よく聞いてよ、スノッブな皆さん。今こそ、粘性のある物質のような一貫性で私たちの現代美術への確信を揺るがすアーティストについて話す時です。1999年ボルドー生まれの友沢こたおは、不快感を崇高なものに変え、息苦しさを解放に転換するという魅力的なパラドックスを体現しています。
現代美術を知っていると思っていますか？このフランスと日本のハーフの若い女性が、スライムと内面的感受性を武器に、自己肖像に対する私たちの関係性を再定義する方法をお話ししましょう。彼女の巨大なキャンバスの中で、顔が半透明の物質の層に溶けゆく中、友沢は単に描くだけでなく、不安に満ちた時代の本質を捉えています。そこでは、本物らしさが人工的な大量の画像の海に沈んでいます。
一見、彼女の作品は単なる美的遊びのように見えるかもしれません。魅力的な反射を持つゼラチン状の物質に飲み込まれたハイパーリアリスティックな肖像画。しかし、誤解しないでください。各作品は、ローラン・バルトが「プンクトゥム」と呼んだ、観賞者の心を突き刺す感動的な細部へのめまいを誘う潜入です。ただしここでのプンクトゥムは細部ではなく、作品を浸食する物質自体であり、私たちの不安定なアイデンティティとの関係を象徴する液状のメタファーです。
友沢こたおの最近の作品「Slime CXCⅦ」（2024年）を見てみましょう。そこでは、彼女が苦悶と恍惚の間の状態で自己を表現しています。この作品はオウィディウスの「変身物語」を思わせます。そこでは身体が神の力で変化します。しかし友沢の場合、変容は神の罰ではなく、自己消去と再生の能動的な行為です。彼女は、ソーシャルメディアとその絶え間ない画像の流れに疲弊し、ある日自発的にスライムを全身に塗ったと語っています。この行為は、一見ばかげているようで、彼女の芸術活動の根幹となりました。
このアプローチは、モーリス・メルロー＝ポンティの知覚の現象学に関する考えに共鳴しています。彼の著書『眼と精神』の中で、哲学者はこう書いています。「画家は自らの身体を世界に貸すことによって、世界を絵画に変える」のです。友沢はこの考えを文字通りに受け取り、実際に自分の身体をスライムの体験に貸し出し、窒息感という身体的な感覚を絵画的な解放に変えています。彼女の絵画は単に粘液状の物質に覆われた人物を描いているのではなく、存在が純粋な感覚に溶け込む瞬間を具現化しています。
彼女の作品のもう一つの特徴は、幼少期の人形であるルキちゃんを繰り返し使用している点にあります。この像は、『Slime XCIX』（2021年）のように多くの作品に登場しますが、単なる懐かしい小道具ではありません。これはヴァルター・ベンヤミンが「弁証法的イメージ」と呼んだもので、過去と現在、個人的なものと普遍的なものを一つに凝縮した対象です。友沢はルキちゃんをスライムで覆うことで、単に自身の幼少期を再訪するだけでなく、生きているものと無生物、馴染み深いものと異質なものとの境界を探求し、フロイトの「不気味の谷」の概念を想起させる手法を展開しています。
表面的な批評家は、彼女の作品を現代に非常に好まれる流動的なアイデンティティのテーマの一つのバリエーションに過ぎないと言うでしょう。しかし、それは本質を見逃しています。友沢が描き出すのは、アイデンティティの流動性よりも、自己の消失と再生という身体的な体験です。彼女が初めて自分をスライムで覆い、呼吸ができなくなり、時間が溶けていくのを感じた瞬間を語る際、単なるパフォーマンス芸術を超えた深い何かに触れています。
彼女の経歴は作品と同様に魅力的です。彼女は2024年に東京芸術大学を卒業し、2019年に久米賞、2021年に上野芸友賞を受賞しています。東京から香港まで急速に続く個展は、それぞれ彼女の制作における進化を示しています。最新の展示『反映』は、N&A Art SITEで発表され、彼女の自然光の使用に重要な転換点をもたらし、人形の顔に踊るかのような水の文様を導入しています。
彼女の作品が今日特に重要である理由は、集合的な不安を美的体験に変換しているからです。私たちの世界がデジタル画像やInstagramのフィルターに溢れ、クリック一つで自分の見た目を変えられる時代において、友沢は徹底的に身体的なアプローチを選んでいます。窒息するまで自らをスライムで覆うという極限の体験を課し、その表面的な否定を通じて真正性を語る作品を生み出しています。
彼女が用いる技法は、そのコンセプトと同様に卓越しています。油彩画において彼女はテクスチャーと透明性の卓越した技術を示しています。各作品はまるで絵具そのものが生きて動いているかのような技術の妙技であり、彼女が捉える反射は単なる装飾効果ではなく、表層と深層、存在と不在の間に絶え間ない緊張感を生み出しています。
彼女の母親である友沢美都代とのデュオ「トロロエン」との共同制作は、作品にもう一つの次元を加えています。この母娘の芸術的関係は、ジュリア・クリステヴァが『嫌悪の権力』で論じた退廃と母性的なものに通じています。友沢の作品は、スライムが繋がりと分離の両方を同時に可能にするメディウムとして機能し、複雑な母性的遺産との交渉と見なすことができます。
彼女の最新作は、インドとタイへの旅から着想を得ており、自然光に影響された新しい色彩パレットを導入しています。この変化は、既成の成功法則に甘んじることなく、探求と実践の限界を押し広げ続ける彼女の姿を示しています。
友沢は、単に時代を評論するのではなく、その時代を身体的に体現する新世代のアーティストを代表しています。彼女の作品は世界を覗く窓ではなく、私たち自身の限界に直面させる感覚的な体験です。意味のないデジタルアートやNFTが芸術体験を完全に非物質化しようと脅かす世界において、彼女の仕事は身体と物理的感覚の重要性を思い出させてくれます。
彼女の急速な成功は、作品が発表されるや否や即座に売れることから、その実践が過度に商業化される恐れがあります。しかし、友沢は優れた芸術的誠実さを保ち、実験とリスクを続けています。新たな展覧会ごとに、市場の期待に応えるだけでなく、研究を深めるアーティストとしての姿が明らかになります。
友沢こたおは、ただの肖像画やスライムを使った人形の絵を描くアーティストではなく、デジタル時代のセルフポートレートの理解を再定義するクリエイターです。彼女の作品は、ますます仮想的になる世界においても、身体的体験と感覚が芸術的真実のかけがえのない源であることを思い起こさせます。
