポップカルチャーとハイカルチャーの境界を超越する新しい視覚的な神聖性の形態を創造しているのだ。
彼女の絵画技法は、本当に驚異的でじっくりと取り組む価値がある。ヤン・ファン・エイクやロギエール・ファン・デル・ウェイデンのようなフランドルの巨匠たちから受け継いだこの技法は、極めて顔料の濃い油彩の層を丹念に重ねることで、キャンバスの内側から発せられるかのような輝きを創り出している。この体系的なアプローチは、ウォルター・ベンヤミンが芸術作品のオーラについて述べた観察を思い起こさせる。しかし、ベンヤミンが機械的複製の時代にオーラの不可避な喪失を見ていたのに対し、ジョヴァネッリは不可能を成し遂げている。彼女は私たちの視覚文化の飽和した俗的なイメージから新たな神聖性を生み出している。
彼女の連作『Orbiter』（2021年）は、この俗から聖への変容を完璧に描いている。マライア・キャリーがクリスマス番組で着たスパンコールのドレスの一部分という単純な題材をもとに、ポップカルチャーの些細な瞬間とみなされるかもしれないものを、超越的な視覚体験へと変えている。絵画の表面は、絵の具の物質性と光の非物質性との間の魅力的な戦場となる。このアプローチは、ローラン・バルトが『明るい部屋』で写真について展開した「プンクトゥム」の概念に響いている。ジョヴァネッリの場合、一本一本の筆致が潜在的なプンクトゥムとなり、可視と不可視の間に持続的な緊張を生み出し、鑑賞者に視線をゆっくりと動かすことを強いる。
最近の彼女の作品に頻出するモチーフであるカーテンも、じっくりと見る価値がある。高さが3メートルにも及ぶ壮大なドレープは、単なる装飾要素やスタイルの練習ではない。彼らは形而上学的な門となり、異なる意識状態の間の境界となっている。壮観な三連作『Prairie』（2022年）では、虹色の緑のカーテンを純粋な黄色の光の裂け目が貫き、強烈な緊張感を生み出している。カーテンを存在論的な比喩として用いるこの手法は、ガストン・バシュラールが『空間の詩学』で踏み込んだ内と外の弁証法的考察を想起させる。ジョヴァネッリのカーテンはもはや単なる物体ではなく、現実と想像、俗世と超越の間の移行の場となっている。
しかし、ジョヴァネッリがその強力なサブバージョンの力を示すのは、カルト映画の場面を扱うときである。彼女のブライアン・デ・パルマ監督の映画『キャリー』の場面の再解釈は、単なる映画的引用を超えている。『Altar』（2022年）で、彼女はシシー・スペイセクに血が落ちる正確な瞬間を捉え、それを一種の異教的啓示へと変貌させている。絵の表面はほとんど幻覚的な強烈さで震え、ジョルジュ・ディディ＝ユベルマンが呼ぶところの「生き残るイメージ」を形成している。飽和したネオンとぼかし効果が非現実的な雰囲気を作り出し、このホラーシーンを神秘的な啓示の瞬間へと変えている。
彼女は聖と俗の境界の探求をさらに深め、『Surface to air』（2022年）シリーズでは、キラキラと輝くドレスの裂け目から伸びた細長い脚が現れる。これらの絵画は古典建築のコリント式柱を連想させ、聖なる建築と現代のグラマラスな様式との大胆な対比を作り出している。この予想外の並置は、ポピュラーカルチャーのアイコンとそこにおけるそれらの宗教的ともいえる地位との関係を再考するよう私たちに促している。
ジョヴァネッリの技法は、彼女のテーマの選択と同じくらい注目に値します。彼女が絵画を薄い層で重ねる手法は、古典の巨匠たちが用いたグレーズの効果を思わせる光学的な深みを生み出しています。しかし、彼女はこの伝統的な技術を用いて、あくまで現代的な効果を創り出しています。例えば、彼女のワイングラスの絵画では、屈折や歪みの効果を見事に表現し、日常的な物体を形而上学的な瞑想の媒体へと昇華させています。これらの現代的な静物画は、17世紀の虚栄の象徴を彷彿とさせながらも、確固たる現代性を持っています。
今日においてジョヴァネッリの作品が特に関連性を持つ理由は、彼女が異なる文化的な領域を難なく行き来する能力にあります。彼女は美術史とポピュラー文化の両方から素材を引き出し、容易にカテゴライズできない作品を創造しています。彼女の聖なるものへのアプローチは、懐古的でも敬虔でもなく、むしろ探究的かつ変容的です。彼女は私たちに、聖なるものは現代の世界から消えたのではなく、新しい領域へと移動しただけだと示しています。
彼女の絵画における光の扱いもまた非常に興味深いものです。従来のように光を描写するのではなく、キャンバスの内部から発せられるかのような光の効果を創り出しています。このアプローチはモーリス・メルロー＝ポンティの「見えるものの肉（chair du visible）」の理論を思い起こさせます。彼女が得るテクスチャーは単なる表面の効果に留まらず、哲学者が語った世界の肉の具現化となっています。
彼女の作品には明示と隠蔽の間の恒常的な緊張感があり、これはマルティン・ハイデッガーの「アレテイア（aletheia＝真理の顕現）」の概念を想起させます。各絵画は、真理が現れつつ隠れているようなアレテイアのようです。この弁証法は、彼女の顔のクローズアップ画に特に顕著で、被写体のアイデンティティが絵画の物質に溶け込み、ジャック・デリダが呼んだかもしれない視覚的な「差延（différance）」を生み出しています。
彼女の反復を用いた手法もまた重要です。特定のモチーフ、カーテン、グラス、顔などを繰り返すことで、ジル・ドゥルーズが「反復の中の差異」と呼んだような効果を生み出しています。各イテレーションが微妙な変化をもたらし、対象の理解を深めています。この連続的なアプローチは、クロード・モネのルーアン大聖堂の「変奏曲」を想起させますが、確固たる現代的感性を伴っています。
ジョヴァネッリが扱うテクスチャーの処理は特に卓越しています。スパンコール、ガラス、ベルベット、シルクいずれにおいても、官能的で概念的な表面を創出します。これらのテクスチャーは単に表現されるのではなく、絵画の過程によって変容しています。彼女の絵画の中で、単なるベルベットのカーテンがヴェロニカのヴェールのように神秘的であり、ロスコの絵画のように謎めいています。
彼女の被写体の切り取り方も同様に素晴らしいものです。元の文脈から特定のディテールを孤立させることで、ローラン・バルトが呼んだような逆説的な「現実の効果」を生み出しています。これらの断片は独立した存在となり、自らの意味を生成します。この脱文脈化の戦略はクレイグ・オーウェンズのポストモダンの寓話に関する理論を想起させ、断片は全体よりも意味深いものとなっています。
ルイーズ・ジョヴァネッリは、画像であふれた現代社会における表象の本質について深い考察を提供します。彼女はポピュラー文化の一瞬の瞬間を永続的な絵画体験に変換し、新しいタイプの現代的な図像を創り出しています。彼女の作品は単なるスペクタクル社会への批評ではなく、私たちの視覚文化の残骸から新しい形の超越を大胆に創造しようとする試みです。
彼女の絵画は、現代アートが関連性を持つために伝統を拒絶する必要はないことを思い出させてくれます。むしろ、芸術史との創造的な対話によってこそ、真に新しいものが生まれるのです。彼女は21世紀の絵画が単なる表象の媒介であってはならず、平凡なものが非凡に、俗なものが神聖に変わる錬金術的な変容の場とならなければならないことを示しています。そしてまさにジョヴァネッリが成し遂げているのは、一筆一筆で世界への私たちの視線を変えることなのです。
