崔嘉 : 断片化された身体の崇高な裂け目

公開日： 4 3月 2025

著者：エルヴェ・ランスラン（Hervé Lancelin）

カテゴリー：アート評論

読了時間： 11 分

崔嘉は、色彩のキャンバスから幽霊のように現れるぼんやりとしたシルエットを描き、人体への根本的な認識を視覚的に表現する粗野で洗練された技術を駆使しています。

A stylized, purple-toned image of a person standing outdoors, with wavy lines and dots creating a digital, abstract effect over the background and figure. The person is wearing a jacket and looking forward. © Illustration by ArtCritic.

よく聞いてよ、スノッブな皆さん。私たちは冷たく計算された作品、感覚よりもアイデアが優先されるコンセプチュアルなインスタレーション、空の皿のように満たされない知的な振舞をあまりにも長く見続けてきました。あなたたちが上海で話題の最新アーティストに感嘆している間、重慶のアトリエでは威嘉（ウェイ・ジア）という名の男が真実味あふれる絵画を制作しています。この名前を覚えておいてください。彼は同世代で最も内面から迫る画家かもしれません。

成都出身で北京中央美術学院で厳格な版画技術を学んだ彼は、優秀な学生、尊敬される教員という役割を経て、最終的に驚くべき鋭さで外見のヴェールを引き裂く創造者となりました。優しいスタイルの変遷を期待してはいけません。威嘉の芸術は激しい脱皮の連続であり、その内面的変貌は筆の一撃ごとに現れます。これが剥皮の美学なのです。

彼の作品でまず目を引くのは、存在の脆弱な状態にある人間を捉えるその方法です。彼の登場人物は、多くが孤独またはグループの男性像で、不定の空間に漂い、地と空、親しみやすさと異質さの間にいます。輪郭はぼやけ、身体は風景に溶け込んでいます。すぐにフランシス・ベーコンを思い浮かべますが、彼のような不気味さはありません。威嘉は絵画を痛めつけますが、被写体を拷問するのではありません。彼には、苦しみを光り輝く何かに変える優しさがあるのです。

『無題』（2019-2021年）などの近作シリーズでは、威嘉は色のフィールドから浮かび上がるようなぼやけたシルエットを描き、形を取ろうとする幽霊のようです。その技術は粗野でありながら洗練されており、荒々しい筆致が解体寸前の身体を描き出します。これはまさしくアントナン・アルトーが『器官なき身体』について語ったことと同じです。身体を機械的な組織ではなく、強度、力、感覚の場として捉える革命的な概念です^[1]。アルトーはこう書いています。「身体は身体である。それは唯一で、器官を必要としない。身体は決して有機体ではない。有機体は身体の敵である。」威嘉はこの過激な思想を視覚的に翻訳し、登場人物を解剖学的表現ではなく、生命力の顕現として描いています。

魏嘉の絵画に登場する身体は、単に無秩序なわけではなく、別の何かに変わろうとしているのです。『伝説の英雄』（2020）では、中心人物が青と緑の渦の中に溶け込みつつも、力強い存在感を保っています。この溶解は敗北ではなく、変容であり、別の存在状態への移行です。アルトーが『神の裁きを終わらせるために』で書いたように、「無器官の身体を作り出したとき、彼をすべての自動反応から解放し、本当の自由を与えることになるのです」^[2]。魏の絵画はまさにその解放の行為なのです。

アルトーが魏の身体の概念を理解する鍵を提供するならば、ドイツの作家W.G.セバルトの文学は、時間と記憶との関係を照らし出します。セバルトは『アウスターリッツ』や『サターンの環』などの小説で、過去が現在に染み込む様子、記憶が幽霊のように残り、思いがけない場所に姿を見せることを探求しています^[3]。彼はこう書いています。「記憶はしばしば大きな戦いが繰り広げられた街のように思える。その中を歩くと、破壊の痕跡に出会わずにはいられない」。魏嘉の人物像はまさにこうした空間、時間が直線的でなく同時的で、複数の存在層が重なり合う場所に存在しているかのようです。

彼の初期の版画作品、『沈黙』（1999）や『深呼吸』（2002）では、若者たちが空虚な空間や遠い地平線を見つめています。これらの作品は単なる肖像画ではなく、時間性についての瞑想となっています。セバルトが『めまい』で書いたように、「私たちの人生のあらゆる瞬間が同じ空間を占めているように感じられたのです」^[4]。この時間の平坦化の感覚は魏の作品を貫いています。

魏嘉は2004年頃に版画からアクリル画に転向しましたが、単に表現媒体を変えただけでなく、表象への関係を根本的に変えました。彼の精緻に構築された版画表面は、直感的でほとんど暴力的なアプローチへと取って代わられました。絵具の層は地質学的な堆積層のように積み重なり、それぞれが過去の痕跡を宿しています。セバルトが「時間の堆積物」と呼ぶもののまさにそれであり、個人的かつ集団的な歴史の層が蓄積し、濃密で豊かな視覚的証言を形成しています^[5]。

より最近の作品、『上流の激流』（2020）では、魏はほぼ全ての伝統的な具象描写を放棄し、絵画そのものが主題となる状態を達成しています。色彩が激しく衝突し、生きているかのような振動的な強度の場を作り出します。身体はもはや表現されるのではなく、痕跡や動作、欠落として暗示されています。セバルトが書いたように、「私たちは自分の身体が記憶に何を蓄えているのか全く見当もつかない」^[6]。魏嘉の絵画はまさにこの無意識の身体記憶、肉体に宿るけれども完全には自覚されていない記憶を形にしようとする試みのように思えます。

魏が統制された物語的イメージから、より抽象的で身ぶり的な作品へと進化したことは、1970年代生まれの多くの現代中国人アーティストの知的な軌跡を反映しています。この世代は激しい社会・経済の変革期に成長しました。彼らは中国の世界への開放、都市中間層の台頭、かつて孤立していた国の力の増大を目撃しました。しかし、ポップやシニカルなスタイルを採用した同世代もいる中で、魏嘉はより内省的で誠実な道を選びました。

ウェイ・ジアの興味深い点は、コントロールと放棄の間に不安定なバランスを築く能力にあります。彼の最も表現力豊かな作品においてさえ、根底には規律が感じられ、混沌に形を与える枠組みがあります。まるで彼が受けた厳格な版画家としての訓練が、最も激しい動きに身を任せるときでも手に影響を与え続けているかのようです。この構造と自由の間の緊張感が、彼の作品全体を貫く特別なエネルギーを生み出しています。同じ緊張感はゼーバルトの著作にも見られ、最も制御され緻密な散文でさえもめまいと方向感覚の喪失を伝えることに成功しています^[7]。

ウェイ・ジア本人はこう述べています：「絵を描くとき、私はしばしばプロセスを完全にコントロールしない状態を探します。時には絵が私を導くダイアログがあってほしいのです」。この対話的アプローチは、ゼーバルトが「死者との対話」と表現するものを正確に反映しており、それは文字通りの意味ではなく、現在に残る過去の痕跡と関わる行為です^[8]。

ウェイ・ジアが多くの現代アーティストと異なる点は、容易なシニシズムを拒むことです。皮肉がアートのデフォルトな立場となった時代に、ウェイは真摯であることを敢えて選びます。彼の絵画はクールさや距離感を追い求めるものではなく、人間存在の最も根本的な問題と激しく格闘しています。ゼーバルトは書いています：「おそらく私たち皆が、苦しみが及ばない場所を見つけようとしているのだ」と^[9]。ウェイ・ジアの絵画は苦しみからの避難所ではなく、それに意味を与え、美へと変換しようとする試みです。

「クラブ」(2021年)では、ウェイは青と緑のトーンに包まれたグループの場面を提示し、夜の雰囲気、ほとんど夢のような空気を呼び起こします。人物たちは交感や共同の祝祭の瞬間に宙に浮かんでいるようです。この作品はゼーバルトの「オーステルリッツ」にある次の記述を想起させます：「私たちは時間を、その通過の表層的な痕跡でしか知覚しません。何かが変わった、何かが取り返しなく失われたことを示す小さなものたちです」^[10]。ウェイの人物たちはまさにその時間の裂け目、過去とも未来とも言えない束の間の現在に存在し、過去と未来の両方を含む拡張された現在を示しています。

ウェイ・ジアは、絵画を単なる表現手段ではなく、知識の一形態、人間の経験の深淵を探る方法とする作家の系譜に属しています。その意味で、彼はレンブラントやゴヤのような偉大な巨匠に連なる存在であり、存在論的探究の道具として絵画を用いました。注目すべきは、彼が「真剣な」絵画の常套手段を用いずにこの深さに到達していることです。壮大な構図も明らかな歴史的言及も重い象徴主義もありません。

むしろウェイ・ジアは削ぎ落とし、精錬によって営為します。彼の最近の絵画は時として半分消えかかった夢のようであり、定着しようとすれば消え失せる儚い幻影のようです。この儚い性質はアルトーが「残酷劇場」と呼んだものに通じており、それは無意味な暴力の見せ物ではなく、「神経と心を目覚めさせ」、知性のフィルターを通さずに直接感覚に訴えかける芸術の形態です^[11]。

魏の最近の絵画の色彩は特に印象的です：深い青、豊かな緑、燃えるようなピンク。これらの色調は単なる装飾ではなく、感情に満ちており、ほとんど共感覚的です。アルトーが書いているように：「すべての感情には有機的な等価性がある」^[12]。魏の色彩は、感情の状態や心の振動を直接具現化しているかのようです。

彼のキャリアが進むにつれて、魏嘉は現代中国の具象画の慣例からますます距離を置いています。彼の最近の作品はもはや明確な物語を語らず、明白なメッセージを伝えません。代わりに、それらはエネルギーの場として存在し、芸術家と世界、過去と現在、伝統と革新の出会いのゾーンとなっています。この意味で、それらはセバルトが「遷移帯」と呼ぶものを思い起こさせます。そこは境界がぼやけ、異なる現実が共存する境界的空間です^[13]。

私が魏嘉に最も惹かれるのは、彼が変化を受け入れ、基本的な芸術的アイデンティティを決して否定せずに絶えず自身の実践を再発明していることです。各新シリーズの作品は以前のものからの断絶でありながら、深い一貫性を維持しています。それはまるで各絵画がアルトーが「行為と思考の中間に位置する言語」と呼んだものに到達しようとする試みのようです^[14]。

魏嘉はしばしば1970年代生まれのポスト70年代世代の芸術家の一人として分類されます。彼らは中国の経済改革期に成長しました。しかし、彼の作品は世代や国籍のカテゴリーを超越しています。彼は「中国」や「現代の状況」を描いているのではなく、絶えず変化する世界で自らの存在の意味を追求する人間の普遍的な探求を描いています。

彼のより最近の作品の一つである「困難な旅 II」(2022) を見てください。この絵画は、ほとんど識別できない姿が浮かび上がる山の風景を描いています。力強い筆致は絶え間ない動きの感覚を生み、まるで風景そのものが変容しているかのようです。この作品はセバルトが「サターンの輪」で描写したものを掻き立てます。「おそらく私たちの運命は絶えず動き続けることにある。私たちは場所に住んでいるのではなく、移動そのものに住んでいるのだ」^[15]。魏の人物たちは実際に固定された空間ではなく、存在の流れそのものに住んでいるようです。

現代中国美術に詳しい方も初心者の方も、ぜひ魏嘉に真剣に注目されることを強く勧めます。一過性の流行やメディア的な話題に支配された美術界で、彼の仕事は珍しいものを表しています：本物の探求、人間の条件を探る手段としての芸術への全身全霊のコミットメント。彼の絵画は快適な確信や単純なメッセージを提供することはありませんが、経験の深淵への旅へあなたを招待します。

魏嘉はなぜ私たちが画像であふれたデジタル時代に絵画を必要とするのかを思い出させてくれます。なぜなら彼の手にある絵画は単なる別の種類の画像ではなく、物質的な存在であり、人間の身体的・精神的な世界との関わりの証人だからです。アルトーが書いたように：「私は離れた詩や演劇は好きではない。私は苦しみ、人生、必然性に関わる詩を愛する」^[16]。魏嘉の絵画はまさにそれであり、複雑さと矛盾に満ちた人生に真正面から関わる作品です。

もし皆さんが韦嘉の絵の前に立ったら、本当にじっくりと見る時間を取ってください。加工された表面、重ねられた絵の層、現れては消える人物たちに視線を留めてみてください。期待や偏見ではなく、開かれた感性で見ようと試みてください。韦嘉が私たちに提供するのは、受動的に消費するスペクタクルではなく、視覚的かつ感情的な対話への招待であり、それはきっと世界の見方を変えるかもしれません。