よく聞いてよ、スノッブな皆さん。こちらは立ち止まり、注目し、2025年に歴史を真に描くことの意味を理解するに値するアーティストです。ルバイナ・ヒミドは他のアーティストとは異なります。彼女は見えないものの地図製作者であり、公式な物語から消された者たちに形を与えるために表現のルールを再発明する語り手です。
1954年ザンジバル生まれで、4か月の時にイギリスへ移住したヒミドは、その移動という基本的経験を自身の作品全体に流れ込ませています。1976年にウィンブルドン・カレッジ・オブ・アートで舞台美術デザインの学位を取得し、1984年にはロイヤル・カレッジ・オブ・アートで文化史の修士号を取得。彼女は独自のアプローチを築き上げ、演出と歴史画が出会う場所を創り出しています。なぜなら、まさにそれが重要だからです：ヒミドは西洋美術の最も崇高なジャンルである歴史画を再発明し、アフリカン・ディアスポラの忘れられた人物をそこに刻み込んでいます。
集合的記憶の建築
1980年代のアーティスト兼キュレーターとしての彼女の歩みは、表象の問題に鋭い意識を示しています。1985年ロンドンの現代美術研究所での「The Thin Black Line」といった展覧会では、単に見せるだけでなく、イギリスの黒人女性アーティストたちに可視性の場を築きました。このキュレーター的な仕事の側面は単なる付帯的なものではなく、建築的プロジェクトとして彼女の芸術思考を構築しています。
建築はまさにヒミドの作品を貫く最初の概念的糸です。しかし、それは権力の記念碑的建築ではありません。ヒミドが関心を寄せるのは、親密さと日常の建築、生活と生存の空間を編成するものです。例えば彼女のインスタレーション「Naming the Money」(2004) は展示空間を記憶の劇場に変え、18世紀のヨーロッパの中庭で奴隷として扱われたアフリカ人の100体の影絵が登場します。各人物には名前、アイデンティティ、役割があり、犬使い、玩具職人、地図製作者、ダンス教師、音楽家、画家など。アーティストは公式な歴史によって粉砕されたこれらの存在に物語的な建築を再び与えています。
この記憶に対する建築的アプローチは、2024年に「Make Do and Mend」で展示された彼女の最新の”strategy paintings”で最も完成された形を見せます。これらの絵画はテーブルの周りに座る黒人の人物を描き、資源、領土、全人口を表す小さな物を手にしています。ここで建築とは権力のそれであり、誰がテーブルにつく権利を持つのか？誰が立ち続けるのか？誰が他者の運命を決めるのか？2023年の「Bitter Battles」では、さまざまな装置、ケージ、台座、空間の上に置かれたレモンが、私たちの社会を構造づける見えない階層を明らかにします。ヒミドはこのように権力の建築を分解し、その最も悪質なメカニズムを暴いています。
住空間もまた、この建築的な思考の中心的な位置を占めています。彼女の最近の絵画シリーズ「How May I Help You?」(2025)は、日常的に買い手と交流する露天商を描いています。一見何気ないこれらの場面は、実は複雑な社会的関係の地理、公共空間で働く権力関係の見えない建築を明らかにしています。「私は日々の普通のものを買ったり売ったりする行為に完全に取り憑かれています」と彼女は語ります[1]。この執着は、最も単純な動作に展開される社会的建築の深い理解を示しています。
彼女の舞台デザインの経歴の影響は、この空間的アプローチに表れています。ヒミドは自身の展覧会を、観客が役者となる舞台演出として構想しています。2021年のテート・モダンでの展覧会は、「来訪者をステージの中央や舞台裏に置くために設計された一連のシーン」と明確に考えられていました[2]。この空間の演劇性は、没入的かつ変革的な体験としての芸術の建築的理解を示しています。
しかし、ヒミドにとっての建築は物理的空間の組織に留まりません。彼女の作品の時間性も構築しています。音楽の拍子記号を思わせる縦長の画板は、展示空間を楽譜のように編成する視覚的リズムを生み出しています。シリーズ「Aunties」(2023)では、彼女のアトリエ近くで見つけた64枚の木の板が、多くの非ヨーロッパ文化における守護的存在である「おばさん」たちの星座のような群像を形成し、ギャラリーの伝統的な建築を再定義し、芸術機関の中心に親密さと保護の空間を創出しています。
漂う詩の領域
ヒミドの作品を貫くもう一つの概念は詩的表現であり、文学ジャンルとしての詩ではなく、言語とイメージとの特別な関係様式としての詩です。ヒミドは凝縮、隠喩、転移という詩的表現の三大要素を用いて視覚的詩学を展開しています。
まず凝縮です。彼女の絵画では、あらゆる要素が最大限の象徴性を帯びています。彼女が絵に取り入れる布は単なる装飾ではなく、家族の記憶、織物の伝統、文化的コードを運んでいます。「模様や服装は私の絵で重要です。ドレスは、女性たちがお互いそして鑑賞者に対して自分の個性を示す手段です」と彼女は「Between the Two my Heart is Balanced」について説明しています[3]。この詩的な凝縮は、布の断片を一文化の代部分身へと変貌させています。
次に隠喩です。ヒミドの作品は絶えず隠喩的に動きます。「The Carrot Piece」では、白人男性が手にする人参が離れていく黒人女性に対して振りかざされ、黒人アーティストに向けられた偽りの承認の約束の隠喩となっています。シリーズ「Le Rodeur」(2016)では、奴隷貿易船が抵抗と創造の場へと変容します。こうした隠喩的な転移は、直截的な表現を拒み、多義性を重視する詩的思考を表しています。
最後に転移です。ヒミドは作品の中で常に時間的な転移を行っています。「登場人物は必ずしも同じ時間軸や歴史的領域にいるわけではありません」と彼女は述べます。「彼らは時間を超えて交差し、お互いに（そしてあなたに）過去が現在の手がかりを含み、行動の場であることを語り合っています」[4]。この浮遊する時間性は、線形の年代記を拒否し、層状の時間性を採る詩的思考の特徴です。
この詩的なアプローチは、彼女のパートナーであり芸術的協力者であるマグダ・スタワルスカとのコラボレーションにおいて最も洗練された表現を見出します。彼女たちのインスタレーション「Slightly Bitter」（2025年、ケトルズ・ヤード）は、20世紀初頭の作家ソフィー・ブジェスカとアーティストのニナ・ハムネットの断片的な通信を探求しています。この作品は詩的な編集によって進められ、音、絵画、発見された物品、そして絵はがきを組み合わせて、歴史によって消された関係をよみがえらせます。「このインスタレーションはドキュメンタリーではなく、会話、翻訳、そして交換についてのものです」とヒミッドは明言しています。この痕跡と断片の詩学は、歴史的経験の不連続性に対する深く現代的な感受性を明らかにしています。
スタワルスカとのこのコラボレーションの音響的側面は、ヒミッドの視覚的詩学を大いに豊かにします。スタワルスカの音響構成は単なる伴奏として機能するのではなく、描かれたイメージへの詩的な対位法として機能します。「Naming the Money」では、描かれた人物のアフリカ名とヨーロッパ名を発音する声が記憶のポリフォニーを生み出し、インスタレーションの感情的負荷を倍加させます。音とイメージのこの相乗効果は、アートを総合芸術として理解する詩的な洞察を明らかにします。
ヒミッドの詩学はまた、絵画によって変容された日常の物品への彼女の魅力からも養われています。彼女の「Swallow Hard: the Lancaster Dinner Service」（2007）の一連の彩色陶器は、家庭用食器を歴史的記憶の媒体へと変えています。奴隷貿易を連想させる模様で飾られたこれらの皿は、磁器の装飾的機能を覆し、批評的なメディアとして機能させています。この変容の詩学は、芸術の魔法的側面に対する特別な感受性を示しています。
ヒミッドの色彩の使用もまた特別な詩学に属しています。彼女の鮮やかな黄色、深い赤、濃い青は写実性を目指すのではなく、表現力の強度を目指しています。批評家フレッド・モーテンが指摘したように、彼女の「色彩の祝祭」は「究極の荘厳さ」となっています。この色彩の詩学は、絵画を抵抗と自己主張の歌に変えています。
可視化の戦略
ヒミッドの近年の作品は、これらの異なるアプローチを総合する能力において顕著な芸術的成熟を示しています。2023年の彼女の「strategy paintings」は、権力、表象、抵抗の関係についての彼女の思索の到達点と言えます。これらのキャンバスは、黒人の人物が象徴的な物品をテーブル上で操作する交渉の場面を描いています。これらの構図の建築、空間内の身体の配置、テーブルの幾何学、物品の配置は、政治的および経済的権力の見えない仕組みを明らかにしています。
「Predicting Positions」（2023）では、テーブル上に配置された模型が太陽系を想起させ、現代の一部のオリガルヒの植民地主義的野心への皮肉な言及となっています。この作品は支配階級と、彼らが支配する者を非人間化する傾向に対する特に鋭い批判を構成しています。ヒミッドは根本的な問いを投げかけます：私たちが戦略家のテーブル上で操作可能なデータに還元されることを受け入れるとき、何を失うのでしょうか？
「Aunties」（2023）のシリーズは、この芸術的成熟のもう一つの側面を明らかにします。これら64の彩色された板は、展示空間を守護的な人物たちの集会へと変えます。各「おばさん」は、見つけられた木の質感、色彩豊かな布、彩色された模様など独自性を持ちながら、全体として一貫したまとまりを持っています。この作品は個性と集合体、特異性と共同体を和解させるという偉業を成し遂げています。
彼女の業績の遅ればせながらも華々しい認知、2017年のターナー賞、2018年の大英帝国勲章コマンダー（CBE）、2021年のテート・モダンでの展覧会、そして2026年のヴェネツィア・ビエンナーレでのイギリス代表は、彼女の批判的な姿勢の持続性を見えなくしてはならない。70歳を超えた今も、彼女は初期と同じ鋭さで権力関係を問い続けている。「1980年代と1990年代に機会を逃した」と彼女は語る。「私たちはできるだけ多くの人に自分たちの作品を見てもらうことを目標にしていた。しかし売ることは考えていなかった。そんな発想はなかったのだ」[5]。
アート市場の仕組みに対するこの批判的な洞察は、政治的分析能力を失っていないアーティストであることを示している。彼女の2026年ヴェネツィア・ビエンナーレのためのインスタレーションは、現代の地政学的文脈における彼女の主張の的確さを測る決定的な瞬間となるだろう。
彼女の若い世代のアーティストたちへの影響力の増大は、彼女のビジョンの正当性を物語っている。政治的コミットメントと美的卓越性を結びつける彼女の能力は、現代アートの風景において稀有なモデルを提供している。彼女は、形式的かつ概念的な複雑さを犠牲にすることなく力強い政治的メッセージを発信することが可能であることを証明している。
1991年から暮らしているプレストンとの関係は、彼女のコミットメントの領域的な側面も明らかにしている。「小さな街だが、私たちには機能している」と彼女は説明する。ロンドンのアートセンターから離れたこの地域への根ざしは、彼女の美学的アプローチの一般的な脱中心化の意志を示している。
ルバイナ・ヒミドの作品は、過去40年間にわたる英国現代アートへの最も重要な貢献の一つである。彼女は形式的革新と政治的コミットメント、美的探求と歴史的認識を調和させることに成功している。彼女の絵画、インスタレーション、コラボレーションは、時代の課題を問い続けるために塑造言語を絶えず再発明できるアーティストを示している。
彼女が高い形式的要求を維持しながらラディカルな政治的主張を展開する能力は、国際的なアートシーンにおいて唯一無二の存在であることを示している。彼女のインスタレーションの構造と絵画の詩的表現は、現代の表現において未踏の領域を切り開いている。ヒミドは、アートが決して中立ではなく、常に私たちが生きる世界の構築に関与していることを思い出させてくれる。歴史の見えない存在に形を与えることで、より公正で人間的な世界の構築に貢献しているのだ。だからこそ、彼女の作品は芸術の枠を大きく超え、現代の最も緊急な政治的・倫理的課題に接続している。
- Wallpaper、「Lubaina HimidとMagda StawarskaによるKettle’s Yardでの新しいショーは日常生活の物語に欠けているナラティブを明らかにする」、2025年6月
- Tate Modern、「Lubaina Himid」、展覧会カタログ、2021年11月
- Tate Kids、「Lubaina Himidとは？」、2021年
- Greene Naftali Gallery、「Lubaina Himid」、アーティストバイオグラフィー、2024年
- The Guardian、「アーティストLubaina Himid：”YBAたちはアートを売ることに接続されていた。私たちはそれがどうやってやるか知らなかった”」、2025年3月
