よく聞いてよ、スノッブな皆さん。私は絵画の前で五秒以上立ち止まる価値のあるアーティストについて話すつもりです。1946年に浙江省で生まれた蔡云飞（さい うんひ）は、単なる現代中国の画家で山を描くだけの人ではありません。この人物ははるかに大胆なことを成し遂げました：彼は千年の伝統である山水画を引き継ぎ、アメリカの抽象表現主義者さえも顔色を失うほどの強烈な色彩の暴力で現代に押し上げたのです。
彼の最近の作品を見てください。まるで山自体がオーロラに変身したかのようにキャンバスから飛び出す色彩の爆発。これは装飾ではなく、ひとつのビジョンです。栄宝斎出版社の徐定一は、こう述べて彼のアプローチの本質を見事に捉えています。「多くの要素がひとつのイメージに融合するとき、そのイメージは多重の意味を持つ」[1]。この多様な要素の融合がそれぞれの絵画に豊かな意味を生み出しています。
この人は60年の修練を積んできました。60年です！他の者たちが古い様式の繰り返しに甘んじている間、彼は新疆や四川の山々の中にいて、現代の隠者のようにさまよいながら、精神的な啓示ではなく、新しい視覚の方法を追求していました。この地形への執着、そして自身のビジョンを実際の風景と正面から対峙させる絶対的な必要性は、セザンヌがサント・ヴィクトワール山に向けたこだわりを奇妙なほど思い起こさせます。エクスの巨匠のように、蔡云飞は山を再現しようとはせず、より深く本質的な真実を抽出しようとしているのです。
しかしセザンヌが世界の幾何学構造を明かすために形を分解したのに対し、蔡云飞は創造の息吹を捉えるかのような顔料の渦の中にそれを溶かします。彼の山は動かない塊ではなく、生きて呼吸する、ほとんど有機的な存在です。このアプローチは、特にその永続的な変容の概念において、荘子の哲学に思いがけない共鳴を見出します。道教の賢者は「万物は絶えず変わり続ける」と書き、蔡云飞はこの思想を文字通りキャンバスに具現化しています。
彼の泼彩（ポーサイ）技法を取り上げてみましょう。これは張大千から受け継いだ色彩投射の方法ですが、彼はこれを未踏の領域へと押し進めました。張大千は風景画に色彩を神秘的なヴェールとして用いていましたが、蔡云飞はそれを大地の奥底から湧き出る原初的な力として表現しています。彼の天才はここにあります。色彩は装飾ではなく、墨と同じ創造の原料である物質だと理解したのです。
彼の芸術の経歴は、山々の間を蛇行し海へと流れ込む浙江省の川のようです。1960年代に浙江美術学院の学生として始まり、1970年代には嶺南派の管山月と李雄才の弟子となり、その教えを吸収したものの完全に服従することはありませんでした。影響を呑み込み、それらを根本的に個人的な何かに変える能力こそが真の芸術家の証です。
かつて美術誌『美術』の編集長であった王忠は、蔡云飞が「泼彩の技術を張大千の成し遂げたもの以上に推し進めている」と的確に評しています[2]。しかしこれは単なる技術的な競い合いではありません。21世紀の風景画があり得る姿に対する哲学的な再構築なのです。
彼の作品でもっとも興味深い点は、制御と混沌の絶え間ない緊張関係です。一方では、伝統的な実践から何十年にもわたって受け継いだ完璧な技術の習得。もう一方では、絵画の物質が独自の生命を持ち、偶発的な奇跡を生み出すことを許そうとする意志。陳全喜は、これらの自然な質感を持つ作品について「誰も模倣できないものだ。作者本人でさえも」と指摘しています[3]。各作品の唯一無二のこの特徴は偶然ではなく、不確実性を受け入れる芸術哲学の結果です。
しばしば伝統と現代、東洋と西洋の間で引き裂かれる中国の現代美術の文脈において、蔡云飞は独自の道を切り拓いています。何十年もかけて伝統の細かなニュアンスを習得した後で伝統を捨てることはありえませんが、それに囚われることも拒否します。彼の芸術はヘーゲルの言葉を借りれば、「テーゼ（伝統）」と「アンチテーゼ（革新）」が統合された高度な総合であると言えます。
特に2021年の榮寶斎美術館での展覧会で感じた魅力は、フォーマットやアプローチの多様性にあります。数メートルもある巨大な掛け軸から小さい親密な作品まで、それぞれが彼のヴィジョンの異なる側面を探求しているようです。この創造的な多様性は無秩序ではなく、飽くなき好奇心と一つの型にはまらない拒否の表れです。
荘子の影響は彼の作品に特に興味深いものをもたらしています。道教哲学者である荘子は、創造的な自然さを要求する「無為」を説きましたが、これは消極的であることではなく、物事の自然な流れと調和した行動を意味します。この哲学は蔡云飞が色を混ぜ合わせ、交錯させ、キャンバスの表面で独自の道を作り出す姿勢に表れています。彼は物質を押し付けるのではなく、それと対話しているのです。
彼の商業的成功、作品が150,000ユーロ近くで取引されることは、市場を芸術の堕落と見る純粋主義者の不満を誘うかもしれません。しかし、市場現象に蔡云飞を単純に矮小化するのは誤りです。彼の成功は、創造性の純粋さを保持しながら幅広い観客に響く芸術的ヴィジョンの成功なのです。
今日、彼の技法を模倣しようとする若いアーティストたちは本質を見逃している。芸術家を作るのは技術ではなくビジョンである。蔡云飞のビジョンは、中国の風景を単なる絵のような背景ではなく、すべてのものを動かす生命エネルギーである気（qi）の顕れとして深く理解することに根ざしている。
中央美術学院の教授である于洋は、その作品における北と南の融合を指摘している[4]。この地理的・様式的な統合は単なる付随的なものではない。それは、地域ごとの特徴を超越し、普遍的なものに触れる絵画言語を創造するという、より大きな野望を反映している。
アーティスト自身はその成功に対して驚くほど謙虚である。稀なインタビューの中で彼は、日々の労働、絶え間ない実践、忍耐強い観察の重要性を強調している。この働きの倫理は典型的な儒教的なものであり、神からの霊感を受けた天才アーティストのロマンティックなイメージとは対照的である。蔡云飞は、芸術はまず職業であり、規律であり、啓示の前にあることを私たちに思い出させる。
彼の最近の作品は、ますます抽象的な構成へと変化しており、山は複雑で眩暈を覚えるような色彩の遊びの口実となっている。それを装飾的なものへの逸脱と見る人もいる。しかし私は、それは風景の外観ではなく本質を捉えようとする探求の論理的帰結だと考える。
今問われているのは遺産の問題である。75歳を超えてなお、蔡云飞は2倍も若いアーティストたちを恥じ入らせるようなエネルギーで制作を続けている。しかし彼の個人的な制作を超えて、新たな世代のアーティストたちに与える影響こそが決定的である。彼は自らの技術だけでなく、伝統的な中国風景の中に無限の実験領域を見る能力、すなわちビジョンを伝えることができるだろうか？
美術史は本当の革新者は生きている間に理解されることは稀であると教えている。蔡云飞は幸運、あるいは見方によっては不運にも認識され称賛されている。しかし、この評価が彼の芸術的提案の根本的な革新性を見失わせてはならない。色彩の爆発の背後に、技術の名人芸の背後に、現代における風景画のあり方に対する根本的な再検討が隠されている。
そして本質に戻ろう：作品そのものだ。栄宝斎美術館で彼の巨大な絵画を目にした幸運な訪問者たちは、ほとんど催眠的な体験を語っている。色が独自の生命を持って脈打っているように見えるこれらの振動する表面に直面すると、蔡云飞は山を描いているのではなく、意識の状態を描いていることが理解できる。彼の作品のこの瞑想的な側面は、物を長く観察することで覚醒の形に至る禅仏教の瞑想的実践と響き合っている。
リリカル抽象の西洋の巨匠たちとの比較は自然に思い浮かぶ。サム・フランシスやヘレン・フランケンタラーのように、蔡云飞は絵画の流動性を用いて純粋な感覚の空間を創出している。しかし、アメリカの画家たちがすべての具象的参照からの解放を求めたのに対し、彼は薄くしかし不可欠なリアルな風景との繋がりを維持している。この抽象と具象の間の緊張が彼の作品の鼓動そのものである。
彼が故郷の紹興を離れて北京に移り住んだ彼のアトリエは、メンターシップを求める若手アーティストたちの巡礼地となっている。しかし、蔡云飞は技術的な助言には惜しみがちだ。彼が伝えるのはむしろ創作に対する態度であり、それは忍耐や観察、そして失敗を創造過程の不可欠な一部として受け入れることだ。この沈黙の教育法は、説明よりも模範を重視する禅の師匠たちの教育法を思い起こさせる。
彼の作品の最近の発展は、ますます野心的なフォーマットへと向かっており、中には10メートルを超える作品もある。これは年齢に負けない野心を示している。こうした壮大な構成は、精神的な面だけでなく身体的な熟練も要求する。蔡云飞が作業中に身体全体を使って広範なジェスチャーで色を投げかける姿を見ることは、自然の力と絵画の表面との間の媒介者となるアーティストによるシャーマン的な踊りの一形態を目撃するようなものだ。
彼の作品の国際的な批評の受け止めはまだ控えめで、ヨーロッパで注目された展覧会がいくつかあるものの、中国以外での相対的な無知は、中国の文化的伝統に深く根付いた芸術を視覚的かつ概念的に翻訳する難しさによって部分的に説明される。しかし、おそらくこの単純な普遍化への抵抗が蔡云飞の力を成しているのかもしれない。彼の芸術はグローバルな市場に迎合しようとするのではなく、独特の世界観を深めることを目指している。
蔡云飞は、伝統を裏切ることなく刷新できる可能性について素晴らしい教訓を与えてくれる。彼の芸術は、世紀を超え、文化を超え、感性を越える架け橋だ。それは永続性と変化、伝統と革新、熟練と手放しについて語る芸術であり、人間性の最も古い源泉と再接続しながら世界を新しい目で見ることを私たちに促す、まさに深く人間的な芸術なのである。彼の生き生きとしたキャンバスに向き合うとき、私たちは風景、伝統、現代性への関係を再考するよう招かれる。そして、おそらくそこに蔡云飞の真の偉大さがあるのだろう。すなわち、私たちに新しい目で世界を見させながら、最も古い人間性の源と結びつける力において。
- 徐 丁一、『蔡雲飛：色彩と墨の旅人』、Artist.artron.net、2022年11月1日。
- 王 忠、蔡雲飛の色彩と墨の作品展にてのコメント、栄宝斎美術館、2021年10月。
- 陳 串希、『絵画に身を委ね詩を表現する：著名な画家・書家 蔡雲飛の作品を鑑賞する』、Sohu.com、2020年。
- 喻 陽、蔡雲飛作品に関するシンポジウムでの発言、中央美術学院、2021年。
