よく聞いてよ、スノッブな皆さん。楊識宏は、現代美術の風景における単なる台湾の画家ではありません。この1947年に中壢市で生まれた男は、東洋の瞑想的な精神と西洋の表現主義、墨の千年の伝統とニューヨークの現代性との完璧な統合そのものを体現しています。1968年に台湾国立芸術学校を卒業し、1979年にニューヨークへ亡命しました。それ以来、彼は21世紀における絵画の意味を問い直し、挑戦し、再発明し続けています。
楊識宏の作品は時の大聖堂のように展開し、各キャンバスは祭壇廊、各シリーズは存在の探求に捧げられた礼拝堂となっています。彼の芸術的軌跡は直線的ではなく、むしろ上昇する螺旋のようであり、初期の具象から90年代の植物的抽象、そして2007年からは彼の代表作であるシリーズ「意識の流れ」を経て、創造的成熟の絶頂に達しています。
この進化は偶然ではありません。時間の本質に対する深い瞑想に根ざしています。この時間という執着は彼の全作品群を貫いています。楊識宏自身はこう述べています：「時間は流れる過程であり、現在は非常に短く、現在は瞬時に消え、時間の多くの状態は過去と未来である」[1]。この永続的な流れとしての時間の概念は、捕らえどころのないものを捉え、一瞬の儚さを閉じ込めつつも、逆説的に永続的な動きのダイナミズムを維持する作品に具現化されています。
ジェームズ・ジョイスの遺産：絵画が意識の文学と融合するとき
楊識宏の芸術理解には、モダニズム文学の領域、特にジェームズ・ジョイスの革新的作品への迂回が必要です。この台湾のアーティストは明確にこの系譜を認めており、2007年以降の作品はユリシーズの作者が開発した「意識の流れ」の技法から直接影響を受けています。この参照は単なる逸話的なものではなく、彼の現代絵画における全ての手法の理論的基盤を成しています。
ジェームズ・ジョイスは1922年の傑作で、従来の物語構造を破壊し、思考の迷路を模倣する内的独白を採用しました。心理学者ウィリアム・ジェームズが1890年に理論化した意識の流れは、知覚、記憶、予測が論理的な中断なく混ざり合う意識の連続性を指します。ジョイスはこの技法を文学に応用し、連想、飛躍、省略によって人間経験の真のテクスチャーを再現するスタイルを創造しました。
楊識宏は絵画の領域において類似した変換を行っています。彼の「意識の流れ」シリーズの作品は、具象表現のあらゆる主張を放棄し、内面的な動きの直接的な表現に集中しています。ジョイスがリオポールド・ブルームの思考をダブリン中に漂わせるように、楊識宏はその筆をキャンバス上でさまよわせ、その瞬間の衝動に導かれています。このアプローチは、ジョイスが「エピファニー」と呼ぶもの、すなわち物事の隠れた本質が突然明らかになる瞬間を深く理解していることを示しています。
ジョイスの影響は、芸術家が展開する時間に対する関係にも現れています。『ユリシーズ』では、ジョイスは1904年6月16日の一日に永遠を圧縮し、内面的経験の強度が瞬間を無限に拡張できることを示しています。楊識宏も同様にその絵画において進めています：あらゆる絵画的ジェスチャーが濃密な時間性を帯び、インクの流れは書道の伝統の数世紀を運んでいます。芸術家は「芸術は瞬間的に流れる時間を留め、現在と瞬間を保存し、一瞬で消える映像や形、美しい記憶を保持できる」と説明しています[1]。
このジョイスとの親近性は、楊識宏が発展させた自由連想の技法において特に顕著です。彼の構成は、創造的意識とインクやアクリルの物質性との自発的な相互作用から生まれます。ジョイスの登場人物が思考を検閲なしに流すように、芸術家はその瞬間の示唆に従って絵の具を流します。この方法は、各細部が無限の連想を開くことができる例外的な意味の豊かさを持つ作品を生み出します。
意識の文学との類似は技法に留まらず、芸術の目的にも及びます。ジョイスは登場人物の心理的真実を社会的外観を超えて明らかにしようとしました。楊識宏も同様に、可視的な形状の背後にある審美経験の深層構造を明らかにすることを追求しています。彼のキャンバスは魂のX線写真のように機能し、現代の感受性の地質層を露わにしています。
このアプローチは、「突然照らされて」（2017年）や「拡張」（2016年）などの作品でその頂点に達します。そこでの絵画的身振りは心的連想のメカニズムを正確に模倣しています。色は描写的ではなく感情的論理に従って応答し、形はチェーン状の連想の中で相互に生成され、それはジョイスの手法を思い起こさせます。芸術家はこうしてジョイスの「無意識の自動筆記」が意味するものの塑造的同等物を創り出しています。各作品は結晶化された意識の断片となり、人間経験の無限の複雑さへの窓を開きます。
見えないものの構築：絵画空間の建築学
楊識宏の芸術は文学の借用にとどまらず、建築の基本構造からも視覚詩学を引き出しています。彼の作品のこの建築的側面は特に興味深く、東洋の伝統と西洋での学び双方から継承された、深く空間的な絵画の概念を明らかにしています。
建築は空間の組織化の芸術として、楊識宏に抽象的な構成を構築するための形式的な語彙を提供します。彼のキャンバスは単なる装飾表面ではなく、視線によって居住可能な空間となり、瞑想や観想の場となります。この建築的アプローチはまず絵画空間の管理に現れます。西洋の伝統的な絵画がしばしば中心性と遠近法を重視するのに対し、楊識宏は中国古典美術に受け継がれた空間論理を採用し、複数の視点から同時に空間を展開します。
この建築的空間の概念は、彼のニューヨークでの教育と経験に根ざしています。1979年から住むマンハッタン、摩天楼の森は、彼の垂直性と空間の階層性の認識に深く影響を与えています。彼の最近のシリーズ作品は、建築の現代用語である”流動空間”を親密に理解していることを示しています。これは途切れのない相互浸透する体積であり、移行および曖昧さのゾーンを生み出しています。
建築の影響はまた、楊識宏が作品の内部構造を設計する方法にも現れます。各キャンバスは独自の構築論理と不可視の骨格を持ち、色彩の塊と空白の配置を決定します。このアプローチは装飾よりも構造を、外観よりも本質を重視する近代建築の巨匠たちを想起させます。彼はこのため、作品全体の経済性において各要素が正当化される”絵画建築”と呼べるものを展開しています。
この建築的な側面は、特に比率とリズムの処理に顕著です。楊識宏は空間の調整の技術を完璧に掌握し、キャンバスに真の建築的深みをもたらす呼吸と緊張を生み出します。「ユニバース」（2016年）や「時間と大地」（2017年）といった彼の最も成功した構成は、有限の枠内で無限の感覚を創り出すという偉大な建築空間の稀な特質を備えています。
楊識宏の建築的アプローチはまた光の概念にも表れます。現代の建築家が光を独立した構造材として扱うのと同様に、彼は対比と色調の微妙さを操作して、絵画空間を構築する光の効果を生み出します。彼の深い黒は建築的な塊として機能し、ボリュームと空洞を作り出し、作品に彫刻的な次元を与えています。
この建築的感性は、「意識の流れ」シリーズで最も完成された表現を見出します。ここで彼は真の”建築的書道”を展開しています。中国伝統書道に触発された彼の筆使いは、驚くほど複雑な構造を持つグラフィック空間を構築します。各線、各滴りは、観る者が多様な経路で視覚的にたどることのできる精神的空間の築造に寄与しています。
最後に、楊識宏の目に見えない建築は、その作品が二次元の制約を超え、本当の環境になる能力に現れます。彼の大型キャンバスはそのフォーマットと表現の強度によって、展示空間を集いと瞑想の場に変えます。彼の芸術のこの環境的特性は、現代建築が「現象学的空間」と呼ぶものへの深い理解を示しています。それは感受性に直接作用し、観客の知覚を変容させる場所です。
永遠の現在の錬金術
Yang Shihongは、彼の最近の作品において稀有な洗練された時間の錬金術を展開しています。彼のシリーズ「意識の流れ」は瞬間を固定することにとどまらず、「永続的な現在」という逆説を生み出し、一瞬の儚さに永遠の次元を付与しています。この芸術的パフォーマンスは、その最も微妙なメカニズムにおいて分析される価値があり、彼の取り組みの深い独自性を明らかにします。
芸術家は偶発的記憶のプロセスを正確に模倣する絵画技法を発展させています。彼のキャンバスにおける自発的な動きはプルーストが描写した記憶の急激な再出現に似ており、これは時間の論理を回避して遠く離れた経験間の予期せぬ結びつきを明らかにします。このアプローチにより、Yang Shihongは”時間を巻き戻す機械”として機能する作品を生み出し、創作の現在に全ての芸術的存在の堆積物を明らかにします。
芸術家の技術的熟練は制御された偶然を操る能力に現れています。彼の構成は計画と偶発、千年の伝統を誇る中国書道とアメリカ抽象表現主義のジャズ即興演奏の間の相互作用から生まれます。この統合により、通常の現代美術のカテゴリーを超える驚くべき独創性を持つ作品が生み出されます。
Yang Shihongの革新はまた、内部の一貫性を損なうことなく常に彼の造形言語を刷新する能力にあります。新たなシリーズごとに彼の形式的語彙の未踏の可能性が明らかにされ、決して衰えない創造性を示しています。この永久的な刷新の能力は、内なる真の必要性の証であり、各キャンバスを唯一無二の芸術的事件に変えています。
このようにして芸術家は現代美術が抱える主要な矛盾の一つを解決しています：新規性の要求と個人的なビジョンへの忠実さをどう両立させるか。彼の答えは、矛盾自体を創造の原理とし、伝統と現代性、東洋と西洋、具象と抽象の緊張を芸術的発明の原動力と変えることにあります。
Yang Shihongの最近の作品は卓越した芸術的成熟を示しています。『崇高』（2016）や『ラプソディ』（2016）のような絵画は、形式の厳格さを決して排除しない完全な創造の自由を証明しています。彼は中国人が「複雑さの後の単純さ」と呼ぶ稀有な質に達しており、これは長年の研究と深化を隠した明白な証拠です。
この成熟はまた、彼が自己の創作的過去と築く関係にも表れています。以前の時代を否定するのではなく、それらを上位の統合に組み入れ、彼の進化の深い論理を明らかにしています。彼の現在の作品には蓄積された経験によって変容と昇華を遂げた以前の全ての探求の潜在性が含まれています。
Yang Shihongは、個人的な真実性と普遍的な意味合いを両立させる希少な芸術家像を体現しています。彼の作品は西洋の現代美術愛好家と中国伝統絵画の鑑識眼の双方に同時に語りかけ、表面的には調和しない美的宇宙間の予期しない連結を明らかにします。この和解の能力は稀有な規模の芸術的ビジョンの証であり、彼を同世代で最も重要な創造者の一人としています。
ヤン・シーホンの芸術は、絵画が古びた芸術などではなく、人間の経験の深層構造を明らかにする力を今なお持ち続けていることを私たちに思い起こさせます。デジタル画像と瞬時のコミュニケーションに支配された世界において、彼の絵画は、無制約に感受性を展開できる抵抗の場である、瞑想的なゆっくりとした時間のかけがえのない贅沢を提供しています。彼の作品は、21世紀における絵画の未だ探求されていない可能性についてのかけがえのない証言であり、しばしば無力感に包まれる世界における創造的な楽観主義の教訓です。
- ヤン・シーホン、『自然の叫び声－ヤン・シーホン 永遠の現在』に引用、アルテインペラー、2015年10月21日。
