よく聞いてよ、スノッブな皆さん。もしまだ平子雄一の樹人の視線に出会っていないなら、日本の現代美術を何も見ていないことになります。ただの人間の体に木を描いてブルジョアのリビングを飾るためのアーティストではありません。いいえ。その一見素朴に見えるイメージの背後には、私たちの自然との関係、有害な人間中心主義、そして環境との共生的対話の美しさに対する深い思考が隠されています。
1982年、自然豊かな岡山県の山あいで生まれた平子は偶然ではありません。昆虫を集め、孤独に釣りをする幼少期を通して、人と自然の共存に対する感受性が育まれました。ロンドンのウィンブルドン美術大学で学ぶうちに、彼の芸術的ビジョンは、幼少期の野性味あふれる自然と英国大都市の整備された緑地の鮮やかな対比に直面し、結晶化しました。
彼の作品でまず印象的なのは、繰り返し現れる「樹人」の姿です。人間の身体に角のあるマツの頭を持つこのハイブリッドなキャラクター。しかし、これは単なるシュールな空想ではありません。この人物を通じて、平子は私たち自身の環境への関係の歪んだ鏡を示しています。アーティスト自身の自画像であり、自然と関係を持つすべての人々の普遍的な肖像でもあるこの姿は、根本的な疑問を運びます：私たちは本当に「自然」と呼ぶものから分かれているのでしょうか？
彼が描く風景は、身近でありながら奇妙な美しさを持っています。「Lost in Thought」や「Green Master」のような彼の絵画は、内と外、文化と自然の境界が徐々に消える世界へ私たちを運びます。室内植物は野生樹と隣り合わせにあり、人工物は自然の要素と視覚的調和をもって混ざり合い、私たちの心のカテゴリーに問いを投げかけます。平子の卓越した技術は、これらの一見対立する世界を融合しつつ、教訓的や過度の単純化に陥らない能力に表れています。
彼の芸術的な取り組み全体に根底にあるのは、深いエコロジーの哲学です。まだ知らない人のために説明すると、ノルウェーの哲学者アルネ・ネスによって提唱されたこの概念的視点は、人類は相互接続されたグローバルな生態系の一部にすぎないという包括的な見方を示します [1]。平子はこのビジョンを自らの芸術に移し替え、自然を利用する資源や鑑賞する背景としてではなく、共存のパートナーとして考えるよう私たちに促します。彼は自然と人工の境界を意図的に曖昧にし、この区別の恣意性への気づきを促しています。
作品「Pressed Flower 03」（2021年）は、ヒラコの能力を完璧に示しています。すなわち、人体と樹木が一体となった存在が倒れた木の幹の上で蓮華座を組み、桃色と青の光を帯びた植物群に囲まれた瞑想的空間を創出することです。この巨大なカンバス（249 x 333 cm）は、伝統的な仏陀の表現を想起させますが、神道のアニミズムや現代の環境問題の視点から再解釈されています。アーティストは自然を超越するのではなく、自然に完全に浸ることに根差した精神性の別のビジョンを私たちに提供します。
ヒラコが他の多くの環境芸術家と異なるのは、悲惨主義や破局論を拒否する点です。彼は環境大惨事のイメージで私たちに罪悪感を与えたり恐怖を煽ったりしません。むしろ、魅力的で時に遊び心のある美学を通じて環境とのよりバランスの取れた関係を再発見するよう私たちを誘います。彼の作品には微妙な喜びが宿っており、その真面目なテーマとの対比が特有の美的体験を生み出しており、知性を超えて私たちの心を打ちます。
日本の民話、とりわけこだま（百年生きる樹木に宿る精霊）の伝説の影響がヒラコの作品に深く染み込んでいます。アーティスト自身が指摘するように：「植物や自然の立場に立ったとき、私たちは何を目指すべきか考えるのは重要だと思います。私たちの視点と相手側の視点、両方とも正しいのです」[2]。この言葉は、単なる擬人化を超え、植物の世界観を人間のそれと同等に認める形のパースペクティヴィズムを表す感受性を示しています。
ヒラコが使う多様なメディア、絵画、彫刻、インスタレーション、音響パフォーマンスは、私たちのすべての感覚を動員する没入型体験の創造を志していることを物語っています。彼の木製の巨大彫刻シリーズ「Yggdrasill」は、北欧神話の宇宙樹を参照しており、東洋と西洋の伝統を予想外に繋ぎます。この神話上の木にちなんだ作品名によって、北欧の宇宙観で全ての世界を繋ぐ存在であることを意味し、彼のメッセージの普遍性と文化的特徴を超越する野望を強調しています。
派手さに流される多くの現代アーティストと異なり、ヒラコは長期的に鑑賞され、注意深い観賞者に徐々に明かされる作品を開発しています。緻密な構成は積極的な観察を促し、視覚的探求を通じて彼の思想の複雑さを層ごとに明らかにします。作品「Gift 15」（2021年）では、木人間が画像で飾られた壁を背に大写しでとらえられ、その葉状の頭部から多様な花が咲いています。この作品は文化と自然の実りある対話から生まれる芸術的創造性のメタファーと解釈できます。
彼の作品の自伝的側面は、特に室内シーンで顕著であり、「Lost in Thought」シリーズでは、木と人間が一体となった存在が、本、楽器、鉢植えの植物などの意味深い物が豊富に置かれた家庭空間で描かれています。これらの作品は、文化と技術に満ちた世界に浸りつつも自然との本物のつながりを維持しようとする現代の芸術家の状況を象徴していると解釈できます。ヒラコは理想化した自然へのロマンチックな逃避を提案するのではなく、我々の存在のこれら二つの極の間で絶えず交渉を行っています。
日本の現代美術は、西洋から見るとしばしばいくつかの陳腐なイメージに還元されてきました：かわいい文化、マンガやアニメの引用、または侘び寂びのミニマリスティックな美学など。平子はこれらの単純なカテゴリーを超え、日本文化に根ざしつつも西洋美術の歴史と自由に対話する視覚言語を展開しています。彼の絵画的な構図は時に17世紀のフランドルの静物画を思わせますが、それがより原色的なパレットと現代的な感受性によって変容されており、伝統的な日本美学よりもフォーヴィスムを想起させます。
時間的な次元は平子の作品において中心的な位置を占めています。瞬間的で使い捨てを重視する文化の中で、彼は木々の長い時間性、千年にわたる忍耐、過去の世代の痕跡を携えた土壌への根ざしを私たちに思い出させます。美術史家サイモン・シャマが著書『風景と記憶』で書いているように、「感覚の休息になる前に、風景は精神の構築である。その背景は記憶の層と岩石の層の双方から構築される」[3]。平子はこの考察を取り入れ、自然の地質的時間と芸術的参照の文化的時間を同時に喚起する作品を生み出しているように見えます。
平子の作品において、資本主義と自然に対する道具的態度への批判的な形態を見出すことは魅力的です。彼の人間でも木でもない樹人は、自然を単なる資源へと還元する搾取の論理に抵抗する姿として解釈可能です。しかしこの政治的な読みは、彼の取り組みの複雑さを十分に評価したものではありません。正面からの告発以上に、彼の仕事は人間と非人間が相互尊重で共存する具体的なユートピア、別のヴィジョンを提案しています。
平子の作品の詩的次元は過小評価されるべきではありません。冷笑とポストモダンな皮肉が支配的な芸術世界にあって、彼は新鮮な誠実さを敢えて表明します。彼の芸術の変革力への信念は単純なものではなく、現代的課題への深い理解に根ざしています。美術評論家ニコラ・ブリアは「芸術は出会いの状態である」と指摘しています[4]。平子の創作はまさにこの定義を具現化し、人間と非人間、観客と異なる生存様式との間に前例のない出会いを促進しています。
平子祐一の作品の強みは、伝統と革新、東と西、自然と文化、まじめさと遊び心など、対立して見えるものを調和させる能力にあります。ますます分極化する世界において、彼の芸術は中間地帯やハイブリッドな空間の美しさを私たちに思い出させます。そこでは確信が揺らぎ、驚きや問いかけが生まれます。もし芸術がまだ社会に役割を果たすなら、それはまさしくこれです：他の可能な世界、地球を生きる他の方法を想像する助けとなること。
次に街路で木を見かけたら、少し立ち止まって本当にその木を見てみてください。沈黙する存在は、平子の絵画における謎めいた人物のように私たちの視線を映すかもしれません。この無言のやりとりの中に、道徳主義的な語りや罪悪感を煽る命令から離れた、新たな環境意識の萌芽があるかもしれません。平子の芸術は、私たちの救いは自然からのさらに過激な分離ではなく、自然への意識的な浸透、あらゆる生き物との根本的な相互依存の認識から来るとささやいています。
これについて、ぜひじっくり考えてみてください。
- Næss, Arne.「浅いものと深いもの、長期的な生態運動：概要」、Inquiry、第16巻、1973年。
- 平子雄一、ArtReview Asiaとの対談、2021年10月。
- サイモン・シャマ著、『風景と記憶』、ジョゼ・カムーン翻訳、エディション・デュ・ソイユ、1999年。
- ニコラ・ブリアン著、『関係性の美学』、レ・プレッセ・デュ・レエル、1998年。
