よく聞いてよ、スノッブな皆さん。日本の芸術の星空に新しい星が昇りましたが、それは皆さんの株式投機の仮想の無から来たものではありません。倉谷惠美は1995年神奈川生まれで、漫画の文化遺産を現代的で内臓に響く絵画体験に変える、日本の新世代アーティストの象徴です。
社会的孤立がCovid-19よりも猛威を振るう日本において、倉谷は二つの世界の間を漂う少女たちを描いています。彼女のヒロインたちは、凍りついた一瞬の中で鑑賞者を見つめ、その強度はルーカス・クラナッハ（父）の肖像画を思い起こさせます。この言及は偶然ではありません。ルネサンスのドイツの巨匠が純真さと官能性を併せ持ってヴィーナスを描いたように、倉谷は幼児期が消えつつあると大人の世界に脅かされる間の時間の狭間に若いモデルたちを捉えています。
倉谷の技法は彼女の視点と同様に独特です。布地の原初的な粗さを与えるジェッソの背景の上に、非常に薄い層で油絵の具を塗り、風の息によって静かに置かれたかのように見えます。次に、ティッシュで素材を軽く押さえ、伝統的な油絵よりもむしろ水彩画を想起させる軽やかな質感を作り出しています。この技術的アプローチは、もののあはれという儚さへの鋭い意識を持つ日本の哲学に呼応しています。
「Flying Dog and Girl」（2023）を見てください。若い少女と犬が、平凡な都市の風景の上に浮遊しています。この作品は単なるマンガの幻想をキャンバスに移したものではありません。これは日本哲学の概念である「間」を完璧に示しています。この空間はここでもなくそこでもなく、現在でもなく不在でもない時空の間隙です。倉谷の浮遊する登場人物はちょうどこの界隈空間に存在し、地球の重力と天体の引力の間に宙吊りになっているかのようです。
現代の日本社会は、その窮屈な社会的硬直性と若者に対する圧倒的な期待によって、すべての絵画に透けて見えます。倉谷の少女たちは、完璧な制服と謎めいたまなざしで、哲学者ローラン・バルトが日本文化の分析で “書き込みのゼロ度” と呼んだものを具現化しています。彼女たちはここにいますが、その存在自体が一種の不在であり、日本列島の社会的疎外に対する静かなコメントです。
「Ferris Wheel: Girl」（2023年）では、観覧車のキャビンに座る少女が描かれています。一見シンプルな構図ですが、その複雑さは目眩がするほどです。キャビンは空と地の間に吊るされており、伝統と貪欲な現代性に挟まれた現代日本の思春期のメタファーとなっています。この作品は、マルティン・ハイデッガーが展開した哲学的概念「存在－間（SEIN-ZWISCHEN）」と直接対話しています。これは個人が様々な存在の可能性の間に吊るされている存在状態を意味します。
彼女は2018年に東京の多摩美術大学に在学中に村上隆のKaikai Kikiコレクティブに参加しましたが、単にマンガのコードをリサイクルするだけではありません。日本のポップカルチャーが西洋の油絵の伝統と出会う独自の絵画言語を創造しています。彼女の女性キャラクターは、親友や通りすがりの知らない人、アニメのヒロインにインスパイアされ、沈黙のうちに日本の若者の社会ドラマが繰り広げられる演劇の俳優となっています。
彼女の作品の背景になる都市風景は決して偶然選ばれているわけではありません。神奈川県の親しい場所であり、彼女の視点でほぼ形而上的なシーンに変容しています。閑散とした駐車場、匿名の住宅街、普通のスーパーマーケットは彼女の筆によって日常のありふれたものが不思議に変わる過渡期の空間となっています。
倉谷が光を使う方法を見てみましょう。彼女の薄い空、都市家具の金属反射、柔らかな影が「浮世絵」つまり江戸時代の”漂う世界のイメージ”を想起させる雰囲気を作り出しています。しかし、日本の版画の巨匠たちが遊興街の儚い快楽を描いたのに対し、倉谷は変動する日本の中で自らの居場所を探す世代の漠然とした憂鬱を捉えています。
伝統と近代、現実と想像、重力と無重力の間のこの緊張感は、倉谷の作品を21世紀日本の女性の状況に対する微妙なコメントにしています。彼女の静かなヒロインたちは、大きな表情豊かな目と固定されたポーズで、社会的慣習の重みに窒息しつつも飛翔を夢見る世代の無言の代弁者となっています。
倉谷の作品は単なるマンガと西洋絵画の対話を超え、普遍的な次元に達しています。彼女のキャラクターは現代日本の現実に根ざしているものの、より深い何かに触れています。それはアイデンティティが結晶化し、子供時代の確信が大人の曖昧さに溶けていく移行の時期です。
彼女の彩色パレットは、雨に洗われたようなパステルトーンが支配的で、ウィリアム・ターナーの絵画のぼんやりとした雰囲気を思い出させます。しかし、英国の巨匠が自然の変わりやすい気分を捉えようとしたのに対し、倉谷は思春期の感情の微妙な変化を描いています。それは雷雲の空のように不安定な内なる気象学でもあります。
2024年に香港で展示された最新作では、彼女は現代の女性のアイデンティティの探求をさらに深めています。彼女が描く人物は単なるマンガの典型ではなく、超接続社会における自己構築についてのより広い考察の主体となっています。彼女のキャラクターたちは、多くの場合、瞑想的な孤独の瞬間に捉えられ、社会学者ジグムント・バウマンが『流動する近代』と呼んだ、現実と仮想の間で絶えず交渉される流動的なアイデンティティという現代的な状況を体現しています。
倉谷は日常の場面を視覚的啓示の瞬間に変えます。駐車場は形而上学的な劇場になり、ありふれた通りは静かなドラマが繰り広げられる舞台に変わり、スーパーマーケットは時間が止まったかのような境界的空間に変貌します。このありふれたものの変身は、ジョルジョ・デ・キリコのようなイタリアの形而上絵画の手法を思わせますが、存在論的な悲観主義はありません。
彼女はわずか29歳で、すでに日本の枠を超えて響き渡る独特な芸術的声を育んでいます。パリのペロタンギャラリーから上海、ソウルまでの彼女の展覧会は、彼女の芸術が普遍的な共感を呼ぶことを示しています。思春期が長期化しアイデンティティがますます流動的になる世界で、彼女の絵画は現代の人間の本質を捉えています。
彼女は単に肖像を描くだけでなく、登場人物の内面への窓を創り出します。彼女のキャラクターは強い眼差しで私たちを見つめ、時間、空間、アイデンティティに対する自らの関係を問いかけさせます。速度とパフォーマンスに取り憑かれた時代にあって、彼女の絵画は瞑想的な休止、つまり時間そのものが息を呑む瞬間への招待です。
倉谷の早期の成功は自己満足を招くのではと懸念されるかもしれませんが、各展覧会で彼女は進化し続けるアーティストであることを示しています。技術は磨かれ、視点は深まり、現実と虚構の境界の探求はますます洗練されています。彼女は、千年の伝統に根ざしつつ、決定的に現代的な視覚言語を創造する新世代の日本人アーティストの象徴です。
しばしば皮肉で幻滅的な芸術界にあって、倉谷は絵画がまだ私たちを感動させ、夢を見させ、考えさせることができることを思い出させてくれます。彼女の絵画は孤独とつながり、疎外と希望、重力と飛翔を語る視覚的詩です。おそらくそこに彼女の最大の才能があります。すなわち、宙に浮かぶ彼女のキャラクターを通じて、私たちも日常の重力を超えて高く昇ることができると感じさせるのです。
